Mostrando las entradas con la etiqueta USA. Mostrar todas las entradas
Mostrando las entradas con la etiqueta USA. Mostrar todas las entradas
17.7.16
Con profunda tristeza y una quietud que sólo las noticias como estas pueden traer, lamentamos informar que el gran artista de poderosa creatividad, Alan Vega, ha fallecido… Alan murió tranquilamente mientras dormía la noche anterior, el 16 de julio. Tenía 78 años de edad. (Comunicado oficial de la familia de Alan Vega. 16-Julio/2016).
Después de conocer la noticia de su muerte me encuentro un poco descompuesto. Como casi todos, conocí el trabajo de Alan Vega por medio de Suicide. Los conocí hace más de una década atrás de la forma que comúnmente se difunde el subterráneo en México, por medio de la piratería; la impresión que me dejaron es casi la misma que tengo hasta la fecha, un dúo extravagante que supo mezclar la dulzura con unas pintadas que caracterizaban la violencia, escuchar a suicide es como ver espasmos y agresivas contorsiones que ocurren en el momento en que se cree que nada puede pasar, eran por entero impredecibles y eran la cosa más peculiar que había escuchado hasta entonces, y tomar en cuenta que para ese momento ya me creía yo un versado en los derivados del rock, ya había escuchado mucha música que incluía el No Wave, pero nunca los había escuchado a ellos.
Estoy repasando su breve discografía a dueto entre Alan Vega con Martin Rev que le dio la figura de culto, Suicide, y adentrándome más en el trabajo solista que tuvo su camino tanto en la música como en la pintura. Él era de esos tipos que se inyectaba heroína en los baños de un bar de mala fama, de esos solitarios profesionalizados en el arte porque él era formalmente un artista, incluso poseía título académico en el área, él era de esos jóvenes desarraigados que vagabundeaban por las calles de Nueva York y que por cuenta del futuro que la sociedad estadounidense otorgaba a la juventud, aprendió a odiar su país y su cultura y habló de ese deteste en sus canciones, él habló de la masacre cultural, del robo de destinos, del hambre y el caos de la modernidad, y para ello nunca necesitó de la alharaca y ser un show-man, él siempre fue sobrio y su imagen pública se manejó casi en las sombra, nunca fue una celebridad.
Así se convirtió en la figura de culto que hoy es, ahora, muerto el 16 de Julio de este año, es casi un mártir.
Triste vida debió llevar para ser quién fue, un artista con una ampulosa genialidad, rudo y con olor a peligro, sobrio, siempre intermitente transbordándose de las presentaciones apabullantes al silencio, así, de la misma forma en que cantaba. Su estilo de canto era como si diera agresivas y arrebatadas pinceladas sobre la hoja, el lienzo o la pared, sus letras hablaban sobre el mundo de hoy y esas letras sólo podían ser escribitas por un hombre de una sociedad desarrollada, su canto era dulce y atormentado, Alan Vega era un hombre hablando de una sociedad consumida por los sueños de progreso de una industria que no cumplió con la promesa de traer con la modernidad la dulzura y la paz a sus ciudadanos.
Alan Vega era un hombre hambriento de subversión. A lo largo de su carrera en el sonido, junto con Martin Rev creó un sonido que ha sido la tabula sobre la cual ha partido la música electrónica del mundo subterráneo desde el Synth Punk hasta el Electro Dark pasando por el Synth Pop y otros derivados de corte más experimental. Con Suicide ya había hecho lo suficiente para pasar a los anales del underground. Pero su trabajo no se contuvo ahí, lanzó una carrera solista francamente fascinante, no tan obscura como en sus primeros años, pero de igual forma intensa y variada; el Psychobilly, el New Wave, el Synth Pop, hasta el Techno y el Experimental.
En Ergô Felix Culpa se han publicado tres discos de Suicide, los dos oficiales (accede a ellos desde este enlace) y un concierto en el CBGB (accede a él desde este enlace). A su memoria dejo en este post tres discos, dos discos solistas de Alan Vega (Jukebox Babe y Collision Drive) y un material en concierto de aquellos años salvajes en Suicide (Ghost Riders).
EXPENTANCY: Synth, Psychobilly, Obscure Sound
FELLOW: The Cramps, The Units, Snowy Red
21.6.16
Desde mi primer acercamiento a Chrome mi opinión sobre ellos no ha cambiado demasiado; un grupo con un sonido nada servil a los que buscan la clasificación, un grupo nada servil a la industria musical, un grupo que siempre trató al ser humano aislado en la urbe, en una especie de burbuja donde lo bélico tenía su espacio natural. Chrome era un grupo que hablaba de pandillas, de peleas callejeras, de claustrofobia, un grupo que era un viaje de ácido lisérgico.
New Age es un violento Ep de 1980, un material futurista.
EXPENTANCY: Post Punk, Experimental
FELLOW: PiL, Residents, Joy Division
4.6.16
El caso de Blank Dogs es atípico; OMB estadounidense con un carácter que recuerda a Sprung Aus Den Wolken y otras antiguas bandas del Este de Europa. Es un estilo difícilmente clasificable donde entra en juego el punk, el experimental y el minimalismo, trío de estilos que se concatenan con lo sórdido y lo obscuro, las letras son psicóticas y la rítmica me sabe a un quiebre de armonías que tiene su propia simétrica.
Blank Dogs siempre fueron subestimados a pesar de ser muy prolíficos en el lanzamiento de sencillos y Eps, todo su material lanzado en sellos independientes. Ahora parece que han desaparecido, sin embargo, aquellos que les conocen (regularmente gente que explora mucho el internet en búsqueda de sonidos perdidos) suele encontrarse de acuerdo en que Blank Dogs es ya un culto que se caga en el Revival; Blank Dogs se encuentra por arriba de la basura para pousers que gustan del tipo Motorama (los cuales en algún momento me parecieron buenos y ahora me parecen tediosos) y mamaditas por el estilo.
En el sitio se encuentran diversas entradas a este proyecto (puedes acceder a ellas en este enlace). Para esta ocasión proporciono uno de los Eps que me resultan más interesantes.
EXPENTANCY: Experimental, Post Punk, Obscure Sound
FELLOW: Cabaret Voltaire, The Units, Sprung Aus Den Wolken
7.5.16
La faceta de la Femme Fatale erróneamente ha sido popularizada como la de aquella mujer físicamente hiperatractiva, inteligente y manipuladora de hombres que esconde tras ello una especie de daño psicológico que casi siempre quiere ser explicado por medio del psicoanálisis. Esa forma de popularización es una farsa de Hollywood. Dicho en otras palabras; la Femme Fatale casi nada tiene que ver con Pulp Fiction, no así con el trabajo de Nico. Nico es la mujer fatal por excelencia.
Ella era obscura, también fue una artista en la extensión del término, se vio castigada por su exuberante belleza, fue viciosa, comúnmente melancólica, era paranoica, muy decadente y se encontraba en búsqueda constante de la estabilidad emocional que casi todos perseguimos. En la imagen real de la Femme Fatale no juega el éxito personal como efecto de una forma de vida devoradora de hombres al estilo de una Uma Thurman en Pulp Fiction, sino que en esa vida hay algo más realista, el sufrimiento de una mujer vapuleada por las exigencias sociales y luchar a diario por la supervivencia incluso algunas ocasiones utilizando el atractivo físico como moneda de intercambio.
La vida de Nico es una de las biografías más intensas que hay en la historia del rock. En el arte ejerció como modelo, actriz, escritora, compositora y cantante. Ella perteneció a la que para mí fue la primera banda de rock obscuro, The Velvet Underground. A su vez, su carrera como solista es una de las más entrañables que conozco.
Ahora que ha llegado el momento, ahora que las manecillas de las horas han llegado a su final, ahora que es real, ahora que los sueños han dado todo lo que tenían por ofrecer quiero saber si me quedo o me voy, o tal vez lo intente de nuevo. ¿En realidad tengo algo qué ver en mi olvido? Ahora que lo he intentado, ahora que por fin me he dado cuenta que este no es el camino, ahora que he cambiado, ahora que siento que es momento de pasar la noche lejos quiero saber si me quedo o me voy, tal vez finalmente dividir la rima que por fin entendí entre líneas. Sí, la mañana llega mirando tus ojos a los míos alertándome a leer las señales, cuidadosamente.
Dos discos para este post; Chelsea Girl, el primero de ellos, es un disco que puede ser entendido como un material de transición entre lo hecho en Velvet Underground y su posterior trabajo como solista donde atravesó hasta el wave y el experimental. Es un disco acústico, melancólico. Para el segundo del post dejo el Camera Obscura que es un disco muy experimental hecho junto con Faction, un material que traspasa por lo místico y con destellos de música marcial hecho casi 20 años después del Chelsea Girl que estuvo muy influido por Andy Warhol.
EXPENTANCY: Proto Punk, New Wave
FELLOW: Lou Reed, Velvet Underground, Dead Can Dance
30.4.16
Cuando se revisa lo que se hizo en el rock industrial que se ligaba a lo que fue su cuna, cuando se alimentaba del ruido y la experimentación, se observa que ese tipo de propuestas casi nunca mermaron en su intención de ser parte del outsider. Cuando el punk mermó en los Estados Unidos y Europa continental (dado que en las penínsulas de Europa extrañamente sí se arraigó) el rock alternativo y la música bailable tomó los escenarios y se perdieron esos importantes conciertos dados en pequeñas salas, esos conciertos que se tomaban como referencia pasaron a ser los grandes festivales inspirados por algo parecido a Woodstock, rock al aire libre organizado por empresarios donde se reunía a miles de personas para escuchar decenas de bandas que ya no creían en la autogestión.
Mientras esto ocurría allá por los noventas, en el subsuelo había una cadena de proyectos más violentos que por sus propias formas era imposible que se les viera en esos escenarios. Ese tipo de proyectos no tenían -ni tienen- la intención de hacer música en el sentido ortodoxo, sino que sus objetivos eran otros, ya sea la provocación acompañada de sonidos del corte de Whitehouse o Con-Dom, como también proyectos acompañados de una mística mágico-religiosa, también los había de corte fetichista sexual, eran, dicho en pocas palabras, proyectos más personalistas dirigidos a una minoría.
Nosh es parte de ellos. Este disco se publica en 1994.
EXPENTANCY: Industrial, Noise, Ambient
FELLOW: Sleep Chamber, Club Moral, Euthanasia Waltz
1.4.16
El Punk estaba hecho por perdedores y reivindicaba ese papel de derrota social en la vida moderna, ser un perdedor era un título honorífico para el punk de la vieja escuela. Los perdedores no sólo son mártires en la historia, sino que en ellos están las figuras de aquellas personas fieles a sus principios, están los sediciosos, los revolucionarios, los contraculturales. Desde Sócrates hasta hoy las figuras míticas han sido los que en su momento se creyeron derrotados.
La opinión de Bill Grundy, célebre en el rock por haber compartido majaderías con Sex Pistols en un programa de entrevistas que dirigía en los setentas, puede resumirse en lo siguiente: no existen razones válidas para que el punk exista dado que la generación de los setentas vivía mejor que las generaciones que le precedieron, en especial la de principio de siglo que sufrió el Crac del 29 y las guerras mundiales.
La opinión de Grundy es interesante para quién se importa por conocer las fuentes que nutren al punk, especialmente el setentero, dado que el actual posee otras intenciones y es distinto al hecho hace cuarenta años. El actual muchas veces no va más allá de subirse al escenario, hacer música que se autodefine como punk, se dice anarquista y mantiene la facha. Partiendo de eso que hoy persiste, Grundy tenía razón.
Si al punk se le desprende de sus raíces culturales, y con ello de su desarrollo en la historia, no tiene razón de ser más allá de una moda hecha por un conjunto de Rebeldes Sin Causa; pero, siendo más estricto al no aislar los principios como consignas sino entender que se intentó concatenar un movimiento artístico, se abre la panorámica a otras aristas donde se toma en cuenta los lugares en los que nació y su momento histórico, así como los objetos, eventos y situaciones que originalmente tomaron casi como totems -objetos de culto-, entre los que juegan un papel el uso de drogas y su significación, la autodestrucción, lo sórdido, el situacionismo, el antimaterialismo, la antifama, el rechazo social como motivo de orgullo, lo apolítico, la vagancia, el No Future, el nihilismo, lo Pulp, etc., el punk, especialmente el británico era la acción cínica hacia una vida injusta, y se presenta como uno de las expresiones artísticas más enriquecidas que había tenido un papel en la música del siglo XX.
En mi opinión únicamente los bluseros habían generado una mística tan compleja antes del punk y, aspecto a resaltar, el punk se manifiesta como un antitodo que dirigió sus flechas contra el pasado y el porvenir, pero dentro de sus pocas figuras de respeto se encontró el blues y el jazz; en cambio, fue severo con los Hippies, los Beatles, los Stones, el rock progresivo y lo que eso representaba. Para los punk ese pasado estaba impregnado por formas de eludir la realidad, en esos tiempos el rock había sido un instrumento de manipulación masiva de la juventud, en esos tiempos la juventud abandonó las causas de liberación en búsqueda de una quimera, se abandonó el sentido práctico y se dejó de pensar en lo concreto para pensar en una mística casi religiosa inspirada en los alucinógenos creyendo que la liberación era un fenómeno mental, abstracto (así lo creían los hippies) y no un fenómeno tangible y concreto. En términos literarios, el hippie promedio disfrutaría de cosas como Viaje a Ixtlán de Carlos Castaneda que es una posición ritual y mágica del uso de drogas; en cambio, el punk se identificará con el Junkie de William Burroughs que es una literatura fría, una narración realista de lo que es un drogadicto urbano.
En el punk setentero la razón artística tenía peso, incluso podría ser un poco intelectual; los punk no eran versados académicos, incluso muchos de ellos creían más en la oportunidad de divertirse que en el papel que en el medio intelectual podrían jugar; pero hubo otros que sí lo entendían como algo más complejo, como una cultura (subcultura), y fueron esos “otros” los que intentaron impregnar el punk de un sentido ideológico, de pensamiento, construir una lógica y una narrativa en torno a él donde el rock (la música) era sólo una forma de ejercer, pero también los había otras formas de serlo, los había poetas, novelistas, actores, dibujantes, diseñadores, ideólogos, etc.
A lo señalado el conservadurismo no prestó atención, el conservadurismo se centró en definir el género solamente como música acompañada de una forma estrafalaria de vestir y no aceptó que se tratara de una propuesta informal de filosofía de vida que inició entre los jóvenes urbanos de los países más desarrollados y que el estilo presentaba implicaciones en diversos campos. Incluso hasta la fecha por lo general se continúa entendiendo este estilo sólo como género musical, y ahora que ya han pasado sus mejores tiempos no hay razones para creer que el punk de hoy será reivindicado a las intenciones que tuvo en sus inicios, hoy no se hace cine de ese corte, ni diseño, ni literatura, logró imponerse la lógica de la música, incluso de una música que no es abierta a otros estilos sino cerrada, dogmática y testaruda, música predecible y poco innovadora. Por ello, lo que dijo Bill Grundy desde su posición de crítico conservador tiene sentido y fue la que terminó por imponerse.
Los que se consideran importantes figuras del punk por el oficialismo y las masas de aficionados ignorantes (Green Day, Blink 182, etc.) adoptaron la forma en que Grundy y gente como él entendía las cosas. Pero hubo otros que entendían esto sin tanta superficialidad, lo entendían de forma más rigurosa y fue la generación a la que pertenecía Stiv Bators, John Lydon, Penny Rimbaud, Siouxsie Sioux, Joe Strummer, los Heartbreakers y Johnny Thunders.
La generación que vivió los orígenes del punk vivió una época donde se estaban derribando estructuras fundadas en los años cincuenta y se construían otras, donde las ideologías de corte político tenían un peso importante, en aquellos días los jóvenes con educación académica se definían como marxistas, maoístas o leninistas, se tenía fe en lo que la política podía contribuir al mejoramiento sociedad, además esa generación nació justo en la fase más cruda de la Guerra de Vietnam, y si bien no se desarrollaron con los bombardeos en sus territorios sí vieron por los medios de comunicación cómo actuaba el soldado norteamericano, ese soldado que se había presentado en el mundo occidental como un héroe en las Guerras Mundiales era en realidad un asesino, un violador, un drogadicto y un peón de políticos corruptos.
Gente como Jim Morrison estaba en su adolescencia en los tiempos de Vietnam, dado lo cual tenía más herramientas de vida para entender aquello, ¿pero un niño nacido a finales de los 50s, que es cuando nacieron los que más tarde se definirían como punk? Un niño tiene por definición menos instrumentos para asumir las problemáticas sociales en comparación con un adolecente, y ese tipo de experiencias tempranas marcan la vida de las personas. Además de ello, estaba el factor de una guerra fría entre Estados Unidos y la URSS, en los sesentas por primera vez en la historia el mundo concientizó lo que se llamó la Destrucción Mutua Asegurada, término que refería a la respuesta automática a un bombardeo nuclear que garantizaría la destrucción del enemigo, incluso en las librerías y puestos de periódicos se vendían manuales para saber cómo actuar en caso de bombardeo nuclear, se hicieron películas, documentales, series y libros al respecto. Cabe señalar que con Vietnam entró el uso masivo de drogas a lo que se decía -y se sigue diciendo- es la democracia más desarrollada del mundo, los Estados Unidos; incluso no sólo entró a las calles sino también a las universidades, así como el LSD y un sinfín de sustancias sintéticas que ahora se sabe eran facilitadas por esferas del gobierno, militares, policías y centros de inteligencia. No sólo se experimentó con drogas en los laboratorios, sino también se usó para el control social, la sociología hizo bastantes investigaciones al respecto.
Así que, no era precisamente sencilla la vida para un niño nacido a finales de los cincuentas y principios de los sesentas; cabe señalar que en los Estados Unidos algunos de estos niños perdieron a sus hermanos y padres en Vietnam, o tenían el dudoso orgullo de decir que en su familia había un veterano de guerra, incluso los mismos países renegaban de dotar de honores a sus combatientes, algunos de ellos se convirtieron en pordioseros y vagabundos traumatizados por lo que vieron en el frente, algunos se convirtieron en drogadictos desde Vietnam. El cine trató ello, por ejemplo, quitando ese culto que hoy se hace a Sylvester Stallone se tiene que uno de sus personajes estaba loco; Rambo no era otra cosa que un excombatiente de Vietnam psicológicamente afectado, atrapado en su pasado y sin futuro, un joven que perdió su adolescencia en la guerra y no sabía hacer otra cosa más que guerrear bajo la consigna de luchar por una patria la cual nunca le reconoció como un héroe de guerra, que en cambio sólo le ofrecía el rechazo social, la penumbra y los sueños rotos durante los mejores años de su vida que ya habían pasado. Otro caso es Taxi Driver, en ese film también se tiene como protagonista a un veterano de la guerra de Vietnam que una vez que regresó a su país se convierte en una figura obscura que se pierde en la ciudad, un ser rechazado a pesar de ser esencialmente noble y querer rehacer su vida, humillado al querer ser un ciudadano normal con una pareja normal, un trabajo normal y una vida feliz. Y este hombre, una vez dándose cuenta que le queda poco tiempo de vida (sufría cáncer como tantos otros combatientes que se expusieron al agente naranja tan usado en Vietnam), decide tres cosas: salvar a una prostituta, matar a un político, suicidarse.
A esa realidad en que se desarrollaron durante los sesentas aquellos niños se suma la consabida situación en que azotó en la segunda mitad de los setentas, la Crisis del Petróleo que tenía como fuente algo más grave, la crisis del modelo de desarrollo que se habían planteado en los tiempos de posguerra.
Las formas en las que esto se traduce dejó una huella profunda en los que para 1976 ya eran adolescentes, una generación que se desarrolló en un ambiente bélico, que creció en medio de un fuego cruzado de luchas ideológicas, y que cuando estos jóvenes se encontraban en el momento de hacerse una vida por sí mismos las puertas estaban cerradas. Cuando se escuchan las declaraciones de la generación del 76 el denominador común era la imposibilidad para encontrar un lugar en el mundo.
Algún reaccionario puede sostener que Steve Jobs también formaba parte de esa generación y que fue entonces cuando comenzó su carrera como emprendedor hasta convertirse en multimillonario, lo cual sería el ejemplo de que ser un perdedor no está determinado por el tiempo en el que se viva. Eso es cierto, pero Steve Jobs no era un joven pobre que viviera en los suburbios o en edificios departamentales, sino un joven de clase media con acceso a créditos bancarios, un estudiante universitario que se encontraba en el círculo del Silicon Valley que recibió importantes inversiones económicas en una correlación entre la iniciativa privada y las universidades con el objetivo común de convertir la zona en un centro de vanguardia para el emergente sector informático. Steve Jobs también fue producto de sus circunstancias, así como lo fueron los desafortunados que nacieron y vivieron en el Bronx o en las zonas de hacinamiento de Londres.
Así que hay genialidad en cierto número de personas, Steve Jobs fue una de esas personas de genio, pero éste, el genio, la creatividad, la inteligencia, se expresa en función de las circunstancias y bajo los términos del punk una figura de gran genialidad fue Johnny Thunders.
Nacido en NY en 1952 en una familia conflictiva y profundamente desestructurada, Johnny fue de esos jóvenes que crecieron creyendo que en el rock había oportunidades para desenvolverse en la vida y para poder desenvolverse en el mundo a pesar de las vicisitudes que acompañan esa actividad, ser músico de rock, además, él no estuvo influido por la coraza acartonada que a una persona suele otorgar una educación académica superior, sino que su educación era más bien baja, un mal estudiante que se mostraba competente para el deporte pero que no podía abrirse paso a él dado que su padre lo había abandonado desde la niñez y tener un padre era el requisito para ser un deportista. Johnny era el común niño desastre del colegio, un inadaptado desde la infancia como lo fue la mayoría de los que más tarde probarían suerte en el punk (cabe citar otro caso, la biografía de John Lydon da múltiples ejemplos de los maltratos que sufría en el colegio dado su aspecto frágil).
La primera banda que formó Johnny Thunders fue antes de cumplir la mayoría de edad, pero en la que ganó nombre fue en los New York Dolls, el grupo más escandaloso de la región en su momento, los drogadictos, los transvestistas, los pésimos músicos, los que eran vistos más como artistas del caos que como aspirantes a músicos. Después vivieron los Heartbreakers, una de las bandas pioneras del punk rock en los Estados Unidos y, por último, llegó su actividad como solista, un trabajo que opacó todo lo que antes había realizado dado que en su trabajo solista se nota ya una madurez como compositor que antes sólo se dejaba ver en breves destellos. A su vez, como solista se concluyó que Johnny Thunders no estaba jugando ni buscando fama, sino que estaba dispuesto a morir bajo la narrativa nihilista pisoteado por aquellas formas en las que aplasta la impasible urbe a los renegados, y así ocurrió.
Con Thunders se tiene una de las figuras más densas y entregadas al arte de los salvajes setentas. Él concentró en su música y su forma de vida la incredulidad al mundo, las mismas formas de incredulidad a las que hacía referencia el punk, fue un hombre que se entendía a sí mismo no como un músico puro sino como un trotamundos en búsqueda de la libertad destinado a la derrota, ser un perdedor y no sólo aceptar ello sino construir ese tipo de vida de guerrero destinado a ser vencido por un mundo que enloquece a todos, un hombre que tiene como flechas sus palabras, como escudo sus drogas, como razones sus sentimientos, y como perspectivas no llegar a viejo. Para Johnny Thunders convertirse en un adulto era casi una humillación. Él escapó de la fama, quiso mantenerse ligado al sudor de la calle a pesar de habérsele presentado oportunidades para el salto comercial dado que era de los pocos punk que tenían un talento exquisito tanto en la composición instrumental como en las letras, era un excelente letrista y tenía las cartas para ser una de esas leyendas de la guitarra, a él se le debe esa suciedad y simpleza que hasta hoy se sigue reproduciendo, una suciedad que hoy todos dicen que es fácil hacer pero que antes de Thunders nadie hacía, ya sea por temor al rechazo o por temor a ser recordado como un mal guitarrista, un guitarrista no virtuoso.
Al atender lo que se hizo en los Heartbreakers es sencillo darse cuenta por qué no son conocidos casi por nadie que no esté familiarizado con el punk; los Heartbreakers eran radicales, sus composiciones no sólo estaban inspiradas en el uso de drogas, sino que eran cultos a la drogadicción y las formas en que el ser humano decae. Bajo la batuta de Thunders ellos presentaban al drogadicto como un héroe urbano donde la heroína era la droga de preferencia en sus personajes, en el grupo esa droga se usaba asiduamente, incluso el conocido track que coverearon Ramones “Chinese Rocks” (originalmente tocado por Heartbreakers) era un himno a los yonquis, el Chinese Rock es el nombre que se le daba a la heroína en las calles de NY allá por 1977. En lo que respecta a la figura del perdedor, se tiene “Born To Lose” (nacido para perder), ahí se trata de una sátira autodirigida que en el punk se entendía como una forma de reírse de la desgracia personal. En “Pirate Love” se trata de un joven que sale en búsqueda de una prostituta, se toca el aspecto religioso, el conservadurismo y, claro está, el aburrimiento que era entendido por el punk como un estado de ánimo que impulsaba al desorden.
Heartbreakers (el nombre hace referencia a personas emocionalmente inestables, pero extremadamente atractivas) sólo grabaron un disco que se tituló Like A Mother Fucker (algo semejante a “Para Un Hijo de Puta”) y que por presiones para ser publicado por alguien se tuvo que lanzar como L.A.M.F., después de este disco Thunders continuó con una brillante carrera solista que le catapultó en el subterráneo como un músico maldito, pero eso ya forma parte de otra historia.
EXPENTANCY: Punk, Proto Punk
FELLOW: New York Dolls, Sex Pistols, T Rex
19.3.16
En México existen muchas palabras que sirven para distintos usos que incluso tienen distintos significados en función del tono, la situación, el lugar del país y la hora en que se digan. México tiene una de las jergas más enriquecidas de Latinoamérica, alguna vez leí que en México existen más de 100 palabras para referir al pene. A su vez, la vulgaridad es muy utilizada en la jerga diaria, así como lo es el sexo y sus distintos referentes en el “albur” que casi es un dialecto en las calles y barrios pobres, algunas veces el albur se usa como símbolo de fuerza. Y cuando esta jerga se mezcla con la estadounidense se da algo que aquí le llamamos “POCHO”, lengua española mezclada con estadounidense la cual es distinta al inglés mal rponunciado (que aquí llamamos espanglish).
The Recline Of Mexican Civilization es una parodia, un albur al punk rock norteamericano. El disco es del 2001 y fue hecho por Chicanos, latinos que migran a los Estados Unidos en busca del Sueño Americano encontrando que ese sueño es una pesadilla de segregación racial y discriminación clasista, y aun así el Chicano sirve como gasolina para la economía y crea su propia cultura en el país del norte. Este es un producto de cholos que hacen Punk Rock.
EXPENTANCY: Punk Rock
FELLOW: Ramones, Sex Pistols, Catholic Discipline
FELLOW: Ramones, Sex Pistols, Catholic Discipline
6.12.15
John Zewizz es una de las figuras veteranas del underground de corte experimental. Su nombre se asocia a múltiples proyectos; Women Of The SS, Sleep Chamber, Green Sex, entre otros, así como sellos discográficos que rodearon el sonido negro, fetichista y primitivo de los ochentas, un sonido de corte conceptual donde la magia, los sistemas de creencias entendidos como satanismos, la sexualidad explícita y una fuerte atracción por el arte anárquico y la autogestión marcó la forma de operar en los músicos del genuino underground, gente peculiar que hasta la fecha se mantiene casi de la misma forma en que se comportaba hace 30 años.
Por vez primera se presenta una entrevista a John Zewizz subtitulada en castellano. En ella trata principalmente tres aspectos de su carrera y sus concepciones de vida; el significado de Sleep Chamber, el significado del concepto Ultimate Minority, y la experiencia en la mítica gira que en los noventas dio en Alemania y a la cual se le atribuye el haber acabado con el grupo e interrumpido su carrera durante un dilatado periodo de tiempo donde dejó de producir de la forma prolífica en que lo hizo durante los ochentas y hasta mediados de los 90s. Incluso se llego a decir que John Zewizz estaba perdido en el mundo de las drogas, específicamente en la heroína, y que su adicción era tan fuerte que sería imposible ya verlo de regreso.
Sería para principios de este siglo donde retornaría tanto a la producción como a los escenarios, ya no con la misma potencia pero sí bajo características semejantes a las que definieron su trabajo; perfiles públicos y abiertos, alejado del estrellato y alejado de la industria oficialista de la música, con disposición a ser entrevistado y hablar sobre él, sus creencias y su actividad. Dejándose ver como una persona transparente y alejada de la parafernalia que suele rodear a los que son clasificados como artistas.
La entrevista capturada se trata de la hecha por "WZBC Radio". Para este vídeo además del subtitulado se hizo un montaje de imágenes y vídeos de Sleep Chamber (que es el trabajo más relevante de Zewizz), y al finalizar se acopla una presentación en directo hecha en 1984 para la TV donde se observa la forma orgánica en la que se hizo el trabajo de Sleep Chamber usando instrumentos acústicos, cajas de ritmos y loopers.
Sería para principios de este siglo donde retornaría tanto a la producción como a los escenarios, ya no con la misma potencia pero sí bajo características semejantes a las que definieron su trabajo; perfiles públicos y abiertos, alejado del estrellato y alejado de la industria oficialista de la música, con disposición a ser entrevistado y hablar sobre él, sus creencias y su actividad. Dejándose ver como una persona transparente y alejada de la parafernalia que suele rodear a los que son clasificados como artistas.
La entrevista capturada se trata de la hecha por "WZBC Radio". Para este vídeo además del subtitulado se hizo un montaje de imágenes y vídeos de Sleep Chamber (que es el trabajo más relevante de Zewizz), y al finalizar se acopla una presentación en directo hecha en 1984 para la TV donde se observa la forma orgánica en la que se hizo el trabajo de Sleep Chamber usando instrumentos acústicos, cajas de ritmos y loopers.
EXPENTANCY: Experimental, Ambient, Obscure Sound
7.11.15
Con-Dom stands for Control-Domination, and is the one-man industrial noise band of Mike Dando. Con-Dom explores any kind of social tensions and control: political, religious, racial, with an acid, violent and uncompromising attitude. He is well-known in the industrial scene for his furious ravaging vocals and the devastating live performances, in which he turns into a real stage animal.
Con-Dom - Live 12/10-1991
Cite..."Con-Dom stands for Control-Domination, and is the one-man industrial noise band of Mike Dando. Con-Dom explores any kind of social tensions and control: political, religious, racial, with an acid, violent and uncompromising attitude. He is well-known in the industrial scene for his furious ravaging vocals and the devastating live performances, in which he turns into a real stage animal."
Posted by Ergô Felix Culpa on sábado, 7 de noviembre de 2015
EXPENTANCY: Noise, Power Electronics
FELLOW: GT, Whitehouse, Genocide Organ
19.9.15
 |
| Exclusive For Ergô Felix Culpa |
Synthetic Minimalism es uno de los discos rescatados de la extinta website UD (Underground a Descarga). Se trata de un compilado que se lanzó aproximadamente en el 2010 (no tengo la fecha precisa) de forma exclusiva por aquél sitio que difundió material de la época 77-85 como una de las primeras website en México que siguiendo lo que ya ocurría en otros países montó un sitio de descarga libre aproximadamente en el 2004, incluso antes de que naciera Facebook y cuando los blogs y los foros de internet eran los sitios de descarga libre por excelencia. Han pasado más de 11 años desde la fundación de UD y poco más de 4 de la definitiva eliminación que, aspecto peculiar, no fue por causas relacionadas al copyright sino una decisión unilateral de su administrador.
El disco se trata de un compilado de 19 tracks con bandas de Inglaterra, Estados Unidos, Francia, México, España, Italia, Bélgica, Alemania. Todos los tracks se encuentran dentro del estilo del electrónico minimalista, algunas más cercanas al Synth Punk y otras al Synth Pop. La mayoría de ellas de la vieja escuela del género y tomadas del ripeo directo del vinílico.
TRACKLIST...
- Kraftwerk - Schaufensterpuppen
- Anne Clark - Short Story Party
- 4D - What Is Going On?
- Gee Mr. Tracy - Permanent Swoon
- Fad Gadget - Salt Lake City Sunday
- Nylon - Silent Movement
- Deicida 69 - Red Zone
- Chrisma - Mandoia
- Nacht Und Nebel - Zafari
- Suicide - Johnny
- Solid Space - A Darkness In My Soul
- John Cooper Clarke - Evidently Chickentown
- Boddy & Synthia - Dig That Space
- Aviador Dro - Programa En Espiral
- Twelve Cubic Feet - Discord
- Group XeX - Rome On $5 A Day
- Ann Lanster - On S'ennuie Chic Chic
- Kas Product - Mind
- Plastic Bertrand - Tout Petit La Planete
EXPENTANCY: Minimal Synth, Post Punk, New Wave
13.9.15
Parte realidad y parte como efecto de la buena producción del documental “Searching for Sugar Man”, Sixto Rodriguez es hoy una de las figuras más apasionantes del folk. De ese tipo de personas que tienen el toque que se reserva a la gente con un destino que atrae la felicidad y justicia al final del camino.
Sobre Sixto mucho podría yo escribir, tengo un sinfín de opiniones respecto a su trabajo pero son tantas que están muy desordenadas en mi mente dado que cuando encuentro orden en ellas es porque de alguna manera creo que he agotado sus posibilidades, algo que no puedo decir respecto a Sixto. Cada vez que le escucho encuentro nuevos matices, nuevas oportunidades, nuevas sensaciones; además, no tengo por intención ser un pedante crítico ni dedicarme en este espacio a otra cosa que no sea compartir la música que tanto disfruto. Tienen el documental que menciono en un principio para conocerle, un trabajo fílmico dramático que supera cualquier cosa que yo aquí pueda decir acompañado de un cigarro y del amado café que siempre descansa a mi costado con una fidelidad que nunca he encontrado en ninguna mujer.
Esta noche sólo quiero proporcionar el soundtrack del “Searching for Sugar Man”, el cual puede ser visto como una recopilación de éxitos del Sugar Man, un hombre con una magia profética que llegó a mí cuando creí que ya había encontrado esa figura desde mi niñez con Bob Dylan y Atahualpa Yupanqui.
EXPENTANCY: Folk, Blues, Jazz
FELLOW: Bob Dylan
9.9.15
Hace un par de noches encontré un trabajo hecho por una radio latina donde se trató las condiciones que llevaron al suicidio a Rozz Williams, era una entrevista que realizaron a Christian Madrigal. La entrevista fue un desperdicio, fue la típica exposición soez de preguntas y respuestas sin objetivación, todo parecía bastante improvisado. Ello despertó mi curiosidad para conocer cuál es el tono general, en forma de escaneo solamente, de las opiniones respecto al personaje; entré a foros, blogs, artículos de periódico (incluso encontré uno en La Jornada -prensa mexicana-; puedes acceder aquí al artículo) para conocer sobre lo que de él se escribe. No encontré algo distinto a lo que ordinariamente se puede decir de una persona así, puntos de vista triviales y simplistas. Sostengo que ese tipo de opiniones son efecto de la carencia de visualización de la música como algo más allá del territorio de la moda y la diversión.
Un abordaje flaco y superficial abogará por hacer de este hombre un instrumento atractivo para lo soez dadas las características de su trabajo; su relación con los aspectos obscuros de la personalidad causó escándalo; la relación ambigua que mantuvo en el aspecto sexual y la actitud irreverente a lo religioso alzó las voces de organizaciones fundadas para preservar la moral conservadora (principalmente en los Estados Unidos); su cercanía simbólica con el nacional socialismo alemán es fuente de indignación política; y, en general, el tono de sus múltiples proyectos se transborda de lo obscuro a lo amarillista. Y es este último factor (el amarillismo) el que nutre una cantidad numerosa de opiniones entre sus seguidores; pero el amarillismo, al final de cuentas, atrae a la gente vulgar y prosaica; y desde mi punto de vista, Rozz Williams era una persona a la cual no se puede ubicar como un ser vulgar ramplón, sino como una persona con un sentido estético de la belleza bastante desarrollado, incluso como una persona muy perfeccionista, muy abocada al detalle, al uso de metáforas, al lenguaje idílico. Lo cual es más propio de la gente de pensamiento refinado, elegante, una elegancia obscura y atormentada, dramática y fatalista, injuriosa y oculta. Características, todas ellas, presentes en la gente con sentido artístico, además, el artista suele tener relaciones conflictivas con el entorno, incluso algunos han dado a este fenómeno (al conflicto) el estatus de semilla de base para hacer arte. También cabe señalar que era una persona desequilibrada emocionalmente, atada a conflictos íntimos muy arraigados.
Conocer el trabajo de Rozz Williams es encontrar a una persona que se ubicó dentro de la explosión de estilos que atrajo consigo el punk, estilos que fueron cultivados por las generaciones de jóvenes de los setentas y ochentas para marcar diferenciaciones con generaciones precedentes, dado que el punk principalmente fue un fenómeno de ruptura. Rozz, como su fuente raíz (en algún momento se definió como un punk romántico), abogaba por lo darle voz a la naturaleza salvaje del humano así como por mantenerse al margen del oficialismo y el consumo masivo, era perfeccionista pero nunca tuvo un toque académico o formalista en su trabajo, la suya era una propuesta callejera y soberana, pero bien trabajada y ensayada.
Dentro del sonido, él trató las diferentes aristas de la muerte, sus circunstancias y sus efectos: la muerte asociada a los romances, la asociada al asesinato, al gore y la tortura, el amor como preámbulo del sufrimiento, el sexo en relación con lo malvado y lo pervertido, la naturaleza de la amargura que lleva al suicidio, e incluso aspectos tan mundanos como prensa noticiosa amarillista tan vigente en los Estadios Unidos y en México (se declaró admirador de una revista mexicana llamada “Alarma”, la cual se centraba en documentar historias de homicidios y suicidios), también dio atención a psicológico y lo psiquiátrico que con la muerte se acompaña (gustaba leer perfiles psiquiátricos de asesinos seriales), incluso aspectos de la superstición como lo fantasmagórico y la magia negra también eran parte de sus intereses. En resumen, toda su vida pública se caracterizó por ser un artista de temas mortuorios que principalmente expuso por medio de la música (de ahí que se le diera como nombre a su estilo, Deathrock. Nombre que desde los años 60 ya existía para hacer referencia al tipo de rock que centraba sus temáticas en la muerte).
Sin embargo, su trabajo no se restringió al terreno de la música; también ejerció en las letras durante un tiempo, particularmente dentro del terreno de la declamación por medio de la lectura de poesía que él mismo escribía, la cual estaba inspirada principalmente en Poe y Baudelaire, una poesía individualista, fatalista y obscura. En el último tramo de su vida incursiona en el terreno del cine por medio del impactante cortometraje llamado PIG (el cual tiene ese nombre por inspiración de la seudofilosofía fundamentalista de Charles Manson), y en el cual también se aborda el aspecto del asesinato como ejercicio ritual.
Unreleased video. Exclusive of Ergô Felix Culpa.
Posted by Ergô Felix Culpa on Domingo, 6 de septiembre de 2015
De lo anterior desemboca la opinión relativa a una especie de obsesión por la naturaleza de la muerte, opinión que yo comparto; no me resulta descabellado sostener que Rozz Williams vivió obsesionado con ese tema, incluso su nombre artístico también fue tomado con base en ello. Él solía visitar cementerios desde su temprana adolescencia y fue en una lápida donde leyó el nombre “Rozz Williams”, el cual adoptó para sí.
Vivir tan cerca de una dinámica particular le lleva a cualquiera a tocar los extremos de ella; por ejemplo, interesarse apasionadamente por la política se traduce en hablar de ello, leer sobre ello, trabajar en ello, identificarse con ello, comenzar a comportarse bajo parámetros políticos y seguramente se terminará por convertirse en un político; cosa semejante ocurre en otros ámbitos como puede ser la misma ciencia, cuando te interesa en grado alto se leerá sobre filosofía de la ciencia, sobre la historia de la ciencia, se estudiará, se harán experimentos y análisis acorde a una metodología científica, se aprenderá a pensar de forma sistemática, se adoptará un lenguaje específico, las discusiones científicas serán el tema de conversación común y se terminará por ser un científico. Esto ocurre siempre que se trabaja con ahínco en algo, se termina por adoptar sus formas, sus mecanismos de acción, su lenguaje, hasta la forma de pensar el mundo.
Desde mi punto de vista, lo ocurrido con Rozz Williams -desde las causas por la cual se preserva su legado como artista así como su suicidio- tiene como fuente a considerar el trato obsesivo que él dio a la muerte durante décadas, al grado de identificación que él tuvo con el tema y los significantes que él le otorgó sugieren una relación íntima con ese aspecto. Dado lo cual, sus rompimientos amorosos, el abuso de drogas, etc., los ubico como eventos únicamente circunstanciales pero no determinantes para que él tomara la decisión que ya conocemos.
Respecto a su legado, a él se le debe el mote de “gótico” y “deathrock” (previamente se ha mencionado la fuente de este último, pero en realidad es una fuente ya olvidada y sin uso. En la actualidad se usa el nombre deathrock para hablar de estilos fuertemente influenciados por Christian Death), sin embargo, actualmente el toque se usa como una suerte de moda sin reflexión al respecto de sus implicaciones; vestir de negro y pintarse la cara se acompaña con visitas a cementerios para tomar fotos, para alegar un glamour y un “culto a la muerte” que realmente no existe entre los chicos que se hacen llamar góticos. La propuesta de Rozz Williams y otros artistas de ese mismo toque no era la novela rosa que hoy es, por el contrario, el gótico era una posición extremista, una forma de explorar la conciencia y la sugestión, lo maldito no en el sentido mágico o satánico, sino lo maldito entendido como lo prohibido. La relación del gótico con el medievo se da casi por automático con lo anterior por medio de un rastreo de las formas de tortura y muerte que nacen de la superstición religiosa que se tradujo en las medidas que se tomaron en un momento de la historia donde el sexo, el placer y el hedonismo estaban prohibidos, donde había medidas extremas de censura ante formas divergentes de pensar, una época donde se experimentó con distintas maneras ocasionar sufrimiento como mecanismo de purificación del alma y el pensamiento.
Esa es la relación que existe entre el gótico como época y el gótico como estilo para hacer música contemporánea; que, desde mi punto de vista, fracasó. Es decir, el gótico fracasó como movimiento musical por el hecho de que para mantenerse dentro de los aspectos obscuros del ser, entendido en el sentido amplio, es indispensable abrazar el extremismo y ello no es sencillo. Rozz Williams es un ejemplo de lo complejo que es esto; una cosa es vestir de negro, ir a eventos de la llamada música obscura, repetir clichés o leer a los poetas malditos; y otra cosa completamente diferente estar fascinado con la naturaleza negra de la condición humana, esa fascinación ha llevado a muchos al suicidio y la locura, entendiendo la locura en su aspecto real, en su forma de operar; es decir, tener alucinaciones, sufrir desequilibrios mentales, experimentar problemas de raciocinio, etc.
Es absurdo creer que la fascinación por la naturaleza obscura del ser humano llega por una preferencia musical específica. Esto está asociado a la tipología educativa que se reciba en el desarrollo de la persona. Siguiendo al personaje tratado, es completamente público que Rozz Williams tuvo una educación familiar marcada por el fundamentalismo religioso (particularmente el cristiano), el conflicto familiar, las prohibiciones, el maltrato físico y psicológico, incluso se ha sugerido que sufrió violación sexual en su niñez. Y son estos elementos los que crean a personas como él, personas que arrastran una serie de heridas que no sanan a lo largo de su vida, personas que no creen en el concepto de la civilización, personas a las cuales se les complica formar lazos afectivos aun deseándolos, personas que crean figuras fantasiosas para comunicarse (él narraba que durante su niñez solía ser visitado por espíritus. Eso puede ser explicable; es común que los niños creen figuras imaginarias de compañía cuando experimentan una fuerte represión y violencia en el hogar) y todo ello inmiscuido en un contexto donde, una vez llegada su adolescencia, se ofrece liberación por medio de una herramienta como la música de aquellos tiempos, la cual ofreció como principal fuente de atractivo la libertad en los jóvenes, la libertad que no tenían en universidades, en el hogar, una libertad que no existía en la vida común, una libertad que no ofrece un trabajo de oficina. Además, era una libertad de la cual se podía vivir dado que en aquellos días se podía obtener los ingresos suficientes para comer, rentar un departamento y hacerse de algunos bienes por medio de la música de protesta. Durante los ochentas vivir de la música subversiva era algo bastante viable. La mayoría de los músicos de aquellos tiempos podían dedicarse exclusivamente a la música, incluso existía la posibilidad de que obtuvieran una considerable fama y fortuna si optaban por venderse de forma masiva y hacerle el juego a la industria musical, una industria que estaba dispuesta a invertir grandes cantidades de dinero en nuevas producciones de sonido.
Ahora bien, lo que Rozz Williams hizo en el terreno del sonido no fue otra cosa más que trabajar de forma libérrima con los aspectos mencionados anteriormente, comenzando con bandas de punk y terminando en el noise y el experimental, fase, esta última, que no suele ser muy conocida por la gente que se hace llamar seguidora de la cultura obscura, incluso no les suele agradar a los llamados “góticos” al considerar el noise como un estilo demasiado violento y arcaico para sus gustos rosas. Sin embargo, aquél al cual reconocen como padre de su género que hoy ellos toman como moda trabajó con ruido blanco al hacer de estos estilos un reconocimiento de que en ellos se concentran las posturas extremistas y obscuras que él había explorado a lo largo de su vida; la experimentación del noise y el ambient es la música obscura y subterránea por excelencia.
El grupo con el cual se posiciona en el terreno del sonido es Christian Death (anteriormente había sido parte de bandas punk), banda con la cual lanzó algunos discos manteniéndose como líder de la misma antes de que Valor Kand literalmente lo robara, cosa que no le importó demasiado a los seguidores de Christian Death dado que hasta la fecha siguen consumiendo lo que hace el grupo tanto en discos como en giras. Los seguidores más fieles con el trabajo de Rozz Williams siguieron sus diferentes fases encontrando en ellas posicionamientos más o menos estables y consecuentes con su primera época, cada uno de sus proyectos (algunos los mantenía de forma paralela; dos o más proyectos de forma simultanea) solía ser distinto de los otros, otorgando con ello la muestra palpable de que él poseía el talento necesario para fundar nuevas bandas y hacer que éstas trascendieran en cada uno de los terrenos donde se ubicaban. Un talento que Valor Kand ni por asomo posee.
Como se ha señalado ya, originalmente el gótico era un estilo de rock subversivo, extremista y elegante sin la necesidad de ser ruidoso. A medida de que éste se fue popularizando a la par con el surgimiento de bandas con tendencias más disminuidas en comparación con lo que se observaba en la primera época donde una gran proporción de los góticos montaban conciertos realmente impactantes, ganándose la censura en medios y la prohibición de presentaciones, a medida de que el gótico pasó de ser un punk elegante, frío e inteligente, a ser un estilo donde se reinaban las baladas románticas y las historias simplonas de fantasmas y vampiros, en esa medida los que pertenecían al estilo original fueron migrando de él. Algunos murieron (en esa época era común la muerte por sobredosis de heroína); otros se fueron a un estilo que se hizo en la ciudad de NY como respuesta a la comercialización de las tendencias de sonido de entonces, a ese estilo se le llamó No Wave; otros se arrojaron al ambient, el cual suele ser música conceptual etérea; otros más comenzaron a trabajar con el industrial y noise que se estaba exportando de los países bajos de Europa y Japón; y otros fueron consumidos por la industria y formaron bandas de New Wave o simplemente se dedicaron a otra cosa diferente a la música.
Para el caso de Rozz, él optó por mantenerse en el underground trabajando con sonidos conceptuales que se acompañaban de un controvertido contenido visual, el trabajo que hizo en Premature Ejaculation es pionero en los Estados Unidos. Incluso él era uno de los críticos más férreos de bandas de gótico comercial, actitud que mantuvo hasta sus últimos años cuando se burlaba de London After Midnight al acusarles de farsantes, de hacer música sólo para atraer mujeres y llamar la atención a las cámaras de MTV.
El camino de Rozz fue semejante al que siguieron otros de su misma cepa, gente que siempre creyó en el punk originario como filosofía de vida a pesar de las circunstancias, gente como Stiv Bators.
Desde mi punto de vista, la influencia que él tuvo fue mayor a la que se le reconoce y a la que se le reconocerá en el futuro. Ya se escribió la historia de ese estilo y hoy tanto el rock gótico como el deathrock ya tomaron el camino de los fanfarrones. Hoy los góticos no tienen un interés por reivindicar el estilo ni por experimentar en él, se ha convertido en música de moda para clubs nocturnos, en un tipo de moda para vestir, en una moda que alberga la fantasía de poseer una personalidad obscura, ahora se dicen vestir de negro y pintarse la cara porque están deprimidos y otras sandeces por el estilo, hacen ello sin detenerse a pensar que personas como Rozz Williams eran así efecto de su desarrollo personal y que sufrían dicho estado, que era gente desequilibrada psicológicamente, gente de muy difícil trato, gente muy anárquica en su comportamiento, que eran herederos de aquellos pensadores y artistas que tienen poca fe en las posibilidades que otorga la civilización para alcanzar una estado de plenitud en la vida. Incluso la forma en la que Rozz Williams se suicidó dice mucho de ese tipo de personalidad que tiene un estado de comportamiento disposicional para sufrir hasta el último momento de su vida.
EXPENTANCY: Deathrock, Gothic, Experimental, Industrial, Noise
FELLOW: Whitehouse, Geil, Pacific 231
Dicho lo anterior; dejo a ustedes los siguientes discos, algunos de ellos de difícil acceso incluso en redes al no ser parte del material comercial de Rozz Williams. Enlisto:
*Rozz Williams: Accept The Gift Of Sin; Every King a Bastard Son; PIG (Film)
*Christian Death: Sleepless Nights, Live 1990.
*Premature Ejaculation: Wound of Exit & Anesthesia
21.8.15
Punk Attitude es un documental que cuenta una historia desde la óptica conservadora sobre algo que no es conservador. Este es uno más de los documentales que yo ubicaría como el trabajo típico estadounidense que está hecho con la intención de nutrir la óptica de un jovencito promedio respecto al desarrollo del punk, y establecer a éste como un producto de la idiosincrasia y los valores norteamericanos. Incluso pareciera estar financiado por la industria musical americana, haciendo una analogía, Punk Attitude está a la altura de lo que para un historiador serían los trabajos de History Channel, es decir, un trabajo de holgado presupuesto pero baja calidad informativa, sin ningún tipo de reflexión crítica ni apegado a la evidencia de la multiplicidad de acontecimiento y factores que integran los hechos.
La historia oficialista del punk es una historia viciada, trillada, repleta de clichés, una historia que se ha repetido miles de veces en artículos de revistas del oficialismo en la industria musical, como la Rolling Stone, en documentales hechos en los EU, en los grupos que actualmente quieren hacerse pasar como punks originales (por ejemplo, Casualties o Exploited) y todos los mecanismos para imponer una narrativa sesgada como única realidad posible. Una historia que no dice más que: todo comenzó en EU, después se exportó a Inglaterra, hubo intercambios entre ambos países y al fin de cuentas los que se decían rebeldes antisistema terminaron por vender su música porque esa es la historia natural de cualquier grupo que tiene éxito.
Y Punk Attitude es precisamente parte de ese montón inútil de documentales, inútil dado que ahora, con la apertura a la información proveniente de distintas partes del mundo es difícil mantener una historia del desarrollo de cualquier propuesta cultural como sí está fuese maniquea. Propongamos algunos puntos de observación a la historia tonta que aborda este y muchos otros documentales.
La narrativa respecto a una historia de la música casi lineal donde (y cosa peculiar, se narran los hechos como si todo hubiera sido hecho por gente blanca) Iggy Pop, Velvet Underground, David Bowie, MC5, New York Dolls, etc., fueron la raíz en que se inspiraron Ramones en EU, después lo exportaron a Inglaterra gracias a un usurero llamado Malcolm McLaren, el cual juntó un grupo de jóvenes sin quehacer ni beneficio y les dio promoción mundial por medio del escándalo, etc., etc., etc., fue sostenida casi desde los 80s (cuando se empezó a imponer esa narrativa) hasta finales del siglo XX. Sin embargo, ahora han aparecido las fisuras de esa historia de facilismo y se han manifestado aquellas particularidades que la rompen. A principios del siglo XXI se publicó uno de los mejores documentales en torno a un grupo que no compartía en nada la idiosincrasia de los blancos, ni las creencias, y que estaban mucho más adelantados a su tiempo en comparación con cualquier otro grupo de la época, me refiero a la banda de Detroit, Death. Un trío de chicos de color que tenían todo, hasta el nombre del grupo, para ser definidos por derecho propio (si en la historia que nos contaron no se hubiera mentido tanto) como la primera banda del punk.
Algunos alegan que “eran desconocidos y por lo tanto no se habló antes de ellos”. En efecto, eran desconocidos por las masas (las masas casi siempre desconocen todo, son los borregos habituados a que otros piensen por ellos. Parecen loros), pero los coleccionistas de discos sí que los conocían pero preferían cerrar la boca. Entre esos que ya los conocían desde tiempo atrás está Jello Biafra (aceptado por él mismo).
Sobre Death no se dice ni una palabra en el documental Punk Attitude.
Otro más sobre los cuales nunca se habla es sobre Chrome. Ellos ya estaban publicando discos desde 1976, se habían formado desde antes de ese año y ya daban conciertos. Cualquiera que les conozca sabrá que Chrome dio un salto doble desde el 75, ya hacían un punk de vanguardia e incluso ya hacían lo que después se hizo en el Post Punk desde mucho antes que se le atribuyera el chiste Post Punk a Joy Division. Si la historia fuera sincera se ubicaría, por lo menos, a Ramones a la misma altura de Chrome, pero nunca se ha hecho eso dado que Chrome nunca se vendió como dulces empalagosos a la industria musical, algo que sí hizo la banda Ramones y la industria pendenciera les supo pagar su forma de arrodillarse a las necesidades de venta masiva (basta con ver vídeos de las giras de Ramones, es patético ver a sus fans recibiéndolos como se recibía a estrellas del pop) atribuyéndoles ser los inventores de un estilo que ya se manejaba desde años atrás.
Sobre Chrome tampoco se habla en Punk Attitude.
Bajando más la mirada, a tierras latinas, particularmente Perú, una historia honesta del punk tendría que hablar sobre Los Saicos, una banda que adelantó a cualquier otra de su momento histórico. Los Saicos desde el 65 ya hacían lo que se llamaría Proto Punk, además la historia de ese grupo es apasionante.
Tampoco se menciona ni una palabra sobre Los Saicos en Punk Attitude.
Sumando a lo anterior, aquél que crea que el punk fue un gran estilo gracias a lo que hicieron los ingleses y los norteamericanos con él (que básicamente fue prostituirlo), son unos pendejos que han sido engañados. El punk fue grande porque mostró ser un género que se dio en diversas partes del mundo, se importó de Inglaterra, de los EU, otros en Latinoamérica ya lo estaban haciendo sin saber que pertenecían a un estilo que se manifestaba en diversas partes del mundo; el punk fue grande porque trascendió absolutamente todos los lenguajes, se cantó en español, ruso, italiano, francés, inglés, portugués, e incluso hay algunos de américa del sur que lo han cantado en lenguas autóctonas. En el caso de España, Eskorbuto fueron mucho más grandes que Sex Pistols, pero de igual forma se mantuvieron en el underground, Eskorbuto nunca fueron prostitutas del rock, ya sea porque creían realmente en lo que hacían o porque eran tan salvajes que su inaccesibilidad les cerró puertas. Y muchos grupos españoles publicaron mucho más que los anglosajones, se vendieron mucho menos y hasta la fecha siguen en el mismo talante y convencimiento.
Englobando; lo que se observará en Punk Attitude es la historia de aquellos grupos que en algún momento dejaron de estar en el underground; lo único underground que abordan es el No Wave, pero sólo lo hacen de forma muy tangencial, como si no hubiera dejado huella alguna. Incluso presentan el No Wave como un estilo que a pesar de su intencionalidad hubiera fracasado ante el embate de la maquinaria de la industria musical. No se habla en absoluto del papel de los sellos independientes, un papel que fue muy importante para fundar la tradición del músico autónomo. En este documental no se dice ni una palabra de CRASS (y hablar de punk anglosajón y no hablar de CRASS…), tampoco se menciona absolutamente nada de GG Allin (que puede bien no gustar a muchos, pero es parte de esa historia que molesta a la Rolling Stone pues con GG se muestra que no todos tenían por intención ser bufones de la industria), no se menciona nada de bandas de punk mexicano que saben lo que es realmente lo salvaje y la vida dura de la calle, la delincuencia, la falta de oportunidades y la escases de recursos hasta para grabar un disco, no se menciona nada del movimiento Okupa, nada de la autogestión, nada del Kill Your Tape, ni de todas esas cosas que deliberadamente renuncian a la venta en pro de seguir sus ideales (sean estos utópicos o realistas). Incluso llegan momentos donde parece que la discusión se centra en “quién era más punk, los británicos o los estadounidenses”
En este documental se evita todo aquello que rompa la historia que podría resumirse en:
...el punk original fue un estilo netamente anglosajón que acabó implosionando, los punks maduraron, se adaptaron a las necesidades sociales y ahora aceptan a Nirvana y Green Day como su evolución natural. Al fin de cuentas así se mueve el mundo y tarde o temprano todos son absorbidos.
Esa máxima, tan estadounidense, tan mesiánica, tiene una intencionalidad de dirigir un mensaje moral; la intencionalidad de decir al interlocutor que no existe más realidad posible que la que para él y su futuro se ha diseñado. Esa máxima es mentira y existe múltiple evidencia de ello. Pero para un fundamentalista ninguna razón es suficiente para acabar con sus prejuicios.
Punk Attitude es un documental que cuenta una historia desde la óptica conservadora sobre algo que no es conservador.
EXPENTANCY: Punk Rock, Post Punk
13.8.15
El compilado “Songs Of The Underground Lovers”, originalmente con el subtítulo, Neoclassical Versions Of The Radical Songs; se publicó por vez primera en la extinta UD a finales del 2007 (no tengo muy clara la fecha exacta), una website que durante bastantes años se centró en publicar material de estilos como el post punk, el new wave y el punk rock. Este compilado fue una de las entregas exclusivas de aquél sitio y se distinguía de la mayoría de los post que en él se presentaban por ser una exquisita selección de covers hechos en piano y cuarteto de cuerdas de muchos de los tracks que hoy son clásicos del periodo 1977-1987. El disco se perdió junto con el definitivo cierre de la página.
Con intención de rescatarlo, me puse en búsqueda del mismo entre diferentes contactos y uno de ellos me proporcionó una de las copias digitalizadas del disco, en la cual se aprecia los “tronidos” de la primera captura que se hizo del acetato y las cintas, lo cual -en mi opinión- son errores técnicos agradables al oído.
A lo largo de 67 minutos se distribuyen los 18 tracks que componen el material, un compilado grandioso que deja la puerta abierta para ser valorado por los gustosos del jazz, los pianistas, el sonido crudo de los cuartetos de cuerdas, la música instrumental. A su vez, a esta altura también cumplirá un papel semejante al que en su tiempo jugó en UD, un quiebre con la tendencia de las entradas que han venido presentándose hasta el momento.
EXPENTANCY: Soft, Instrumental, Jazz
- Were Is My Mind (Pixies) –Maxence Cyrin.
- Lullaby (The Cure) –Eric Gorfain.
- I Wanna Be Your Dog (The Stooges) –Vica.
- Lithium (Nirvana) –Ark Sano.
- Love Will Tear Us Apart (Joy Division) –Deicida 69.
- Anarchy In The UK (Sex Pistols) –Vica.
- This Charming Man (The Smiths) –VSQ.
- Ziggy Stardust (David Bowie) –VSQ.
- Twenty Four Hours (Joy Division) –Vkgoeswild.
- Shine On You Crazy Diamond (Pink Floyd) –David Ari Leon.
- Love Will Tear Us Apart (Joy Division) –Jilted John.
- Ashes To Ashes (David Bowie) –Stephan, Ishibashi, Buzzy & Ippei.
- Love Street (The Doors) –George Winston.
- Just Like Haven (The Cure) –David Ari Leon.
- Love Vigilantes (New Order) –Nicholas Young & Jarred Snyder.
- The Hurricane (Bob Dylan) – - Anonimus en Cuarteto de Cuerdas.
- Riders On The Storm (The Doors) – George Winston.
- In Between Days (The Cure) –David Ari Leon.
3.8.15
Anti White Bastards pertenece a los compilados de sonido experimental con un contenido ideológico fuerte. Básicamente se trata de experimentación con herramientas análogas que ambientaliza una serie de denuncias al fascismo y la segregación racial. Es un disco doble; en el lado A se tienen a proyectos de los Estados Unidos de América: Nux Vomita, PBK, Psy 231, Illusion Of Safety, por mencionar algunos. En la segunda parte los proyectos son europeos y de Sudáfrica: Factor X, Doc Wor Mirran, Shinx, Big City Orchestra, y otros.
Este material se publicó a principios de los 90s por uno de los mejores sellos de rock subterráneo que conozco, Korm Plastics, un sello de los países bajos de Europa que se especializó en publicar exclusivamente material para los antropólogos del sonido marginal. El que posea en físico todo el catálogo de esta disquera, tiene una joya.
No es un material digerible, ni se intenta que lo sea. Anti White Bastards pertenece al sonido que se usa como forma de comunicación abstracta. Hace años tuve un espacio en un programa de radio en mi país, me seleccionaron para publicar y tratar cosas relativas al underground, quizás esperaban que hablara de Bauhaus y Joy Division, es decir, que hablara de bandas comerciales. En uno de los programas, el último donde me dieron espacio, programé algunos tracks de este disco, otros del QED y otros de Club Moral para tratar el experimental del Este de Europa, los escuchas me acusaron de fanático y promotor del nazismo y el director de la estación me corrió esa misma noche.
Este es un disco para gente preparada, para gente que sabe lo que es el subterráneo.
Heinrich Himmler después del suicidó, un ejemplo perfecto de que las tendencias fascistas traen consigo la autodestrucción.
EXPENTANCY: Experimental, Industrial, Noise
- Illusion Of Safety - Off The Mark
- Reed Ghazala - Maelstrom In The Dust Of Ages
- Psy 231 - The 4th Reich
- Gustavo Pastre - Counterclockwise Fields
- PBK - Boilling Underneath
- Blowhole - Blessing
- Nux Vomica - The Girth Of Mediocrity
- Master/Slave Relationship - Moments Like These
- ZAN - Noisehead
- DMDN & PDM - Kontrast, Excerpt 2
- Riders Of The Apocalypse - Sanderson You Will Die
- Big City Orchestra - Untitled
- Doc Wor Mirran - No Breasts For Fascists
- Kapotte Muziek - Hopefully They Kill Their Own
- Sphinx - Two Hot Two Handle
- Factor X - Essentially No Difference Between Anybody
- T & H - Chicago Nazis Fuck Off
28.7.15
Shit Noise Records es parte de los sellos independientes contemporáneos con sede en Alemania y Estados Unidos. En él se publica constantemente material que tanto en su presentación como en sus grupos suele ser bastante crudo e improvisado.
Los splitsession del sello lanzó hace pocos meses el número 38 con bandas y proyectos de Brasil, México y Europa. El disco es una explosión mayoritariamente de noise con algunos toques de punk rock.
EXPENTANCY: Noise, Punk, Post Punk
Tracklist:
- Radiación Suicida - Darkpeyote
- Radiación Suicida - Ponchesuizid
- Track 3 None*
- Porraloka - A Refinada Arte Da Brutalidade
- Porraloka - Cocô Na Cuca
- Porraloka - A Revanche Dos Posers
- Porraloka - Vou Xingar Muito No Twitter
- Porraloka - Uma Lixeira Chamada Planeta Terra
- Deicida 69 - Lesia Ntoa
- Deicida 69 - Poésie
- Deicida 69 -Utterance Spontaneous
18.7.15
Fetishism, gothic, violent, magic, obscure, sex.
Sleepchamber is one of the projects within the experimental underground fetish. Known as the Damn Tour, the tour of Germany in the mid-90s aroused great interest in this project. Here a documentary where we talk about it.
EXPENTANCY: Experimental, Ambient, Obscure Sound
FELLOW: TG, Premature Eyaculation, Women Of The SS
Suscribirse a:
Entradas
(Atom)
-
2013 (384)
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-
-