Insanity



28.11.15


El proyecto de la Unión Soviética buscó construir paradigmas políticos, económicos y sociales distintos a los del mundo occidental, además de la guerra ideológica se daba una guerra por el posicionamiento estratégico principalmente en las regiones asiáticas, europeas y las del oriente medio, lo cual se vio expresado en los diversos conflictos bélicos durante el periodo de la Guerra Fría en los cuales nunca hubo enfrentamiento directo entre los EU y Rusia, pero sí duelos mediados en otros países donde cada bando solía apoyarse en términos militares y económicos en alguno de los dos bloques. La Unión Soviética se presentaba como peligrosa al mundo occidental porque ella se había transformado en una superpotencia mundial en menos de medio siglo, algo que no se había visto anteriormente en la historia de la humanidad, y se presentaba al occidente -principalmente a los países del Tercer Mundo- como una alternativa al modelo capitalista donde muchos entendían a éste no como un garante de la libertad y los derechos humanos, sino como una sanguijuela para los países subdesarrollados. Existen múltiples tesis (actualmente destaca la que le ha dado a Joseph Stiglitz el premio nobel en economía) que concluyen que el capitalismo se ha fundamentado en un modelo de saqueo (algo que ya había apuntado Marx desde el XIX), la acumulación originaria del capital fue precisamente un periodo de saqueo transnacional. En las Venas Abiertas de América Latina, libro de Eduardo Galeano, se describe -muchas veces tocado detalles- la forma en que los Estados Unidos y Europa han saqueado Latinoamérica, e incluso la forma en que han destruido a los pueblos como efecto de haberles arrebatado toda su riqueza, ello como efecto de la sobreexplotación.   

En el caso soviético, los adelantos técnicos, científicos, tecnológicos y artísticos estuvieron acompañados de las premisas que daban sustento a su esquema ideológico; la eliminación de la burguesía, el colectivismo, el control estatal de la economía, de la educación, el carácter eficientista y utilitario, el sistema burocrático de partido desarrollado por Lenin, así como diluir aquello que escapaba a ese ideario lo que trajo como efecto la privación de libertades en el sentido occidental del término. Los hechos de represión no sólo ocurrieron en la URSS sino también en los EU; el papel de Lavrenti Beria (KGB-URSS) no era esencialmente distinto al de John Edgar Hoover (FBI-EU), ambos eran homicidas, incluso la carrera de Hoover fue más extendida y exitosa en comparación con la de Beria y no fue sino hasta su muerte que se aceptó que John Hoover era un psicópata que forjado en la arenga del “anticomunismo” cometió múltiples actos criminales y creó relaciones de complicidad en las altas esferas del gobierno, incluso se daba el permiso de chantajear con información delicada a los presidentes de los Estados Unidos (solía usar como instrumento de canje las costumbres sexuales de los presidentes, las infidelidades maritales, las adicciones a drogas, las complicidad con las mafias, etc.). Existen múltiples documentales e investigaciones al respecto, incluidos documentales del sector conservador estadounidense -History Channel- que recuerdan a Hoover como uno de los personajes más siniestros del siglo XX en EU. 

La URSS generó una personalidad que a los occidentales nos es complicada de entender, con el advenimiento de la revolución se dio una concatenación de los principios que a ésta le daban fundamento, principios marxistas-leninistas, con la idiosincrasia de ese país para el cual el supremacismo siempre ha sido una característica sobresaliente. El supremacismo es en términos llanos sostener que se es esencialmente superior a otro, existen diversas formas de supremacismo, hay el supremacismo racial, el supremacismo religioso, supremacismo cultural, etc., es muy propio de aquellos países que aspiran a la hegemonía, a ser potencias regionales o mundiales. Aun cuando el termino es moderno y su desarrollo teórico se puede ubicar en el Siglo XVIII, en la historia han existido ejemplos de esto, los griegos sostenían ser un pueblo esencialmente superior a sus contemporáneos gracias a su desarrollo cultural, los romanos son otro ejemplo, la URSS también lo fue, la Alemania Nazi, los Estados Unidos también lo han sido.  Una de las formas concretas en que se expresa el supremacismo es por medio de obras magnánimas, hay una búsqueda casi obsesiva por hacer las cosas en grande, por ejemplo, el nacionalsocialismo dio múltiples ejemplos de eso en sus concentraciones públicas donde los líderes del partido eran presentados casi como seres sobrehumanos, dictando grandes discursos ante miles de personas que les vitoreaban, estructuras enormes acompañadas de enormes banderas, reflectores iluminando los cielos de Alemania, parlantes de bocina a lo largo del país reproduciendo el mensaje de los líderes. Otro ejemplo eran las obras monumentales enormes que hicieran tributo a las figuras políticas del régimen soviético, también figuraban los centros urbanos donde más de una vez se planteaba construir la estructura más grande del mundo como muestra de la superioridad de la URSS respecto al bloque capitalista.

El carácter de superioridad y el socialismo impregnó lo moral, lo política, lo social, y también alimentó las formas artísticas que emergieron en la Unión Soviética, no siendo una excepción el arte vanguardista que si bien no fue un producto soviético sí hay en la vanguardia artística soviética un impulso seminal que impactó todo el mundo. El término “vanguardia” tiene raíces militares, se le llama así a la línea militar de frente, a los que abren camino. En el arte, los vanguardistas son aquellos que van por delante de las tendencias de su tiempo y abren brechas aceptando los conflictos e incomprensiones que ello atrae, como lo es la censura, la planeación y ejecución de obras que parecen desquiciadas, la exploración de nuevas formas de entender lo artístico y dar respuestas alternativas a la pregunta ¿qué es el arte?, así como la realización de productos humanos que parecen imposibles. En él vanguardismo se trabajaba con la intención de romper los esquemas artísticos normales, léase conservadores, y regularmente se nutre de elementos filosóficos que no habían sido tomados a consideración, suele encontrarse ligado a periodos de vertiginosos cambios socioculturales. No está de más señalar que la referencia a lo vanguardista no es un objeto artístico concreto, sino a una categorización; en el movimiento vanguardista mundial se conjuga el surrealismo, el abstractismo, el futurismo, el expresionismo, el cubismo, el dadaísmo, entre otros. En esta categoría se siguen procesos creativos divergentes a las usadas en a lo conservador que tiende a ser hiperrealista (los artistas conservadores se asocian con formas renacentistas y más aún del momento heleno donde se buscaba una reproducción fiel y perfecta de las cosas), en cambio los vanguardistas suelen generar obras bajo parámetros de creación kinestésicos, por ejemplo, algunas veces se puede estar haciendo una proyección visual mientras que los otros creen que se hace música, dado lo cual regularmente se tiene que conocer la justificación verbal de la obra (¿por qué el autor la hizo? ¿cuál fue su objetivo? ¿qué intenta mostrar?) para poder entenderla, dicho de otra forma: no es arte que tenga una interpretación literal (a manera de apunte, los artistas de noise suelen seguir ese mismo principio, de ahí que se hagan llamar vanguardistas. El noise interpretado de forma literal sería únicamente ruido). 

Otros ejemplos; los surrealistas fueron una de las escuelas más comercializadas de la vanguardia, ellos impulsaban una forma de arte irracional como forma de denuncia a los horrores de las guerras mundiales que habían sido hechas bajo parámetros de racionalidad política y económica, posteriormente se asociaron al psicoanálisis dando atención especial a las teorías del subconsciente y al papel de los sueños (el caso de Dalí da constancia de ello). A su vez, para los exponentes de lo abstracto éste tenía que obedecer al ensimismamiento para ser una abstracción del arte a sí mismo, “captar la cosa en sí” eliminando todos los caracteres accesorios y decorativos de una pintura o una escultura: representar sólo lo básico, el carácter que hace arte al arte. Los expresionistas jugaban con el color y la luminosidad, pues en ello ubicaban la fuente de la emoción, la manera de comunicarse con el espectador. Para la perfección en el trazo era elemento que carecía de importancia. 

Aunque no existe un modelador común a todos los vanguardistas (ni entre ellos mismos hubo un acuerdo conjunto en torno a los objetivos, a las formas, a las finalidades y a los mecanismos), sí se puede hablar de una línea matriz: la anarquía creativa y la deliberada exploración de territorios imaginativos que no habían sido tomados en cuenta antes. Uno de los terrenos más fértiles para los vanguardistas fue la Rusia en el periodo leninista, periodo en el cual se intentó hacer un cambio de dirección desde los cimientos, donde era necesario experimentar las implicaciones de nuevas formas artísticas, donde se prestó mucha atención al papel del arte como mecanismo pedagógico de masas y donde muchos artistas vanguardistas ocuparon importantes cargos en el sector de la cultura. Los artistas de vanguardia rusa se nutrieron del supremacismo y del ideario político socialista, fue -como antes se ha mencionado- el periodo leninista donde tuvo su tiempo de esplendor, los vanguardistas rusos fueron fuertemente criticados por los occidentales dado que los primeros sostenían que el arte no debía ensimismarse sino que debía de encontrarse ligado a la realidad social y debía cumplir fines utilitarios para esa misma sociedad creando productos que cumplieran fines de uso práctico a la vez que eran bellos; mientras que en occidente se defendía justamente lo contrario, para los occidentales el arte debería ser en su estado puro y no contagiarse de las necesidades políticas y sociales de una época determinada (claro está, existieron excepciones a cada una de estas opiniones, pero aquí trato de la línea rectora, de la tendencia que se dio en la discusión). Para los artistas rusos el arte por el arte era una justificación burguesa de lo artístico (pues cuando se hace así sólo es útil -desde su parecer- como producto decorativo), los soviéticos buscaban una justificación social, un tipo de arte que no fuera decorativo sino útil y accesible a todos, que sirviera a su sociedad. Incluso el diseño gráfico y la arquitectura moderna está fuertemente influida por esta visión práctica, el diseño gráfico moderno se originó en Rusia.     



Dentro del terreno de la música los vanguardistas tuvieron un papel sobresaliente como promotores de los principios socialistas, fueron educadores de masas. Como ejemplo está la Sinfonía de Sirenas de Arseni Avraámov. Cito:
La sinfonía urbana a gran escala de Arseni Avraámov se estrenó en 1919, requería contingentes repartidos por la ciudad para hacer sonar sirenas de fábrica y de barco, silbatos a vapor, artillería, una marcha fúnebre y La Internacional. Bandera roja en cada mano, el compositor dirigía desde lo alto de una torre diseñada para que todos pudieran verlo. La versión final de la obra fue presentada en Moscú en 1923, para celebrar el sexto aniversario de la Revolución. 
Es precisamente con esta obra magnánima y de elevada imaginación con la que abre el disco que presento a continuación, “Baku: Symphony Of Sirens. (Sound Experiments In The Russian Avant Garde)”. Este material lo había presentado anteriormente en este website por medio de un enlace tomado de Expresión Excéntrica, sin embargo, no le había dado la presentación que a mi parecer merece. Con motivo de mi asistencia a una exposición de arte vanguardista ruso que se encuentra en mi ciudad, pude tener más elementos y más información para entender a mayor detalle esta interesante serie de propuestas. 

El disco se compone de dos volúmenes que contienen en total 70 tracks de la música vanguardista soviética en primera mitad del siglo XX. Un disco fundamental para los seguidores del experimental.  
EXPENTANCY: Experimental, Ambient

   




25.11.15


El día de ayer intercambiaba mensajes con un colega que vive en España, tratábamos sobre el valor de “Control”, la película biográfica hecha a Ian Curtis. Estuvimos de acuerdo en que ésta se centraba de forma excesiva en el Ian emotivo, en el Ian romántico y atormentado emocional, que trataba el laberinto emotivo que era ese hombre pero que poco se hablaba del impacto que su ciudad, Manchester, tuvo sobre él, sobre el grupo y sobre la escena que se generó en ese lugar a finales de los setentas y se extendió hasta mediados de la siguiente década. Es decir, la película tenía un corte muy individualizado y poco sociológico. Así como el punk californiano tiene su toque particular que hace ser casi por inmediato ser identificado, la escena manchesteriana tuvo su propio espíritu. 

Entender de esa forma, individual, una actividad artística genera la idolatría del individuo lo cual es, a mi parecer, una cosa desagradable. Se tiene que hacer un esfuerzo por entender la ciudad y la época para entender el arte y, en general, las actividades humanas. 

Manchester era una ciudad futurista no en el sentido expuesto en las obras de los utópicos que suelen ver lo futurista como el progreso asociado al desarrollo de la felicidad, por el contrario, la evidencia empírica ha mostrado que el progreso se relaciona con la tristeza y la claustrofobia, el uso de drogas y el suicidio, el conflicto social, lo frío y  la enajenación, y también nos ha mostrado que es en las ciudades desarrolladas donde se da un tipo de arte asociado a lo marginal donde la emoción intenta emerger regularmente de una forma casi desesperada. Manchester fue la cuna de la Revolución Industrial británica y cuando llegaron los setentas la ciudad era una cárcel de concreto donde no había árboles o jardines, era un sitio con zonas habitacionales hechas bajo una lógica de arquitectura modernista que empuja a la vida de hacinamiento, era una ciudad que había sido exprimida por la pujante industria del XIX y que para el último tercio de los setentas presentaba una realidad densa y con tintes apocalípticos que podría hoy tener su reflejo en la ciudad de Detroit de los EU, la cual tiene múltiples construcciones en ruinas, construcciones que alguna vez ostentaron ser la cuna del progreso. 

Fábricas abandonas, problemas demográficos tanto por su crecimiento como por la edad promedio de sus habitantes, calles grises al ser muy definitorio de los centros industriales el poseer poco juego de color, carencia de empleo, etc. Resumiendo; Manchester era una especie de pueblo postindustrial británico, una zona que había sido arrinconada a la periferia de los beneficios de la modernidad después de que se le explotó en los tiempos de gloria de la industria pesada del Reino Unido, la industria del metal.

El sonido que emerge en Manchester durante el periodo Post Punk solía ser maquinado con letras explícitas trabajadas, lo lóbrego y lo traumante. Las causas para ello estaban tanto en las características de su ciudad como al tipo de acceso que se tenía en su cartera cultural; los Beat, especialmente Burroughs, los existencialistas y los poetas malditos franceses eran la literatura típica de los jóvenes que se encontraban inmersos en estos estilos de sonido, a su vez cuando Sex Pistols (un grupo ligado a la zona capital Inglaterra, la cual tenía más dinámica y más vida) se presentaron en Manchester generaron conmoción (me baso en las declaraciones que han sido públicas en diversos medios, incluyendo el documental del 2007 de Grant Gee respecto a la escena manchesteriana, específicamente Joy Division).  

Es algo casi indiscutible que Joy Division han sido la banda más famosa que nace en esa ciudad en el periodo afterpunk, sin embargo, existieron muchas otras, incluso algunas de mayor calidad pero que por circunstancias de manejo de imagen se mantuvieron más cercano al subsuelo del sonido. Joy Division fueron la banda insignia de Factory Records y posteriormente de la Warner, no fueron una banda traidora desde mi criterio, pero sí eran una banda digerible que hoy es casi un estandarte para algunos. Pero otros que tenemos un tipo distinto de gusto, quizás podría decirse que es un gusto más rasposo, nos inclinamos por propuestas más arriesgadas; Magazine es una de ellas.



Ellos también nacen en Manchester y también grabaron con Martin Hannett, famoso productor de la Factory que le regaló ese estilo tan peculiar a Joy Division (vale la pena conocer la manera en que grababa los sonidos del grupo, aspecto al que no entraré aquí pero que les recomiendo investiguen dado que era casi metafísico). En el caso Magazine la figura principal fue Howard Devoto, del cual antes he presentado material como solista (puedes acceder a él en el siguiente enlace), un estudiante universitario que estuvo dentro de la primera línea del punk y posteriormente de todo el afterpunk que se hizo en Inglaterra, un letrista de primera línea mucho más dinámico que Ian (el cual tampoco era malo, pero sí era más predecible que Howard), dispuesto a utilizar lenguaje vulgar en sus composiciones y con un registro vocal interesante, así como interesante ha sido toda su vida. La banda se crea con una intención de mezclar el punk con el progresivo lo cual dio resultados exquisitos, una música negra y viva, algunas veces muy violenta y casi suicida, un estilo muy razonado y vitalista.



Para este post dejo dos discos de su primer periodo (puedes descargar el material desde este enlace) el The Correct Use Of Soap que es un material brillante y ya próximo al New Wave, para quienes entiendan ingles apreciaran en las letras un trabajo magnífico, este disco es sarcástico desde su título y la fuente instrumental también es buena pero ya no es sombría como sí se apreció en el Real Life (su primer material) y más aún en el Secondhand Daylight que es un disco que no guste a muchos pero que a mí me parece de los mejores de su carrera. Este este segundo el otro que he integrado al post.

EXPENTANCY: Post Punk, New Wave
FELLOW: Public Image Ltd, Luxuria



 
21.11.15


Ya recuperada la página, la cual sirve bastante para llegar a un medio más amplio, esta entrada está dirigida a entregar un peculiar grupo brasileño de los 80s, el cual hizo verdaderas joyas en la música obscura en ese país del sur del continente. Sus variantes se encontraron paralelas al rock gótico, al cold wave y al new wave, esto durante el periodo del Post Punk original. Llegué a ellos hace diez años por un disco compilado de bandas brasileñas de música obscura, posteriormente supe que sus publicaciones estaban hechas bajo ese rock de inspiración independiente que tanto se hace en Brasil, de ese tipo de rock que no persigue el lucro, incluso todos sus discos están disponibles para descarga libre en el bandcamp oficial del grupo.

Days are Nights se encuentran activos hasta nuestros días, continúan produciendo discos y aún realizan presentaciones en vivo. Su semejanza la encontraría con un aderezo de The Cure, una electrónica de la segunda época de Ultravox y unas bases de guitarra muy semejantes a Ocean Blue. Es un estilo que no fue valorado a la altura justa de su peculiar originalidad.

EXPENTANCY: Gothic Rock, Cold Wave
FELLOW: OMD, The Cure, Ultravox


Days Are Nights - Guerra Fría
Música obscura del sur del continente, Brasil.
Posted by Ergô Felix Culpa on sábado, 21 de noviembre de 2015



 

18.11.15


A lo largo de la existencia de este sitio he sido censurado en mínimo 30 ocasiones, y todas ellas han sido en Facebook; desde la eliminación de post, vídeos, bloqueos para publicar contenidos y esta última la eliminación de la cuenta raíz desde la cual administraba la fanpage de esta página, así como la de Deicida 69. Así me uno a los miles de usuarios que Facebook ha censurado por subir a esa red social una imagen de arte que muestra pezones, acto que ha sido aplicado incluso a las madres que han osado subir fotos amamantando a sus hijos, porque hasta ello prohíbe el pequeño censor llamado Mark Suckenberg. 

Ahora, ya eliminado sin aviso previo el perfil raíz me es imposible seguir realizando entradas en la fanpage de Ergô Felix Culpa, y a menos de que pueda recuperarla, que tampoco es algo que me preocupe y por lo tanto no creo invertir más que un par de mensajes pidiendo la restitución de la cuenta, hoy queda formalmente cerrada en Facebook. 

Quizás en un futuro abra otra, pero por un tiempo me mantendré sólo con el blog pues la red social era, al fin de todo, sólo para difundir los post que aquí presento y descargar denuncias hacia los que considero farsantes. 



9.11.15


El material de rock que se hizo en Japón durante los ochentas es por sí mismo un material de culto para nosotros, occidentales. Anteriormente se ha presentado aquí material de ese país donde el experimental y el noise jugaron un relevante papel para el desarrollo del sonido oriental; se tiene a INU, un fugaz proyecto de Post Punk  experimentalista, a los míticos Gerogerigegege que fueron uno de los ejercicios más subversivos que se hicieron en los ochentas y noventas y que desaparecieron sin dejar un solo rastro, ni la gente especializada en el proyecto sabe qué ocurrió con ellos, se ha sostenido que su creador terminó en un manicomio después de la muerte de su hermano.  También se ha presentado a los ultra-underground +ALPHA, así como diversos compilados que nunca tocaron en físico este país y que hoy llegan a nosotros por medio del ejercicio conocido como Kill Your Tape, piratería para los que no lo entiendan. Se puede acceder a los lanzamientos desde esta liga donde he clasificado los post que vienen de Japón

En esta ocasión dejo a su mano uno de los discos más queridos de mi colección, un disco de los ácidos Daisuck & Prostitute, un material de 1981 que algunos ya conocerán pero que en su gran mayoría, principalmente en México, les es completamente anónimo incluso en el nombre. Daisuck & Prostitute fue uno de ese tipo de grupos que mezcló el rock experimental con la psicodelia y el punk durante los ochentas, dando como resultado un atípico estilo Post Punk, un sonido muy genuino, vanguardista, con tintes industriales. Un estilo que se encuentra por encima del Post Punk ortodoxo que se hizo en Manchester (Joy Division, New Order, etc.), se trata de música para minorías. 

EXPENTANCY: Post Punk, Dark Wave
FELLOW: Public Image Limited, Chrome, Theatre of Hate






7.11.15


Con-Dom stands for Control-Domination, and is the one-man industrial noise band of Mike Dando. Con-Dom explores any kind of social tensions and control: political, religious, racial, with an acid, violent and uncompromising attitude. He is well-known in the industrial scene for his furious ravaging vocals and the devastating live performances, in which he turns into a real stage animal.
Con-Dom - Live 12/10-1991
Cite..."Con-Dom stands for Control-Domination, and is the one-man industrial noise band of Mike Dando. Con-Dom explores any kind of social tensions and control: political, religious, racial, with an acid, violent and uncompromising attitude. He is well-known in the industrial scene for his furious ravaging vocals and the devastating live performances, in which he turns into a real stage animal."
Posted by Ergô Felix Culpa on sábado, 7 de noviembre de 2015


EXPENTANCY: Noise, Power Electronics
FELLOW: GT, Whitehouse, Genocide Organ




5.11.15


La historia de Sex Pistols es una de las historias más interesantes y apasionantes que existen en el rock hecho en los setentas. Incluso por ello es una historia donde abundan las críticas; pero no conozco un solo crítico que no los adore y que no les escuche aunque sea en privado, los ataques que han recibido (que ya los sortean como el mejor de los deportistas) regularmente se centran en un único factor que es la comercialización que se les dio, eso es casi lo único que se les achaca; es una crítica muy acotada de la cual se ha exagerado. Cabe decir que las fuentes directas han sostenido que la raíz de esas burlas está en lo que dijo un hocicón resentido cuando terminó su minita de oro, Malcolm McLaren. 

Con Sex Pistols no se puede decir que eran malos músicos de punk, ni que escribían sandeces para sus canciones, ni que se hubieran dedicado a fusilar (robar) canciones de otros, ni que no fueran innovadores o rebeldes. No conozco en la lengua británica un grupo que me sea tan fascinante como los Pistols; CRASS también fue grande pero su brillo fue distinto, y respecto a The Clash a mi parecer nunca alcanzaron esa genialidad que sí tenían los Pistols para hacer himnos con muy pocas cosas, con un rock tan básico y con tan pocas producciones. Cada vez que escucho el Never Mind the Bollocks me parece mucho mejor, la forma de cantar de Lydon, las bases instrumentales y los arreglos de Steve Jones, Matlock y Paul Cook, lo que decían sus letras, lo arriesgado que era hacer un disco así en esos años y también me gusta ese juego sedicioso y ambuguo que tuvieron las grandes casas discográficas y el grupo respecto al trabajo de cuatro tipos sin experiencia en la música y, en realidad, sin experiencia en nada, porque eran uno buenos para nada. Incluso ni como ladrones de instrumentos eran buenos (muchas veces los pillaron), no eran buenos en la escuela, no trabajaban, y ni ellos sabían lo que estaban a punto de crear cuando se decidieron por un amateur que cantó “I'm Eighteen” frente a una máquina para poner discos. Los Sex Pistols son para mí de ese tipo de historias de gente que tiene que encontrarse en la vida para crear un alto simbolismo y que una vez hecho, porque la vida es pinche, tienen que desaparecer. 

El material de este post lo proporciono en el siguiente enlace (acceder a él). Se trata de un disco con tres volúmenes, de ese tipo de discos que se publicaron de forma posterior a 1979, a la desaparición del grupo, y que contiene algunas ediciones y masterizaciones inéditas así como rarezas. No está a la altura del “We Have Cum For Your Children” que es una colección de tracks inéditos interesantes, pero vale la pena principalmente para que lo conozcan. Son 61 tracks donde incluso se integran dos montajes en vivo de Flowers Of Romance, un proyecto fugaz del cual se habló mucho dadas las personas que pertenecieron a él. 

EXPENTANCY: Punk Rock
FELLOW: The Clash, The Ramones, Iggy Pop





2.11.15


First Issue (1978), Metal Box (1979) y The Flowers of Romance (1981) son los tres discos más duros de PiL, los cuales se hicieron con la que para muchos fue la mejor alineación teniendo a Levene, Wobble, Jim Walker y Lydon. De forma paralela a estos discos que hoy son material de culto del periodo del afterpunk, se hicieron las presentaciones más ácidas, las más disidentes y retadoras, la más conocida al ser el único lanzamiento oficial en vivo  con la primera alineación fue el Paris au Printemps, disco que sería muy criticado al empeñarse en trabajar en concierto bajo una acentuación de frecuencias que en esos tiempos no era común, que eran de los 15Hz a los 100Hz, que actualmente son asociadas a los subwoofer pero que en esos días era visto como una forma incorrecta de hacer una mezcla. Incluso para los que revisen lo que la ortodoxia dijo del First Issue cuando se estrenó encontrará que una gran proporción de críticas iban en el sentido de que era un disco mal mezclado que abusaba de las frecuencias del bajo sin ser necesario. Así se entendía el sonido dado que en la ingeniería de frecuencias setentera no se trabajaba de esa manera, incluso no mucha gente sabía mezclar una caja de ritmos y un sintetizador con una bajo, una voz, una guitarra y batería. Ahora han cambiado las cosas, en la actualidad incluso es bien visto que una mezcla tengan frecuencias profundas y pronunciadas que oscilen entre los 10-70 Hz. En buena forma el Techno y el Dub contribuyeron a normalizar esos espectros de sonido.

Durante esos días PiL daba bastantes conciertos en pequeños locales, aún no llegaban los grandes festivales e incluso eran vistos como una banda de muy difícil trato, una banda muy conflictiva, imagen que se fue diluyendo cuando quebró la primera alineación producto de las drogas, las estafas entre el mismo grupo, la actitud pedante de Lydon y las cosas que suelen ocurrir en una banda que hace su sonido básicamente trabajando con el conflicto. Cuando llegó This Is What You Want... es sonido era ya más amigable, menos frío, con mayor apertura a la música de masas e incluso había en él remixes que tocaron lugares de cotizados en las listas de éxitos como en el caso de This is Not a Love Song; pero en términos generales ya era menos subversivo.

Aquí dejo a ustedes dos discos en concierto. Ninguno forma parte de su discografía oficial. Uno es un concierto de 1978 en el Newcastle, otro es uno dado en Estonia en 1988. Y también acompañando el post dejo un programa de radio hecho a PiL en el cual hay una entrevista de 1984 a John Lydon.  

EXPENTANCY: Post Punk
FELLOW: Chrome, Sex Pistols










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