El disco que aquí presento se trata de un lanzamiento muy particular, el primer trabajo en la historia del sonido Noise/Experimental de ejercicio mutuo entre dos proyectos de culturas esencialmente distintas, e inclusive confrontadas; México y Japón.

Haciendo una somera revisión de “escaneo” al noise oriental; se caracteriza no sólo por poseer una muy extensa gama de artistas que se mueven en ese terreno, nombres como Merzbow, Gerogerigegege, Kazumoto Endō, Himei Koukotsu, son símbolos de un movimiento enorme de experimentalistas del sonido, vanguardistas, extremistas, seres extraños para nuestra cultura -latina e indígena, mestiza- plenamente occidentalizada. Japón es por mucho la cuna del Noise, desde ahí se da cátedra del género que en sí mismo es antimúsica, desprecia lo ortodoxo.  Una manera muy distinta y muy hermética de responder a la cuestión ¿qué es el sonido? 

Por otra parte, en México se posee un terreno muy exquisito de música popular, ecos muy dinámicos de su multicultura, jovial, muy tradicional. A pesar de lo magnánimo del sonido popular que se puede escuchar en cualquier plaza del país cualquier día de la semana, al prestar atención a lo que se hace de manera alterna a sus tradiciones es muy sencillo hallar expresiones ridículas. México nunca se ha caracterizado por la vanguardia, por prescribir algún tipo de modelo de artistas. Lo más cercano a un modelo de artista de estilo propio exportado masivamente a otros países se dio en el muralismo, principalmente el asociado al ideario revolucionario tan patente durante los primeros dos tercios del siglo XX. México, en el extranjero, es visto como un país nacionalista con población resistente a los tiempos complicados, resistente a la mezcla de sus tradiciones fundadas después de la conquista española. 

La dificultad para integrar propuestas extranjeras al seno de su creatividad es una de las fuentes por las cuales se puede explicar que en México no exista el Underground como movimiento (algo que no ocurre en Brasil -otra de las promesas de país potencia latinoamericano-, y más aún que no ocurre en Europa donde la capacidad de adopción de expresiones extranjeras es natural), en México tampoco existe un movimiento subterráneo como propuesta estructurada. Los escasos centros de conciertos regados en el país están lejos de ser centros culturales como un CBGB o un Rockpalast, sólo son sitios para pasar el rato, beber y divertirse (quien se divierta de esa manera), lugares sin ideas, así como los grupos que en dichos lugares suelen montar espectáculo son sólo ello, grupos para divertir, grupos huecos. Muchos de ellos sin el más mínimo talento para crear música. Llevado esto al terreno del Noise o al Experimental la situación se agrava, en México no son más que un puñado de personas las que conocen y radican en ello, la gran masa transita en el Gótico, el EBM, el Minimal y otros estilo que redundan, al fin de cuentas, en la música comercial. No se visualiza el concepto de la “antimúsica”, tampoco sus escuchas están por enterados que la música armónica está ya agotada, que es necesario explorar otros terrenos antes de encontrar una armonía adecuada a nuestro siglo. 

En apreciable medida, ese contraste se denota en este disco. Yuuko Haii, un artista experimental Japonés, presenta una construcción muy peculiar de los 5 temas que de él hay en este Split, temas collage captados del espectro radiofónico oriental con severos cortes de Noise (algo que no se hizo durante los 70s y 80s, algo que en sí mismo entra en el actual avant-garde). Yuuko tiene una cantidad amplia de lanzamientos (es muy común que en Japón los experimentalistas editen un disco tras otro, algunas veces hasta 20 discos en un solo año) difundidos en diversos sellos (casi todos ellos orientales). Es de dominio público que se trata de una persona con esquizofrenia diagnosticada y con más de un intento de suicidio. Aspecto extendido a casi todos los artistas que se encuentran dentro del experimental extremo. 

Deicida 69, el proyecto mexicano, presenta la segunda sección del Split con 5 temas, que como se escuchará mantiene un estilo más constante y menos rupturista a lo que se aprecia con Yuuko Haii. El estilo es iconoclasta e integra aspectos del Noise y el Punk para experimentar con ambos. Este proyecto ha sido presentado previamente en este sitio, en este año se han lanzado 3 discos del proyecto (Requiem -puedes acceder a él en este enlace-, Fetish in Sight -aquí su descarga directa-, y este que es el tercero del año). En cierta medida Deicida 69 posee un toque de construcciones más ortodoxas, más digeribles, que si bien para este país es vanguardista -en México no hay más proyectos de punk/noise experimental- para el extranjero puede resultar menos propositivo. Aunque dicha opinión radicará en cada escucha.

En general, el disco no es para el escucha raso, es un disco complicado de oír, difícil de valuar, tal y como son los discos de genuino Underground, de artistas que no buscan fama, escenario, dinero, públicos confesionales o fans, sino de artistas que simplemente hacen lo que quieren realizar en espera no de llegar al público, sino que el público los encuentre.  

Por último, el material es lanzado por el sello brasileño Plataforma Records (en dicho sello han editado ambos proyectos que aquí se presentan), el cual se especializa en el Underground de diversas partes del globo. El disco lleva por nombre; Improvised & Insane: The First Association Libertine México-Japan. Cada uno de los temas se realizó en un periodo de tiempo corto que en su totalidad no sumó más de 2 meses para la producción y masterización; esa fue la única condición que se pactó entre Yuuko Haii y Deicida 69 para lanzar el Split, el resto es libertinaje en el sonido.

FREE DOWNLOAD - IMPROVISED & INSANE

Carcrash International, anteriormente presentados en el compilado Whisper Moon (compilado de tres volúmenes que puedes descargar desde este enlace) es parte de los llamados súper-proyectos, o súper-grupos. Estos son comunes en cualquier género, aunque abundan más en el Pop y el Rock Clásico de finales de los sesentas; se les llama así a aquellas agrupaciones que se fundan principalmente por sellos discográficos, por algún productor, o por alguna marca, con el objetivo de conjugar en el grupo a figuras ya reconocidas, o figuras de gran potencial como músicos, esto partiendo de que el grupo se caracterizará por lanzar temas que serán exitosos. Y, en realidad, casi siempre se fundan estos súper-grupos como grupos de culto, algunos sólo graban un disco y desaparecen, otros se mantienen por más tiempo.  Por ejemplo, Cream era un grupo de estos. 

Por su parte, Carcrash International se formó con figuras del gótico de raíz anglo; formados por el primer bajista de Sex Gang Children (un maravillosos disco de SGC en este enlace) al cual se le deben esas potentes líneas de bajo que ridiculizan cualquier trabajo de Peter Hook, me refiero a Dave Roberts. Integrantes de Christian Death, que adquirieron importancia junto con el trabajo de Rozz Williams, también están en Carcrash, a su vez, hay colaboración de miembros de Mephisto Walz, Theatre Of Hate, Line Up Oona, David Parkinson que trabajó para Switchblade Symphony como representante… entre otras figuras que pasaron por este interesante proyecto. 

El grupo fue sumamente intermitente, es decir, publicó poco en muchos años. No he sabido que realizaran alguna presentación en directo, pero bien puedo estar equivocado en esto último. Su discografía consiste en 4 entregas de las cuales sólo uno es LP y los restantes discos de 12” (puedes descargar todos los discos en este enlace). A pesar de esto, fieles con el objetivo de estos grupos de carácter especial, casi todas sus entregas son brillantes. Los estilos que se encuentran van desde el Post Punk pasando por el New Wave hasta el rock gótico, un gótico de mucha calidad. 

Actualmente se han descontinuado sus discos, quizás sólo se pueda conseguir el Fragments Of A Journal In Hell. A su vez, es parte de esos proyectos que al no haber tenido la presencia publicitaria tras de él se mantiene en bastante anonimato, lugar donde están las joyas del underground. 

EXPENTANCY: Post Punk, Gothic Rock

FELLOW: Sex Gang Children, Joy Division, Dance Society

MORE INFO

Hace mucho tiempo Bauhaus dejó de ser una banda de Underground, inclusive siguiendo estrictos “filtros” de esa clasificación, nunca lo fueron, estaban demasiado interesados en lo que de ellos dijera la prensa, buscaban las entrevistas, les molestaba el vapuleo, despreciaban la anonimidad. Sin embargo, aun cuando se parta del hipotético de ser Bauhaus una banda de Underground, hoy ya no lo serían.

Su fórmula quiso venderse como se vende cualquier otro grupo, como un grupo novedoso y original, y muchos compraron las constantes declaraciones que en su momento hicieron respecto a que ellos no buscaban ser parte de ningún género musical, cosa que ni antes ni hoy se sostiene por algún lugar. Ellos fueron parte de la ola y moda gótica post punk, se presentaron en esos clubs, alternaron con esos otros músicos de su mismo género, se vestían como vestían todos los demás, adoptaron los temas letrísticos que se usaban en el momento, hacían el performance común del Londres obscuro, eran demasiado semejantes a lo que en su época existió, inclusive se separaron porque tres de sus miembros no aceptaban la intrusión a terrenos de música Pop/New Wave  que su vocalista quería hacer, estaban demasiado comprometidos con los géneros y se separaron por la misma razón por la que se separan los grupos comerciales. Esto porque Bauhaus fue esencialmente un grupo comercial. Muy lejos estuvieron de la trayectoria del genuino underground, muy lejos estuvieron de trayectorias como la de Danny Devos, Chrome, Ramleh… Bauhaus fue como su público, afectos a lo que está de moda, a la parafernalia, a creerse originales,  únicos, incomparables; así son los “góticos”.   

Gracias a ello, a esa búsqueda de reconocimiento, y a la búsqueda de la presencia escénica perfeccionista (no les gustaba improvisar, sino escucharse lo más semejante a cómo se escuchaban en estudio), sirvieron como referente a varios grupos y están en la lengua de casi todos. Es un grupo que nunca impresiona cuando es mencionado, es una especie de The Cure; música hecha para amplios espectros de escuchas. Desde su separación han sido eje de multiplicidad de tributos que siempre son hechos por grupos asociados de alguna manera al rock obscuro que era el estilo que les definió al ser, Bauhaus, muy sencillos de clasificar. Supieron explotar el sonido en su género, pero nunca experimentaron profundamente con él. De ello que no se les recuerde como un grupo de vanguardia, sino sólo como un buen grupo de música obscura. 

The Passion of Covers: A Tribute to Bauhaus es una colección lanzada a mediados de los noventas por grupos que en ese momento explotaban la música obscura que se encontraba de moda, la música obscura electrónica en sus diversas derivaciones (hay algunos semiacústicos). Actualmente un cover a Bauhaus sería más semejante a un estilo minimalista post punk, un estilo Motorama o algo similar que es la moda que hoy se encuentra en los escuchas… Retro, le llaman. 

El disco se compone de 13 tracks bien logrados (puedes obtenerlo en este enlace), una buena producción le acompaña y en original se lanzó en edición de transparencia en portada que le hace muy atractivo a la vista. Los temas seleccionados forman parte -la mayoría- de los sencillos del grupo. Resumiendo, es un disco agradable, pero está lejos de ser impactante pues es difícil que Bauhaus sea impactante de alguna forma. 

Sin embargo, vale la pena escucharlo. Al menos conocerlo a pesar de que no es bien valorado por la crítica de muchos, incluyéndome. 

EXPENTANCY: Electro, Darkwave, Gothic Rock

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Distressing, black. There is fear, a narrative of mundane language.

This is a record of what was the emerging Free Jazz in dark and gloomy sound. A sound lonely and desperate people.

EXPENTANCY: Jazz, Experimental, Ritual

FELLOW: Sun Ra, Fuzzy Wave, Terje Rypdal

MUZIKA

Anteriormente se han presentado discos de Legendary Pink Dots; tres discos (Basilisk, Chemical Playschool 3 & 4, Curse) pueden ser obtenidos en este enlace; y la entrega doble “A Guide To” justo aquí… a su vez, hace unos meses presenté un artículo en torno a este legendario grupo en la revista donde publico bimestralmente (The Revista 13th).

Quien conozca a Legendary Pink Dots sabe que es uno de los últimos nombres que aún sirven como trinchera de lo que es un grupo creativo, prolífico, impactante, subterráneo, indócil. En el underground no encuentro a un solo grupo que les sea paralelo en su manera de operar sobre el arte;  la narrativa que tras ellos existe es inmensa y polifacética, desde la comercial Rolling Stone hasta los fanzines se ha hablado de ellos, su ductilidad de sonido les permite presentarse en grandes festivales o pequeños cafés, tienen canciones para cualquier situación, su abanico de emociones en los cientos de composiciones (creo que superan más de mil canciones en sus más de 30 años de carrera ininterrumpida) es multicolor.  Y, aspecto extraño, son poco mencionados en México… lo cual también se explica por la mediocridad que caracteriza casi a toda la esfera del melómano nacional habituado a consumir lo que se vende por las “grandes marcas”. 

Sin mayores reflexiones a las que ya he escrito en post previos relativos al grupo; para esta ocasión me ubicó en los finales de los ochenta como punto  “de corte” en que se elaboran estos dos discos: Live 1985-1988 & Legendary Pink Box. El primero (al cual pueden acceder en este enlace) se trata de diversas grabaciones en concierto realizadas a lo largo de 4 años, grabaciones que expresan la energía y experimentación en vivo de este grupo consumado. 

Por su parte, Legendary Pink Box se trata de un lanzamiento doble del año 1989, un compilado de 24 temas (puedes descargarlo desde este enlace), un disco magnífico. 

Dos materiales obscuros, psicodélicos, experimentales, sonidos orgánicos.

Pensando en los cagados que visten en negro y pintan su cara como payasos; Peter Murphy, Eduardo Benavente… etc., son nombres que se hacen en la publicidad. Son los accesibles a cualquier escucha.

Daniel Plunkett es parte de los nombres que se pierden en el camino del genuino underground que después de décadas son encontrados por gente que hurga en lo raro y gusta hablar de eso, que habla un lenguaje que a casi nadie le importa. El más duro e introspectivo mundo subterráneo, el impenetrable. Su vida fue propia de aquellos que mueren por su pasión en medio del olvido y la pobreza, no contó con la estación -el otoño- para hacer el trabajo de penitencia que hizo Rimbaud en “Una temporada en el infierno”, la vida de Plunkett fue la entrega incondicional a un rastreo por los suburbios estadounidenses y europeos donde la densidad mental y los peligros se follan entre sí y el producto se juzga como un aborto de las sobras de la civilización. Ahí es donde está la cosecha de quienes se mueven al filo de la cordura. El artista corriente, el común, está arriba de escenarios buscando aplausos, dinero, vaginas calientes y jugosas; el artista experimental está en hospitales mentales o escapando de ellos, está sometido a una disciplina compleja, está en reducidos cuartos de su hogar creando algo que quizás nunca nadie conozca, se tiene doble vida, es un ser esencialmente torturado por sus vicios, sus prejuicios, sus temores y es víctima de la derrota en este mundo que marcha sin parar, su vida es una derrota por definición. Es un perro solitario. Es un fanático. Es un poeta del sonido. Es, como muchos de ellos acaban su transcurrir en este mundo de prestado, un suicida potencial. 

Daniel Plunkett fundó el concepto “ND”, difusión de artes abstractas visuales, del noise, el industrial, los terrenos que experimentan con lo apocalíptico. Bajo ese concepto fundó un sello discográfico que lanzó grabaciones propias de un desequilibrado psicológico. “ND 7” es una de ellas. 

ND 7 es un exquisito  compilado de mediados de los 80s, un monumento al minimalismo, a lo desequilibrante, a lo negro del alma, una denuncia al progreso que busca “cada día ser mejor, más perfecto y productivo”, ND 7 es un sonido de corte intelectual de 25 tracks que saben a heroína. No es un disco “sano”.  

EXPENTANCY: Experimental, Industrial, Jazz, Noise

ND 7

Holy Toy es una banda con malicia, un sonido donde juega la maldad con el sarcasmo, el sarcasmo con lo negro; un amasijo extraño de rock experimental abstracto, arrítmico, algunas veces electrónico, suele ser tajante, siempre místico, regularmente adherido al folk que se hace en la zona del Este de Europa. Es música muy apta para quienes buscan un sonido quebrado, lento, rudo, ambiental, todo esto bajo una directriz amasada en el punk.   

Su carrera se desarrolló en la década de los ochenta, a pesar de contar con una producción discográfica importante nunca figuraron dentro de la lista que comúnmente tiene el experimental, ellos fueron una banda muy subterránea, hecho explicable -en buena forma- por lo impenetrable de sus discos. 

Warszawa (1982), Soldier Toy (1982), así como Czemu Nie W Chorze (1985), son materiales obscuros y densos.

EXPENTANCY: Experimental, Post Punk, Industrial

FELLOW: Legendary Pink Dots, Dancing Did, Klaus Mitffoch

WARSZAWA; SOLDIER TOY; CZEMU NIE W CHORZE?