Insanity



27.10.14

Exclusive By Plataforma Records 

Meses atrás se realizó una publicación de un LP este proyecto (puedes acceder a la descarga desde este enlace), aquél material (Requiem) corresponde al tercer disco y segundo LP de Deicida 69. En este que hoy presento, el cuarto material, se deja a un lado la estocada elegante que se escuchó tanto en Requiem como en Angalas, en este disco se da cabida a la virulencia. Este es un disco denso, posiblemente grosero.  

El disco lleva por nombre: Fetish In Sight. Las temáticas son de fachadas delirantes, el fetichismo, el fanatismo, la sexualidad, lo cíclico, las líricas hechas a manera de rumores, y otros aspectos semejantes. El disco se realizó bajo una técnica de asociación libre en las estructuras, hay parva sensatez en las letras y las disposiciones musicales. Se trata de un material de Rock Experimental que se arroja al Noise, al Punk, a lo etéreo. Es un disco básicamente introspectivo y complicado de entender en su concepto, en él se narra una historia.  Es un disco rápido, pragmático. Algunos vídeos de los temas que componen el disco fueron publicados a lo largo de dos meses -periodo en el que se realizó Fetish In Sight -. 

Este material se distribuye en un sello brasileño que sólo publica y aborda un rock denso, el sonido underground -refiero al genuino underground-, principalmente el noise. En Plataforma Records se tiene artistas de casi todo el mundo entre sus filas de discos que ya suman más de 100 títulos de aquellos (como su fundador refiere)  “artistas que están en conflicto con la dictadura de lo normal”. Recomiendo bastante que visiten el sitio del sello, hay mucho jugo. 
Months ago was carried out a publication of an LP of this project. Requiem is the third album and second LP of Deicida 69.

On 26/10/2014 the fourth material is published. It is left to the side lunge elegant heard of Angalas & Requiem. On this record is virulence. This is a possibly rude dense disk. Is crass.

The album is called: Fetish In Sight. The themes are delirious facades, fetishism, bigotry, sexuality, the cyclical, the lyrics made ​​by way of rumors, and other similar aspects. The album was performed under a technique of free association in the structures, there parva wisdom in the lyrics and musical arrangements. It is a material that is thrown Experimental Rock, to Noise, to Punk, to the ethereal. It is an essentially introspective and complicated to understand in concept album, it tells a story. It's fast, pragmatic disk.

Some videos of the songs on the album were released over two months-a period which was conducted Fetish In Sight -.

EXPENTANCY: Experimental, Noise, Punk
FELLOW: Avant Dernières Pènses, Sleep Chamber, The Gerogerigegege, Shock Therapy





26.10.14

Exclusive For Ergô Felix Culpa


Les Prés Fleuris es un compilado entrañable, casi imposible de conseguir. De hecho, ningún sitio latino lo tiene entre sus listas. Dado lo anterior, entra dentro de las exclusividades de esta página. 

Publicado a principios de los 90s únicamente versión de cassette, se trata de 23 temas todo hechos por bandas que en esos días eran emergentes y prometedoras -actualmente algunas han desaparecido, otras continúan editando discos-. Europa continental es la zona en que se centra este compilado, Alemania, Francia, Italia, Bélgica. El estilo puede ser definido como un coldwave predominantemente, sin embargo también se encuentran cercanías con el post punk clásico y el Ambient. 

Respecto a la casa discográfica, poco se sabe. Centrada en acoplados que para nuestros días son referentes en Europa. Pero que se quedaron parados en el tiempo. Difícilmente se encontrará otro material de la época que le iguale en selección y arreglo de los mismos. 


EXPENTANCY: Cold Wave, Ambient

Tracklist

  • Endraum - Regentanz
  • Endraum - Der Traümer Der Keiner Ist
  • La Vierge Du Chancelier Rolin - Whim On A Circular Plane
  • La Vierge Du Chancelier Rolin - Broken
  • Leitmotiv - La Mariée Etait En Noir
  • Leitmotiv - Rêves
  • Autumn - Ein Glasbild
  • Autumn - Windows
  • Sebastian Gandera - N'Ecrire Que Du Vent
  • Sebastian Gandera - En Dépit Des Solitudes (Pour Desnos)
  • Klimperei - Beyond The Green (2e Version)
  • Klimperei - 16 Heures Et Quelques
  • Clair Obscur - Ich Weiss (Nicht) / Without The Walls
  • Clair Obscur - Flowers
  • Noït - White Goddess
  • Renaissance Noire - Le Chant Des Solitudes
  • Ex-Nihilo - Before You Go
  • Ex-Nihilo - Rain Falls
  • End Of Orgy - Garderie Des Songes
  • End Of Orgy - L'Eté Oublié
  • Zurück Placenta - Il Se Perd
  • Zurück Placenta - Demain
  • World Full Of Nothing - Le Serpent

19.10.14



A new video by Deicida 69.

The freedom of association of lyrics while reading about the history of fetishism; the story about what anticivilization and evil.


The material is part of "something" that will come out in a few months.


EXPENTANCY: Experimental, Punk, Obscure Sound 






16.10.14

EXCLUSIVE FOR ERGÔ FELIX CULPA


Tony Wilson, Martin Hannett y Rob Gretton son los nombres, para muchos anónimos, que hay detrás del Post Punk manchesteriano, son sus creadores. Regularmente los reconocimientos le son otorgados a los que exponen su cara usando un instrumento o vocalizando, y poco, algunas veces nada, reciben los cabezales a los cuales un afamado grupo les debe el sonido.

Cuando Joy Division llegó al estudio profesional de ensayo era una banda más de Punk Rock, poco tenía que ver con el toque característico por el cual se le conoce hoy. James Martin Hannett, un aficionado al noise, a grabar el “ruido del silencio” (como él le llamaba al viento de los prados), aficionado a la mariguana y retirado del LSD (había sido hippie) dio las instrucciones de grabación, las cuales no eran menos peculiares que el personaje mismo: quiero un sonido más amarillo, quiero una voz gris y rosa, quiero una guitarra de humo… grabó las percusiones al aire libre para “sentir el olor de la ciudad y percibir el armazón de concreto”. Esas fueron las maneras en que se comunicó con Joy Division, así lograron ese sonido espectral y futurista que apreciamos desde el intro de batería, el cabalgue del bajo, el matiz de un sintetizador… el primer tema de Unknown Pleasures; Disorder. 



Nadie había logrado un sonido así antes, no existían los medios de digitalización con los que hoy ya cuenta cualquiera desde su ordenador y una potente interfase de sonido digital. Era, 1978-79.

Por su parte, Tony Wilson era un idealista. Miembro del medio del espectáculo y un melómano empecinado, un progresista en el sentido amplio del término, un hombre que creía en la autogestión, en el trabajo que se hace por hombres y no por marcas, en hombre que creía en el marxismo y como muchos otros seres de izquierda política creía estar en la tierra para cumplir un fin romántico y trascendente que se glorificara por el trabajo original y arduo. Así, en medio del reino de los grandes sellos discográficos que lo absorbían todo, que compraban la rebeldía para explotarla y despedazarla hasta hacerla caer en lo ridículo y desprestigiar esa indispensable actitud humana, ahí, rodeado de tanta competencia desleal, Tony hizo un trabajo casi quijotesco: sembró la música independiente, la revalorizó, dio libertad creativa, creyó en él y en quiénes con él trabajaban. A su vez, tenía una iconoclasta forma de entender la publicidad, creó leyendas que aún permanecen, que ahora son entendidas como el cenit de la creación musical. 

Rob Gretton era un don nadie. Pero hasta el más incompetente perezoso suele tener alguna habilidad personal. Para el caso de Rob, se trataba de una persona arriesgada, carismática, oportunista y extremadamente segura de sí misma, sufría una especie de verborrea y tenía una capacidad de convencimiento difícil de encontrar en un joven. Fueron estas características en su conjunto las que le hicieron adueñarse del trabajo de representación de talentosas bandas de la zona manchesteriana, impulsaba a muchos a presentarse al público aún sin la preparación suficiente. Las memorias que de Rob existen (no escritas por él) dan cuenta de las innumerables caídas y errores que cometió, caídas que no le afectaron demasiado dado su alto sentido práctico y su capacidad para adaptarse a circunstancias donde las probabilidades y hechos jugaban en su contra. Era un hombre con mucha voluntad. Fue él el que dio la cara ante contratos cada vez que representó a grupos emergentes y sin experiencia, los grupos tímidos eran su especialidad. Esa capacidad para enfrentar situaciones bochornosas sin ruborizarse y sentido intrépido fue muy útil para la Factory Records, uno de los sellos más legendarios de la música moderna. 



Cuando Sex Pistols se presentaron en Manchester con su característico estilo desgarbado, violento y narcisista, dieron -como era su costumbre- un buen espectáculo, pero un sonido horrible. Al terminar la presentación, Lydon lanzó una suerte de reto o invitación (depende de cómo se le interprete), dijo: Nosotros somos Sex Pistols, y si creen que pueden hacerlo mejor, háganlo.   

La década de los 70s presentó la apertura de espacios en diversos medios relacionados con la cultura. Contrario a la narrativa del Vox Populi que atribuye un alto adeudo al punk como mecanismo por el cual los espacios fueron abiertos, éste no vino a abrir nada que no se encontrara dentro de las inercias que el rock venía presentando desde antes de Ramones y Sex Pistols. La industria musical buscaba propuestas frescas para las nuevas generaciones que buscaban un mensaje adecuado a las vicisitudes del momento. El rock progresivo y sus contemporáneos estaban afiliados a los treintañeros y poco se identificaban esos músicos profesionales con la vida y actividades diarias que transcurrían entre las personas que rondaban los 15-25 años. Esas juventudes encontraban a sus imágenes iconográficas no en Bob Dylan, Floyd o Rolling Stones; sino en Iggy Pop, Lou Reed, Marc Bolan y David Bowie, que eran más semejantes a ellos, más cercanos.

Las formas en que se tradujo la apertura de espacios fueron tanto por medios tradicionales (la absorción de “los nuevos talentos” a casas discográficas internacionales: Sex Pistols, The Ramones, Damned, etc. pertenecen a esta forma primaria), como por mecanismos más iconoclastas que no fueron otra cosa más que la fundación de sellos denominados independientes (haciendo referencia a: independientes de la industria musical que manejaba el medio) que se dieron al por mayor tanto en los Estados Unidos (principalmente en la Costa Este norteamericana) como en Europa (especialmente en Alemania e Inglaterra).

Entre estos sellos que marcaron un nuevo paradigma y generaron nuevos estilos musicales se ubica The Factory Records. 


El primer material que publico Factory Records lleva por nombre “A Factory Sample” (puedes acceder a él desde este enlace) y se trata de un 7” doble donde están Durutti Column, Joy Division, John Dowie y Cabaret Voltaire. El material es un lanzamiento conceptual (aspecto que ya había explorado otro sello independiente fantástico, Industrial Records. Puedes descargar un compilado que extrae algunos de esas creaciones en este enlace) que se ubica dentro de los movimientos artísticos de vanguardia y que se alimenta por el dadaísmo y el situacionismo. El primer perfil del primer disco lleva por nombre “Aside”, el segundo “Beside”, el tercero “Seaside”, y, el último “Decide”, las bandas que componen cada lado se encuentran en correspondencia con el intitulado de éste. 


Estas ideas, tan originales en su momento, corrieron por parte de los tres fundadores de Factory Records, así como de un principiante en el diseño gráfico que básicamente aprendió su estilo en la empírea, Peter Saville, al cual se le deben como por el azar las portadas de Joy Division, y las frontales de otras bandas que estuvieron el cenit de The Factory Records. 

La disquera ubicó a Manchester, la ciudad cuna de la primera Revolución Industrial, una cárcel de concreto horrible, en el centro de la creatividad durante 1978-1985 desplazando temporalmente a Londres, la capital hasta entonces del rock británico. Todo el Post Punk transcurrió y casi se dio en esa ciudad, en fábricas abandonadas, zonas de hacinamiento departamental, un lugar frío, solitario, una zona muy adecuada para el afterpunk, el punk muerto. 

En su sentido original, The Factory Records ha desaparecido ya. Los derechos de autor fueron comprados en los 90s, sus fundadores han muerto, las bandas que pertenecieron a ella se han separado. Hoy es un sello tan nostálgico como lo fue la música que en él se grabó, son la ilusión de esos jóvenes idealistas que quisieron dejar huella y de los cuales hoy escribí.         

Citando, dada la proximidad de la segunda visita de Peter Hook a México, vale la pena recordar que él, un referente directo de esos hambrientos y creativos años donde jóvenes sin mucho futuro dieron lo mejor de sí, nos dice:

El problema de la música actual no es la falta de músicos talentosos. Los sigue habiendo.  Lo que no hay son personas como Tony Wilson, Martin Hannett o Rob Gretton, personas que el dinero les importaba menos que la contribución que a la música pudieran hacer. Hoy, como antes del Punk, todos buscan el dinero… y, siendo honesto, yo me incluyo. Hoy me importa más el dinero que hace 30 años.

En los años noventa se han publicado diversas compilaciones a nombre de The Factory Records, inclusive se han  filmado una medianamente interesante película que aborda esos años (24 Hour Party People), se han hecho documentales donde se describe el papel de Manchester en la música moderna (Synth Britannia, y otro par más -que he olvidado su nombre- donde se aborda el caso particular de Joy Division). No hace mucho se realizó una exquisita película biográfica a Ian Curtis (Control), y el número de bandas que hoy han imitado la formula manchesteriana se cuenta por cientos (Motorama es la más comercial de estos grupos del mal llamado Revival).



Dentro de los compilados que se han lanzado destaca uno que aborda los años dorados de Factory Records. Éste lleva por título: The Factory Box Set (Communications 1978-92). Se trata de 4 discos que posee -sin hacer publicidad- lo mejor que se grabó durante 4 años. Es un disco entrañable, es un disco que puedes descargar desde este enlace



A su vez, también recomiendo el cuarteto Palatine (lo puedes descargar desde este enlace), el cual va de 1979-1990. También un buen disco, aunque en lo personal el The Factory Box Sex me parece mucho mejor, más ebrio de obscuridad, es un sonido claustrofóbico así como claustrofóbica era la ciudad donde se reinventó la música moderna para nunca más volver a ser igual.

EXPENTANCY: Post Punk, New Wave, Synth Pop






 


15.10.14



Este proyecto solista viene del Este de Europa. Lleva por nombre Zombies Under Stress (Zombis Bajo Estrés). Su historia es privada, y su música introspectiva.

Comienzan sus lanzamientos en los años 80s y se extienden hasta 1994, la lógica del sonido es la experimentación libre, la exposición del fimes durante sus presentaciones (lo cual los ubica dentro de los proyectos multimedia de vanguardia), lo oculto, el ser humano a punto de explotar. El sonido es delirante y repleto de obsesiones. 

"Normal Obsession" es publicado en 1983, y a su vez es parte de los lanzamientos del sello discográfico "Kaisettes"; conocido sello de experimentación sonora libre asociación de ídeas y letras, irracionalismo. Se trata de maravilloso arte hecho para las personas que van más allá de la cultura.

ZUS es Anti-Status Quo.




The solo project of the Netherlands in Europe, Zombies Under Stress (ZUS). Has a history as private as their music is introspective. 

Beginning his releases in 80s years and extending to 1994, its logic is free experimentation, the film exposure during their presentations, denied it, the occult, man to explode. The sound (perhaps music is delirious. Filled with obsessions). 

Normal Obsession published in 1983, is part of releases of the label "Kaisettes"; these are experiments in sound recordings dingy, free association lyrics, is irrational. It's great art made ​​for people who see beyond the culture. 

ZUS is Anti-Status Quo.

EXPENTANCY: Industrial, Experimental, Ambient
FELLOW: Women Of The SS, SLEEPCHAMBER, SoiSong





14.10.14



Vi las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura, hambrientas, histéricas, desnudas, arrastrándose por las calles de los negros al amanecer en busca de un colérico pinchazo

Ginsberg escribió esto a mediados del siglo XX refiriéndose al suculento libertinaje juvenil consumido en los picaderos estadounidenses. En ese ayer, los jóvenes intelectuales y rebeldes eran poetas, o ejercían como aprendices del sublime arte de escribir la parte redimible de un quehacer humano amenazado por la guerra, sus mentes ardían en el Napalm.  

Past Eroticism (Canadian Sound Poetry In The 60's) forma parte de las grabaciones a capela experimentalista de poetas canadienses de la zona francesa. El valor de este disco es -por lo menos- doble: en primera parte tendrán acceso a las joyas subterráneas de la poesía que se hace a la altura del concreto por gentes comunes. En segunda, tendrán el deleite de conocer cuáles son los inicios de todo el movimiento experimentalista de vanguardia que popularizaría Throbbing Gristle, dado que esta grabación de haberse hecho en los 70s y 80s, sería un clásico del sonido industrial. 

Imperdible, violenta, profunda, caótica; humana.  

EXPENTANCY: Beatnik, Poem, Experimental
FELLOW: Michael Brownstein, Allen Ginsberg, Harris Schiff, William S. Burroughs




12.10.14


Y dónde están estas pendejas protestando por la violencia que reina en su país, México. Sólo veo intromisiones de la ultraderecha cavernaria adornada con tinta para el rostro y silocona para el cuerpo a cambio de unos centavos... ese billete sucio y arrugado es su corazón. 




9.10.14


Margaret Thatcher es una chica sexy, es una mujer para ti y para mí. Visto de rojo cuando aparece en televisión y creo que está enamorada de mí.

Sex Pistols cantaban Dios Salve a la Reina al tiempo en que no podían salvarse a sí mismos, la heroína había llegado a la moda Punk y su bajista, imagen pura del joven idiota, era absorbido por el idilio que circunda al rock n roll: las putas, las drogas, la entrevistas complacientes, la fama, el aplauso a toda estupidez que la estrella haga.  Eran demasiado inmaduros como para luchar contra un sistema, ellos sólo querían divertirse y poder vivir de algo. Sólo Lydon se reconocía a sí mismo como artista, pero sus mejores años creativos vendrían después de los Pistols. El resto, sólo serían músicos acompañantes, no poseían el carácter ni para para ser líderes de un grupo casi amateur. 

Por diversas direcciones llegaban las críticas, punzantes, duras, justificadas. TV Personalities creaba himnos para el tiempo de rompimiento definitivo del Punk Rock…


CRASS emergía como banda ultra, la mejor del Punk Rock, la más ideológica, la más coherente de todas. “Cuando Rotten apareció en revistas de música, supimos que esto ya estaba muerto. Nosotros fuimos una banda que apareció en un movimiento ya marchito”.

Mientras la primera generación disfrutaba de la soez vida de un rockero famoso, otros iban apareciendo en los bajos suburbios británicos con una propuesta que era básicamente la ya conocida; los tres acordes, la visceralidad, lo espontaneo, la mofa. De esta segunda generación se desenvuelve el Post Punk, de éste, Notsensibles jugaron sus dados.

Irreverentes y sarcásticos, Notsensibles (Los Insensibles), lograron estar en la lengua de los que se resistían por aceptar la muerte del Punk Rock y repetían, como capricho: Punk Not Dead. Notsensibles era un grupo de concierto, no un grupo de estudio. Grabaron poco material y realizaron muchas presentaciones en directo que asemejaban la fuerza de Iggy Pop y el sarcasmo lírico que haría cautivante al vocalista de Sex Pistols. Mencionarían las cosas por su nombre, no usarían metáforas, eran primitivos, extraerían la idiosincrasia cultural británica, fueron una banda muy práctica, de composiciones rápidas, provocadora, fácilmente entendible, un grupo que hacía improvisaciones en directo, muy poderoso, de contacto directo con el público. Una banda que nació para burlarse de todo y de todos.


Con poco material, pasaron a formar parte de los grupos clásicos. Se separan a mediados de los 80s. Hoy han desaparecido. Dieron una serie de presentaciones por los años 90s, y en ellos se publicaron muchas de las versiones perdidas de sus temas; la serie de colección “Instant Punk Classics” les dedicó un número, el cual presento en esta ocasión. 


EXPENTANCY: Punk Old School
FELLOW: Sex Pistols, The Clash, Adicts



6.10.14



Almost unknown, Complot Bronswick is a band from French. Similarly sound to Joy Division and the Manchester Wave. Complot Bronswick begin his career in 1982, in 1984 they released their first Lp is an album of electronic Post Punk/New Wave. 

To date have a relatively well known name among collectors circles.


FELLOW: Post Punk, Darkwave
EXPENTANCY: Joy Division, Company Of State, Cultural Decay



1.10.14


Klaus Sperber (en líneas posteriores mencionaré de dónde se genera el nombre artístico: Klaus Nomi) es un caso muy peculiar en la historia de la música contemporánea. Desarrollado en un medio que en estricto sentido tiene todas las características para ser definido como un arte de altas esferas, inclusive un arte para el deleite burgués -me refiero a La Ópera- fue capaz de converger entre dos dimensiones regularmente confrontadas: el músico de cámara con estudios formales para ejercer técnicas de arte clásico; y la música popular, la música del vulgo, del ciudadano a pie. Estos dos aspectos suelen ser entendidos como antitéticos, y a su vez suelen no reconocerse entre sí, más de un exponente de cualquiera de ambas dimensiones considera a la contraria como una farsa, lo cual fue un aspecto muy pronunciado durante la década de los 70s y 80s. Los admiradores de los clásicos despotricaban al punk y sus derivados; a la vez que este último hacía lo propio. Recordar las referencias constantes que Lydon (en ese entonces, Johnny Rotten) hacía como crítica al caso del músico academizado, crítica que se convertiría en uno de los caracteres lapidarios de la primera generación del Punk Rock.

Para el caso de Klaus, una de sus grandes aportaciones -a mi parecer, la mayor-  a la música contemporánea fue mostrar por medio del ejemplo vivo, es decir, por medio de sus propias creaciones, que las líneas de diferenciación que los artistas establecen hacia sus técnicas y su público son ficticias y fundamentadas en el prejuicio. Él mostró que el arte se entiende no por parametrizaciones estrictas (como lo son los géneros, división tan citada en nuestros días, como también, absurda), sino por la continuidad, es decir: de manera independiente a los géneros, toda la música viaja en paralelo sobre los rieles de la historia.    

Para intentan entender esta concepción en su originalidad, se tiene que desmenuzar a quien la concibió así, se tiene que conocer al humano para conocer su arte.  Y para conocer al humano siempre se parte por conocer su desarrollo, su medio. 

Klaus tuvo la fortuna de haber nacido en un país donde una racionalizada apertura al eclecticismo capitaliza la valoración que se dirige a los actos creativos. La mezcla de estilos y técnicas que podrían parecer incompatibles, en Alemania es valorada. Sumando a lo anterior, Alemania es un país con números e importantes cimientos en la ópera: Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Emanuel Schikaneder, Carl Maria von Weber, entre otros más, que fueron los cimientos del Romanticismo del XIX, el cual era un movimiento contestatario al racionalismo francés y al empirismo sajón. El Romanticismo atrajo composiciones donde el sentido magnánimo, espiritual y crítico a lo mundano y a la Diosa Razón se encontraba latente, un conocido ejemplo de ello es el Der Ring des Nibelungen, de Wagner. A letras de Rüdiger:  

…. El famoso tritono en mi bemol es el pensamiento acústico del comienzo de todas las cosas; es  el agitado elemento originario, es el agua. De la disolución de primer sonido se origina el resto. El instante de la creación se hace audible cuando se añade el sonido que simboliza el sol. El fuego del sol hace que el agua brille como el oro y este último se convierte en un tesoro que se alojará en las profundidades del agua donde las hijas del Rin le darán cobijo y protección en los tiempos donde la codicia no está incluida en el círculo fatal del poder y la posesión; ahí se constituye la inocencia y la unidad del mundo natural. Alberico el Negro, un príncipe de las tinieblas y señor de los Nibelungos, carece de cualquier sentido para la belleza del tesoro, pero quiero poseerlo para acrecentar su poder, sólo por el poder. El amor haría que el tesoro y su belleza descansaran en sí, dejaría que el ser fuera en sí mismo lo que es. Pero quien renuncia al amor, querrá robarlo y convertirlo en valor… este es el conflicto del drama de El Anillo De Los Nibelungos: la relación tensa entre poder y amor, avidez de posesión y entrega, juego y coacción… una pieza de mitología social, una crítica a la Revolución Industrial y sus efectos, una crítica del mundo en que vivió Wagner, y del mundo actual.

Klaus Sperber nace en el periodo de decadencia del Nacionalsocialismo, en los meses previos a la rendición de Alemania, que a su vez fueron los más duros para aquel país; pasó su niñez y adolescencia en el periodo post bélico alemán, en la refundación del país lo cual no fue sencillo para nadie. Quizás producto de ello se explica el largo tiempo que tardó para relucir su brillo ante públicos extensos, más de 30 años para tener verdaderas oportunidades -que en términos de la vida de un artista, es prolongado-. Alguien con su talento en circunstancias normales y a sabiendas del empeño que le caracterizaba, alcanza el reconocimiento desde mucho antes. Pero la vida casi nunca es justa, y menos aun cuando se ensombrece como efecto de la guerra y el fanatismo. 

Entre bastidores de puestas de teatro, discos de ópera, de rock, criado en una familia de artistas donde casi todos ejercían de vocales, y maravillado por las historietas de Serie B esgrimió una técnica que si bien no es común entre vocales profesionales, tampoco es exclusiva. En términos técnicos, Klaus Sperber era un contratenor.  Algunos han intentado explicar su característica vocal tomando como referencia, como punto focal, la preferencia homosexual de Sperber (la típica exposición: los homosexuales buscan “ser” mujeres y hacen lo posible por imitarlas). En este caso no explicaré el desempeño de un artista y su talento desde un planteamiento reduccionista, absurdo y envuelto en prejuicios;  por el contrario, el contratenor es una técnica en sí misma, un manejo de cuerdas vocales que no cualquiera puede realizar, se requiere entrenamiento, disciplina y facultades orgánicas de nacimiento, lo cual nada tiene que ver con la preferencia o aficiones sexuales.  

Ahora bien, el terreno artístico en la Alemania post guerra no era demasiado nutritivo. Incluso, en las letras y el pensamiento, en la filosofía donde los alemanes habían despuntado, esos fueron años malos -de poca producción-, y ello en conjunción con el gusto multidimensional de Sperber al no seguir posturas ortodoxas se tradujo en la necesidad de actuar, si quería presentarse en algún lugar, en suburbios donde las oportunidades de trascender son escasas. Él ya hacía presentaciones en vivo desde su segunda juventud, pero eran en clubs nocturnos frecuentados por homosexuales, no se trataba de centros profesionales o semiprofesionales donde acudieran potenciales artísticos; es decir, eran clubs para bailar, beber, lugares para pasar el rato.  

Mientras ello ocurría en Alemania; en los Estados Unidos, potencia madura y fundamental que se vio beneficiada de la caída del Nacionalsocialismo y los bombardeos en Europa, estaba en condiciones de brindar oportunidades tanto a nacionales como a extranjeros. En los 60s y 70s se dieron amplios movimientos migratorios a los Estados Unidos, entre los migrantes no sólo se contaba la mano de obra obrera, sino también artistas que buscaban mejores proyecciones para sus actividades, la industria de cine tenía su capital en ese país, los grandes sellos discográficos ahí tenían su matriz, la academia también estaba bien desarrollada y con posibilidades de exportar técnicas, propuestas… era el tiempo del Estado de Bienestar, y los Estados Unidos era visto como el país modélico para el futuro (narrativa que hoy, después de más de 40 años, ya nadie medianamente sensato se traga).  El Sueño Americano no sólo era un sueño de los latinos, también de los europeos. La Costa Este de los Estados Unidos, conocida como “Northeast Corridor” era el epicentro del Rock ‘n’ Roll y del “espectáculo” en general, zona a la cual llegaron artistas de todo el mundo, algunos en búsqueda de fama y otros en espera de desarrollar novedosos proyectos una vez que habían tenido éxito en su país de origen; entre los segundos se encontró David Bowie, entre los primeros, Klaus Sperber que para esos años (los 70s) ya comenzaba a adoptar -primero de manera intermitente y después de forma permanente- el seudónimo Klaus Nomi.


Cabe señalar que NOMI se trata de una reversibilidad de vocales (OMNI) inspirado por la devoción que  Sperber tenía a la propuesta de los filmes e historietas Serie B, afición que estaba muy difundida entre el vulgo, el ciudadano a pie. La Serie B es una propuesta (regularmente fílmica) de bajo presupuesto que siempre aborda temáticas bizarras, ambiguas y morbosas, es anti-intelectual, ejercita deliberadamente lo ridículo y se vanagloria de ser mal cine, malas historias. Paradójicamente, suele ser exitoso en su comercialización y contar con muchos adeptos y muchos clásicos que hasta la fecha se siguen replicando. Un ejemplo actual de un director (que a mí me es insoportable, estúpido y farsante) inspirado en la Serie B, es Quentin Tarantino.  


Sería bajo esta inspiración (Serie B) para el manejo de imagen, así como la radiante técnica vocal que había aprendido en Alemania, con lo cual comenzó a realizar presentaciones en los EU, las cuales rápidamente fueron dando material de presencia a Klaus Nomi en Nueva York. En un principio,  Sperber hizo básicamente lo mismo que realizaría en Alemania: presentaciones de corte operístico. Sin embargo, las presentaciones poseían elementos complementarios y diferenciales con respecto a la ortodoxia, elementos que se manifestaban en el “performance” que acompañaba a Klaus Nomi. Complementario a esto se tiene que recordar que las presentaciones se ejercían en un importante periodo para la música popular: el periodo de libertinaje artístico que generó el Punk Rock, el cual abrió puertas a espectros que se habían mantenido excluidos durante casi una década, el espectro que de la propuesta juvenil es función.  

Confluyendo lo previamente mencionado; Klaus Nomi se encontraba tanto en un tiempo (los 70s) como en un lugar (el centro artístico estadounidense) que aumentaba sus posibilidades se impactar de manera positiva en la música, su gran afición por excelencia, y así lo hizo. Su gran momento, en el cual cambió en unos cuantos meses su difícil situación como artista y en pocos años la panorámica de la música contemporánea estableciendo un rompimiento paradigmático activo hasta la actualidad, se dio en la presentación que éste haría junto a una de las máximas figuras del Rock mundial, me refiero a legendaria presentación que hizo en el Saturday Night Live donde dio cátedra vocal a David Bowie, lo cual le valió el despido inmediato como corista, pero le catapultó como artista casi de forma inmediata (puedes descargar el vídeo desde este enlace).



Después de esta presentación (ocurrida en 1979) llegaron las importantes firmas discográficas, la publicación de sencillos, Lps, vídeos, la aparición como portada de revistas, las presentaciones en televisión… pasó de ser un casi desconocido vocalista de técnica maravillosa que necesitaba trabajar como cocinero para poder vivir, a convertirse en una de las figuras capitales del emergente New Wave durante el periodo Post Punk. 

La madurez que había alcanzado a los 34 años le mantuvo alejado de la decadencia que a los jóvenes consume cuando la suerte les cambia de un momento a otro; el primer disco se lanza en 1981, el segundo en 1982, el tercero en 1983, lo cual bajo los términos de la calidad de cada uno de éstos es una ascendencia meteórica tomando en cuenta que los buenos discos suelen ser grabados por un músico promedio en periodos más extensos. 

Con una sombra de tragedia tan calamitosa como su tiempo y lugar de nacimiento, las dificultades para “ser” como artista y una vez intercambiado su camino por un golpe de suerte que abrió la puerta para embellecer este enorme e insoportable drama humano, todos sus sueños vieron el derroche de igual forma: rápidamente y sin explicación para él.  

El SIDA, enfermedad de la cual casi nada se sabía para su tiempo, tan poco investigada que se le atribuía como una patología exclusiva a la comunidad homosexual, le consumió de una forma rápida y sin piedad alguna, sin reparo, sin solución. Su enfermedad fue tan impía como el trato que la gente dio a aquel que había regalado momento de plenitud y belleza en medio de un riesgo real por la catástrofe nuclear… se olvidaron de él, le dejaron solo para morir de una manera monstruosa y horrible, sus admiradores se fueron, sus firmas pidieron más firmas para ceder los derechos de su arte a algún perro usurero que lucra con la muerte, sus amigos le olvidaron en algún bar, en algún vaso de vino barato, los médicos pedían que desocupara la cama, el cáncer le consumía el cuerpo, el herpes cubría su piel…

...¿Joey y ahora qué hago? Ya no me quieren más en el hospital. Ya me desconectaron de todas las máquinas. Tengo que parar todo esto porque no estoy mejorando’. Tuve un sueño de que Klaus se mejoraba y cantaba nuevamente, sólo que esta vez un poco deformado, así que ahora tenía que estar detrás de una pantalla o algo. (Klaus Nomi, 1944-1983).
Su vida y su grandeza… una tragedia en un montaje teatral.  


EXPENTANCY: Post Punk, New Wave, Ópera
FELLOW: Nina Hagen, Joy Division,





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