Insanity



30.8.16


El Synth Wave hubiera sido imposible sin el desarrollo tecnológico, sin el microchip nunca hubiera existido. En los sesentas se dio una de las revoluciones tecnológicas más importantes y para mediados de los setentas ésta ya podía ser accesible por el público en general tanto por su reducción de costo económico como por su practicidad, las grandes máquinas que ocupaban salones completos con los que Wendy Carlos trabajó para hacer el soundtrack de Naranja Mecánica se encontraba en desuso y los sintetizadores iban haciéndose más pequeños y más baratos, a su vez, lo que con ellos se podía hacer eran sonidos completamente nuevos, no escuchado con anterioridad y fueron cientos de artistas los que comenzaron a trabajar con ello, desde los que experimentaron con éstos para crear el industrial, el ambient y el sonido con intenciones más abstractas (conceptuales, también llamadas) , como los que siguieron la ortodoxa línea de la rítmica y la armonía. Así nació el Synth Wave que fue una de las raíces del pop actual, del techno, de la música dance. 

La fuente de este tipo de música sólo era posible en países que conjugaran al menos dos cosas; una relevante tradición en la música urbana, la que se hace por gente no acaudalada (que suele ser la más creativa y arriesgada), y en aquellos lugares donde hubiera un círculo importante de desarrollo y distribución de estas tecnologías; se debía tener características sociológicas y características tecnológicas. Entendiéndolo de esa forma no es extraño que el cenit de la música electrónica fuera Europa continental y los Estados Unidos. Es cierto que a principios de los ochentas también aparecieron grupos que trabajaron la música electrónica en otras latitudes, por ejemplo en México con Size, pero es conocido que para Size uno de los impedimentos para un buen espectáculo era la ignorancia de los ingenieros de sonido para mezclar instrumentos tradicionales (bajo, guitarra y batería) con instrumentos de la nueva tecnología (cajas de ritmos, sintetizadores, etc.), estas problemáticas han sido abordadas por el documental de Mario Mendoza llamado “Nadie Puede Vivir Con Un Monstruo”.

En la actualidad ha sido la gran potencia económica de la Europa continental, Alemania, la que sirve como capital de la música electrónica mundial, desde los estilos más duros hasta las comerciales de la electrónica tienen en Alemania su referente. En los años ochenta esta característica aún no se definía de forma tan categórica principalmente por la separación territorial de ese país, cuando fue derribado el muro de Berlín comenzó el concentrarse en Alemania una serie de características con olor a propaganda y una deliberada apuesta por hacer de ese país una cuna para el capitalismo europeo.    

Antes de que Alemania, apodada El IV Reich Financiero, tuviera el lugar hegemónico con respecto a la música electrónica, esta última se distribuía principalmente en tres países que competían en grado de importancia, Reino Unido, Italia, Francia. Así eran las cosas en los ochentas.

“BIPPP: French Synth Wave 1979-1985” es un importante compilado de Synth publicado por parte de los revisionistas de los ochentas en 2007.

EXPENTANCY: Synth, New Wave, Post Punk, Minimal





 

19.8.16


Cuando el Power Electronics llegó a los escenarios hizo ver que lo anteriormente citado como extremo y provocador podía ser enterrado de un plumazo, ni los rockeros más acelerados como el Iggy Pop de los Stooges, ni el Rotten de Pistols, tampoco The Residents o Throbbing Gristle lograban esa furia y descontrol que los iniciadores del Power Electronics sí expresaban. Hablo de Whitehouse, los fundadores.

El Power Electronics es un culto a la irracionalidad y por definición es la antimúsica y el antiarte. Es estéril intentar entender este estilo con los parámetros del rock aun cuando si se le puede considerar dentro de una familia sería dentro de la música rock. 

En su tiempo este estilo fue excesivamente original, ahora hay un montón de payasos que han copiado lo que William Bennett desarrollo en medio de un panorama de censura, sexo, violencia, culto al crimen y muchas características que podrían ser definitorias de una mentalidad retorcida y enferma.    

Para William Bennett, Whitehouse se encuentra en el terreno del metalenguaje y se inspira en algo llamado Erhard Seminars Training (EST) que es algo semejante a una terapia de confrontación violenta con aspectos repugnantes de la vida de un individuo con la intención de que ese despliegue de violencia sea útil para superar eventos traumatizantes. 

Yo estaba tratando de llegar a un acuerdo con el sufrimiento en lugar de la victimización. La gente se identifica con ciertos temas y se sienten atraídos a través del componente visceral que es el lenguaje que se utilizó. Una canción como "A Cunt Like You" fue vista por mucha gente, críticos y aficionados por igual, como una especie de canto a la misoginia. No me gusta explicar letras, porque no creo que uno debería hacerlo, pero di una conferencia en Londres donde he explicado que fue todo lo contrario; en realidad, fue el lenguaje utilizado por mis padres cuando se ofendían uno al otro. Esa canción fue sobre la hipocresía de los hombres y su relación con las mujeres de su misma edad y, por ejemplo, sus hijas adolescentes. Lo vi como la misma cosa, tienen los mismos sentimientos hacia sus hijas que hacen a las mujeres de su misma edad, pero es un desagradable y oscuro secreto. Por lo tanto, eso es lo que esa canción es realmente, no es un canto o himno a la misoginia de ninguna manera. (William Bennett) 

EXPENTANCY: Power Electronics, Noise
FELLOW: Con-Dom, The Grey Wolves, Ramleh



14.8.16


Dentro del rock duro la música skin es la música donde siempre hay más militancia, sea racista o no, los skin siempre hacen un culto a la violencia y a la acción directa, es música que se hace y se expone con alcohol de por medio y una ideología que aboga por la radicalidad. La diferencia entre el skin neonazi y el antifascista es casi una diferencia sutil de grado y no de naturaleza, casi siempre es música intolerante y acelerada de corte hardcore que promueve algo que ellos llaman “el orgullo”, en la ultraderechista se pugna por el orgullo nacional y el orgullo de la “sangre blanca” (como si fuera distinta a la sangre de una persona de color, en todo caso serían diferencias genéticas, pero su mente no llega tan lejos); en la antifascista el orgullo se levanta en dirección de la extrema izquierda no identificada con los partidos políticos. 

La música skin tiene su raíz en los Rude Boys y el Mod, a su vez tiene fuentes jamaiquinas, originalmente era música ska con sonidos próximos al rocksteady, con su adopción en Europa en los tiempos de crisis de la socialdemocracia (década de los setentas) se adoptó por círculos de jóvenes simpatizantes con la derecha que, así como hoy, culpaban a los migrantes de la falta de oportunidades (misma tesis que hoy defiende Marine Le Pen y la nueva derecha mundial), culpaban a la izquierda y a los comunistas de promover la igualdad de oportunidades (sostienen la arenga de que esto, la igualdad, va en contra del desarrollo social óptimo pues sostienen que ello promueve la pereza) y creían en la necesidad de una sociedad netamente meritocrática que diera, en primer lugar, oportunidad a los connacionales y, en segunda, oportunidad a los mejor preparados para que éstos formaran una élite que gobernara para todos los demás (premisa fascista). La derecha siempre ha creído en la diferencia de clases, y la extrema derecha neofascista cree que esa diferencia es consustancial a algo tan ambiguo como lo es “la raza”.   

En los setentas en medio de la crisis del modelo socialdemócrata se popularizaron dos tipos de derecha, la derecha liberal (financierista) y la derecha nacionalista (proteccionista). La que triunfó fue la derecha liberal que es la misma que hasta la actualidad gobierna Europa, incluso los gobiernos europeos que se hacen llamar de izquierda son liberales, es decir, son de derecha y apoyan el modelo financierista y de globalización.  

La derecha liberal siempre ha sido sofisticada y no tan burda como la derecha nacionalista; mientras que la derecha liberal siempre ha tenido a sus promotores en círculos académicos universitarios y en periodistas de la prensa económica, los skinhead neofascistas eran el brazo ejecutor, casi un grupo de choque, de la derecha nacionalista desde los setentas. Ellos se consideran herederos de los Camisas Pardas del inadaptado social alemán (Hitler) y hasta hoy siguen creyendo que el modelo de la Alemania Nazi es el único viable para Europa. Incluso algunos skinhead sirven directamente de guardaespaldas a políticos neonazis, el caso del partido político griego Amanecer Dorado es el más evidente.

La música skinhead es excesivamente simbólica dado que se encuentra demasiado permeada por aspectos ideológicos, no sólo es música de protesta sino música para ejercer militancia; por ejemplo, ellos ejercen un culto al compañerismo y en su música es común encontrar múltiples coros (difícilmente un grupo de skin tiene una voz hegemónica en las canciones -algo que sí ocurre en el post punk y el punk que es música que promueve el individualismo-); el corte de esa música regularmente es militar dado que ahí encuentran la referencia a su admiración exacerbada por lo disciplinario. Dentro de su jerga lingüística palabras tales como “caza” son comunes y hacen referencia a “ir de caza”, o lo que es lo mismo, salir a golpear homosexuales, prostitutas, migrantes, negros, etc.

La música skinhead fascista siempre ha sido vista como la escoria del rock, el cual es un estilo musical que en todo caso no nació en los círculos conservadores sino en los progresistas y que, por tanto, se encuentra ligada de raíz a la izquierda. La música skinhead fascista es una degeneración, es perseguida y en muchos lugares se le prohíbe y censura, incluso entre los rockeros es una vergüenza y es, le pese a quién le pese, minoritaria y siempre próxima a evaporarse.      

Una de las variantes del skinhead fascista es el RAC (Rock Against Communism), que es rock que va más allá del anticomunismo (pues hay grupos de rock abiertamente anticomunistas que no caen en el fascismo), sino que es nacionalsocialista; White Noise es parte de esos grupos del RAC, comparte y promueve su ideario y se encuentra ligado al frente nacionalista británico durante su periodo de existencia. Ahora han desaparecido y forman parte del excremento y el seudorock. 

EXPENTANCY: RAC
FELLOW: Bound For Glory, Skrewdriver, Ian Stuart





12.8.16


Murder Ballads es uno de los mejores discos de Nick Cave, uno de los mejores que se ha hecho en el rock y es un disco conceptual hecho bajo la premisa de narrar historias de asesinatos en cada una de sus extraordinarias canciones. Cave hizo este material de cabecera se hizo con una de las alineaciones más envidiadas de los Bad Seeds, Blixa Bargeld (Einstürzende Neubauten), Mick Harvey (Boys Next Door), Jim Sclavunos (The Cramps). 

En el material se experimenta con el folk, el jazz, el corte alternativo y tiene pinceladas de rock industrial; es un disco magnífico, atrayente y sensual. 

EXPENTANCY: Jazz, Avangarde, Folk
FELLOW: David Bowie, Birthday Party, Leonard Cohen




8.8.16


Para los noventas, el rock gótico había desaparecido y había sido degradado, una banda basura llamada Lacrimosa había hecho una mezcla de heavy metal con tinte obscuro y esa porquería causaba sensación en la generación. Los iniciadores del gótico habían muerto o ya estaban haciendo trabajos distintos; Rozz Williams se encontraba haciendo música experimental perfilada al Noise y al Ambient, él había preferido la lectura de poesía y en el rock se acercó a sus orígenes punk con Daucus Karota. 

Después de 10 años de su nacimiento, el rock gótico terminó por convertirse en una exposición de parafernalia y un lugar común para la fanfarronería, se desprestigió y ya era más importante la imagen que la calidad, la metáfora del vampirismo que estuvo presente desde el principio fue tomada como verdad por algunos acomplejados que empezaron a creerse hijos de Bram Stoker, se confundió el romanticismo con escribir melosas canciones de amor y, en general, perdió calidad. Incluso, respetadas bandas como Sisters Of Mercy explotaron más la imagen escénica que la música, conocida es la historia que Eldritch generó respecto a Patricia Morrison, la cual nunca conectó el bajo y sólo sirvió como imagen del grupo, usada como un mero maniquí para atraer escuchas. 

En los noventas era vergonzoso definirse como un grupo de rock gótico si se buscaba respeto de la vieja escuela, era mejor no definirse de esa forma aun cuando las formas del grupo claramente llevaran a esa dirección, a ese género. 

Hacía en la última década del siglo pasado era necesario hacer una propuesta de música obscura que fuera un profundo rompimiento. Ese trabajo de reinvención estuvo a cargo de Sopor Aeternus, una propuesta que en sí misma nunca ha sido una banda, nunca ha dado presentaciones en vivo y de los cuales no se sabe casi nada, incluso no dan entrevistas personales, no aparecen en televisión ni en festivales y hay un anonimato casi absoluto rodeando la cabeza del proyecto. Su inventor es un andrógino con apariencia de enfermo psiquiátrico que se hace llamar Anna-Varney Cantodea. 

Del gótico que emergió en los noventas sólo abogo por Sopor Aeternus, en especial su primer par de discos. Lo que de ellos he escuchado es ostentoso y negro, música muy obscura alimentada por sintetizadores, instrumentos de viento, muchas percusiones y una voz tétrica y magnífica. Además, su trabajo en letras es uno de los mejores que conozco, pareciera fueron hechas por un enfermo de depresión que descansa la pistola sobre sus rodillas para tomar la pluma.  

Se les ha clasificado dentro del darkwave, pero ese lugar queda corto, Sopor Aeternus ha trabajado con casi todas las variantes de la música obscura contemporánea, desde sonidos del after punk hasta el ambient, composiciones instrumentales y un toque de música barroca. Lo que se hace en Sopor Aeternus no tiene simil con ninguna otra cosa de la escena obscura contemporánea, es enigmático.  

Durante los años, he tenido que darme cuenta que no hay cura para la depresión. Al menos no en mi caso. Siempre será parte de mi existencia y no hay absolutamente nada que pueda hacer para cambiar eso. Así es como son las cosas. Todo lo que puedo hacer es distraerme, mantenerme ocupado creando arte/música, para así mantener la tristeza que todo-lo-consume a la deriva. Eso es lo que puedo esperar. Una vez que has aceptado tus límites, los confines en los que tienes que operar, las cosas usualmente tienden a convertirse un poco menos maniacas. (Anna Varney)
EXPENTANCY: Gothic Rock, Ambient
FELLOW: Dvar, Dead Can Dance





5.8.16


Desde su nacimiento Sex Pistols ha sido objeto de críticas. En términos sencillos, es un grupo que a pesar de no encontrarse activo se presta a ello, poseen tantos aspectos ambiguos que casi cualquier cosa contra sus integrantes o su música quiera decirse será bien recibido, principalmente por quienes buscan rasgar su nombre o su propuesta. Se les ha dicho farsantes, pequeñoburgueses, capitalistas, un producto de la suerte, creaciones de la mercadotecnia, bobos, antimúsicos, y un largo etcétera. 

Las críticas sean justas o no, propositivas o destructivas, son parte central del grupo. Sex Pistols no hubiera podido existir si no es con base a la crítica y la descalificación, ese fue el espíritu del grupo. 

Pero muchos callaron cuando escucharon las primeras estrofas de aquel hombre cuando dijo you never listened to a word that I said (tu nunca escuchaste -entendiste- ni una palabra de lo que he dicho). Si bien en términos técnicos Sex Pistols no despuntaba (ahí una de las ramificaciones de su interesante propuesta), cuando se formó Public Image Limited (PiL) se les cerró la boca a casi todos los críticos de John Lydon.

Las críticas que a First Issue (puedes descargar el disco desde este enlace) eran absurdas hasta el grado de versar que se cometía la violación del paradigma del sonido de estudio al tener amplitudes de frecuencia inaceptadas de bajo. No fueron pocos los que en un principio buscaron extender las mismas líneas de crítica hechas Sex Pistols hacia PiL… habían quedado absortos con la propuesta tan novedosa y futurista del grupo y resistían aceptarlo. 

Los primeros tres lanzamientos de PiL se encontraban acorde con la tendencia del After Punk, casi todos sus miembros habían pasado por bandas de Punk Rock, conocían el medio musical y eran una suerte de vanguardistas experimentales. La línea más dura de PiL estaba compuesta por un trípode donde la guitarra de Keith Levene, el bajo de Jah Wobble y un estilo vocal renovado de John Lydon (puedes acceder a un concierto poco conocido dado en Estonia justo en este enlace) los presentaban casi como un grupo de punk experimental.

Efecto de las drogas, las fricciones que suelen encontrarse en grupos con miembros tan propositivos, así como la complicada personalidad de Lydon como cabeza del grupo se tradujo en una complicada separación una vez lanzado uno de los discos más subversivos, obscuros, densos y experimentales de la banda: The Flowers of Romance (puedes descargar el disco desde este enlace).  Después de él, Lydon queda como batuta y PiL pasa a convertirse casi en un proyecto solista con músicos invitados. El cambio de sonido, efecto de los nuevos integrantes, de inmediato se aprecia en los conciertos que se ofrecieron en Tokio en 1983, donde uno de ellos se publicó como “Live In Tokyo” (puedes acceder al material en este enlace).

Partiendo de lo que ha hecho PiL yo les defino como un grupo de rock experimental; el sonido y quienes le rodean se diferencian en diversos apartados. Primero, una migración de las composiciones basadas en el After Punk y el rock gótico desembocando en ritmos de la música Pop y Dance. Segundo, el matiz lúgubre de sus primeros trabajos se aclara, las composiciones posteriores son más vivas, más amarillas, más luminosas. Tercero, John Lydon abandona el papel del personaje pedante, un artista-genio-loco, que le caracterizó en Sex Pistols, para ser en la actualidad una persiona extravagante y posibilitado para reir siendo él mismo y no la imagen que de él se creó en los setentas y ochentas. Cuarto, en general sus integrantes ya no se tratan de principiantes o músicos con poca trayectoria, sino de profesionales, algunos de ellos con un importante nombre traídos de distintos sectores de la música, desde el funk, el industrial, el jazz, el pop, hasta el progresivo. Quinto, el nombre PiL ya se cotiza por sí mismo, ya no se trata de un grupo que se presente como una promesa que puede errar, sino que es un proyecto que en sí mismo garantiza calidad y trayectoria. Y, po último, el abandono de la radicalidad, de la búsqueda del sonido que explora diversos extremos; dicho de otra manera, PiL ya no huele a ser un grupo de drogadictos.  

Con esa dinámica publicó This Is What You Want... This Is What You Get (esto es lo que quieres… esto es lo que obtienes). El disco es un rompimiento con su tradición underground, es un disco que busca (desde el título) otras audiencias (accede al disco en este enlace). Esta tendencia se vería en subsiguientes materiales, por ejemplo en Album, un disco cercano al Glam Rock Alternativo que se hizo a finales de los ochentas (accede a la reseña y al disco desde este enlace).

Ahora bien, en términos estrictos muchos de sus temas se tratan de remix de temas grabados con anterioridad donde participó Levene pero no sacados a la luz originalmente y que fueron publicados producto de que Levene poseía un master de las versiones originales de algunos tracks inéditos que fue lanzado con el título: Commercial Zone (puedes acceder al disco en el siguiente enlace). Este disco se trata de uno de los mejores del grupo a pesar de no ser un disco oficial, incluso no hace mucho Levene publicó un relanzamiento del material.

Dado esto,  This Is What You Want y Commercial Zone suelen entenderse como discos de contraste, discos que compiten entre sí. En mi particular punto de vista, Commercial Zone es, por mucho, el mejor de ambos. Sin embargo, cabe señalar que a pesar de este último es un gran disco no es otra cosa más que la línea que ya se venía notando desde Metal Box (accede al disco y reseña en este enlace), es decir, la forma de composición ya se conocía con anterioridad por lo que no representa por sí mismo un quiebre en el sonido, algo que sí es This Is What You Want.

Después de That What Is Not (accede a la reseña, el disco y un vídeo inédito, aquí) PiL tomó un largo respiro de los escenarios y del estudio en la década de los noventa. Regresó entrado el siglo XXI, actualmente se realizan giras del grupo, se lanzó un material titulado This is PiL, el cual se trata de un disco muy bien logrado tomando en cuenta que los retornos de grupos ochenteros sueñen ser decepcionantes.

Ahora el grupo se encuentra de gira por el mundo, incluso pisó o pisará México en este 2016.

En 2015 PiL lanza otro material de larga duración que se encuentra muy a tono con el corte de un grupo completamente maduro y profesional, quizá sea esta la mejor alineación que ha tenido PiL a lo largo de su extensa carrera, pero, como suele ocurrir en los grpos profesionales, componen bastante bien pero pierden furia y espontaneidad. El material lleva por título What The World Needs Now (puedes descargarlo desde este enlace) se trata de un disco experimental.

EXPENTANCY: Post Punk, New Wave, Experimental, Dark Sound, Dance
FELLOW: Sex Pistols, David Bowie, Psychic TV

1.8.16


Los dos últimos discos de PiL son brillosos, amarillos, alegres. John Lydon ha llegado a un momento de su carrera como músico en la que puede hacer música por placer, sin compromisos, su vida hoy es feliz y plena. Se trata de una de las mayores leyendas vivas del rock que ha probado todo, ha destruido y ha generado estilos y géneros, ha participado en importantes movimientos artísticos, sus escuchas le somos fieles y sus detractores le temen más de lo que le critican. Este tipo de características son muy difíciles de darse en un músico; John Lydon es una persona que triunfó en su profesión. 

Hoy es feliz, pero lograr ese estado le llevó enfrentarse a una amarga juventud como un chico pobre que no tenía demasiadas oportunidades para desarrollarse y al cual la industria de la música le llegó casi por suerte, incluso por equivocación. Antes del éxito masivo y después de la estafa que se hizo con Sex Pistols en la gira por los Estados Unidos y su irremediable separación, Lydon entró a un terreno obscuro, medianamente autodestructivo y sedicioso del cual salió después de más de 5 años; ese periodo comenzó con este primer disco de Public Image Limited, titulado First Issue, un material superior a todo lo que había hecho con los Pistols pero sin ese grosero desgarbo que caracterizó a uno de los grupos más importantes del punk mundial, las pistolas sexuales. 

First Issue es iconoclasta y vanguardista, un disco hecho en el periodo del after punk, en el tiempo en que llega el gótico a las calles de Londes acompañado del uso desmedido de la heroína a finales de los setentas, incluso Public Image Limited era un grupo de drogadictos, su irreverencia se deja ver en sus letras que llamaron a la subversión ofendiendo a los conservadores, a las tradiciones y a los fantasmagóricos inventos de aquellos que no les gustaba escribir sobre la realidad cruda e inmediata. Lydon siempre ha sido un tipo que se expresa de manera directa y que hace un uso mínimo de la metáfora, y en este disco se escucha ello de forma magistral, siendo, en mi opinión, el mejor disco de toda su carrera, el más negro, duro y rebelde, la música obscura que aún tiene ese sabor a punk rock, llama al baile y alza los chingadazos en el slam. 
 
EXPENTANCY: Obscure Sound, Post Punk
FELLOW: Sex Pistols, Joy Division, Magazine






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