Para los noventas, el rock gótico había desaparecido y había sido degradado, una banda basura llamada Lacrimosa había hecho una mezcla de heavy metal con tinte obscuro y esa porquería causaba sensación en la generación. Los iniciadores del gótico habían muerto o ya estaban haciendo trabajos distintos; Rozz Williams se encontraba haciendo música experimental perfilada al Noise y al Ambient, él había preferido la lectura de poesía y en el rock se acercó a sus orígenes punk con Daucus Karota. 

Después de 10 años de su nacimiento, el rock gótico terminó por convertirse en una exposición de parafernalia y un lugar común para la fanfarronería, se desprestigió y ya era más importante la imagen que la calidad, la metáfora del vampirismo que estuvo presente desde el principio fue tomada como verdad por algunos acomplejados que empezaron a creerse hijos de Bram Stoker, se confundió el romanticismo con escribir melosas canciones de amor y, en general, perdió calidad. Incluso, respetadas bandas como Sisters Of Mercy explotaron más la imagen escénica que la música, conocida es la historia que Eldritch generó respecto a Patricia Morrison, la cual nunca conectó el bajo y sólo sirvió como imagen del grupo, usada como un mero maniquí para atraer escuchas. 

En los noventas era vergonzoso definirse como un grupo de rock gótico si se buscaba respeto de la vieja escuela, era mejor no definirse de esa forma aun cuando las formas del grupo claramente llevaran a esa dirección, a ese género. 

Hacía en la última década del siglo pasado era necesario hacer una propuesta de música obscura que fuera un profundo rompimiento. Ese trabajo de reinvención estuvo a cargo de Sopor Aeternus, una propuesta que en sí misma nunca ha sido una banda, nunca ha dado presentaciones en vivo y de los cuales no se sabe casi nada, incluso no dan entrevistas personales, no aparecen en televisión ni en festivales y hay un anonimato casi absoluto rodeando la cabeza del proyecto. Su inventor es un andrógino con apariencia de enfermo psiquiátrico que se hace llamar Anna-Varney Cantodea. 

Del gótico que emergió en los noventas sólo abogo por Sopor Aeternus, en especial su primer par de discos. Lo que de ellos he escuchado es ostentoso y negro, música muy obscura alimentada por sintetizadores, instrumentos de viento, muchas percusiones y una voz tétrica y magnífica. Además, su trabajo en letras es uno de los mejores que conozco, pareciera fueron hechas por un enfermo de depresión que descansa la pistola sobre sus rodillas para tomar la pluma.  

Se les ha clasificado dentro del darkwave, pero ese lugar queda corto, Sopor Aeternus ha trabajado con casi todas las variantes de la música obscura contemporánea, desde sonidos del after punk hasta el ambient, composiciones instrumentales y un toque de música barroca. Lo que se hace en Sopor Aeternus no tiene simil con ninguna otra cosa de la escena obscura contemporánea, es enigmático.  

EXPENTANCY: Gothic Rock, Ambient

FELLOW: Dvar, Dead Can Dance

DOWNLOAD

Los dos últimos discos de PiL son brillosos, amarillos, alegres. John Lydon ha llegado a un momento de su carrera como músico en la que puede hacer música por placer, sin compromisos, su vida hoy es feliz y plena. Se trata de una de las mayores leyendas vivas del rock que ha probado todo, ha destruido y ha generado estilos y géneros, ha participado en importantes movimientos artísticos, sus escuchas le somos fieles y sus detractores le temen más de lo que le critican. Este tipo de características son muy difíciles de darse en un músico; John Lydon es una persona que triunfó en su profesión. 

Hoy es feliz, pero lograr ese estado le llevó enfrentarse a una amarga juventud como un chico pobre que no tenía demasiadas oportunidades para desarrollarse y al cual la industria de la música le llegó casi por suerte, incluso por equivocación. Antes del éxito masivo y después de la estafa que se hizo con Sex Pistols en la gira por los Estados Unidos y su irremediable separación, Lydon entró a un terreno obscuro, medianamente autodestructivo y sedicioso del cual salió después de más de 5 años; ese periodo comenzó con este primer disco de Public Image Limited, titulado First Issue, un material superior a todo lo que había hecho con los Pistols pero sin ese grosero desgarbo que caracterizó a uno de los grupos más importantes del punk mundial, las pistolas sexuales. 

First Issue es iconoclasta y vanguardista, un disco hecho en el periodo del after punk, en el tiempo en que llega el gótico a las calles de Londes acompañado del uso desmedido de la heroína a finales de los setentas, incluso Public Image Limited era un grupo de drogadictos, su irreverencia se deja ver en sus letras que llamaron a la subversión ofendiendo a los conservadores, a las tradiciones y a los fantasmagóricos inventos de aquellos que no les gustaba escribir sobre la realidad cruda e inmediata. Lydon siempre ha sido un tipo que se expresa de manera directa y que hace un uso mínimo de la metáfora, y en este disco se escucha ello de forma magistral, siendo, en mi opinión, el mejor disco de toda su carrera, el más negro, duro y rebelde, la música obscura que aún tiene ese sabor a punk rock, llama al baile y alza los chingadazos en el slam. 

EXPENTANCY: Obscure Sound, Post Punk

FELLOW: Sex Pistols, Joy Division, Magazine

DOWNLOAD

En una banda el vocalista suele tener una posición sobresaliente del resto de integrantes, suele ser la imagen pública y suelen ser los más determinados del grupo, ellos tienen el contacto más directo con el público y con la crítica, incluso, al ser ellos los que le dan el sentido concreto a la música al vociferar los que se han escrito requieren una característica de compromiso con la lógica de las letras, compromiso que no es indispensable para la base instrumental. En el caso de las bandas que hicieron su carrera en el underground se tiene que los vocalistas suelen ser los personajes extremadamente apasionantes y complejos, algunas veces son casi impenetrables y su mística es nada ordinaria, Andi Sexgang es uno de esos personajes. Él sobresale por su técnica como vocalista al ser iconoclasta en el manejo de tonos y ser bastante creativo para la composición de sus letras, es uno de los pocos que mezcla la furia punk con el amor por la literatura, las leyendas y mitos de su país de origen (Inglaterra), el cine, la historia y, por supuesto, la filosofía especializada y rigurosa, él se ha declarado admirador de Wittgenstein y Bertrand Russell cuando éste último se encontraba desarrollando trabajos en lingüística objetiva. Andi Sexgang es de ese tipo de vocalistas que eligen esa actividad por convicción artística pues aun fuera de ella, cuando no la ejercen, continúan siendo artistas hasta en sus aficiones personales. 

Él comienzo su carrera con un grupo que hoy es uno de los referentes más categóricos de la música obscura, Sex Gang Children, banda que a pesar de su intermitente carrera -se ha separado en varias ocasiones- se catapultó hasta hoy como una banda superviviente de la vieja escuela de la música obscura. Sex Gang Children fue fundadora del Batcave junto con Speciemen, Alien Sex Fiend y otros grupos de corte gótico y tétrico.

Su trabajo en el Ambient y en la música acústica, e incluso romántica, se hizo a finales de los noventas y es un trabajo que deja ver su madurez como músico haciendo a un lado los años salvajes de Sex Gang Childen. Y cosa peculiar, dado que sus escuchas comunes son afectos al cliché, ese trabajo se conoce y se difunde poco. El disco “The Wrath Of God”, que es un disco conceptual que se hizo como tributo al trabajo cinematográfico de Werner Herzog, un disco de música ambiental que bien podría ser un soundtrack, fue un fracaso comercial y es un disco casi olvidado por los seguidores de Sex Gang Children. El disco se publicó en el año 2000.

Justo a finales de los noventa ya se venía anunciando que se aproximaba un disco tan impenetrable como The Wrath Of God; el 1999 salió a la luz el que quizá es el mejor disco que contiene temas acústicos de música obscura post punk que se ha publicado en la historia, el “Pop Up - The Rare And Unreleased World Of Sex Gang” (puedes acceder al disco desde este enlace); en ese mismo año salió a la luz un extraordinario disco solista de Andi Sexgang, un material de música ambiental y acústica que entiendo como antesala de la densidad que hay en The Wrath Of God, hablo del disco “Last of England” publicado en 1999.

Después de la primera separación de Sex Gang Children, Andi Sexgang trabajó con la música de corte cabaret, incluso fue el que la popularizó entre el rock gótico, después de ello lanzó temas de corte Glam (género que siempre influyó al rock gótico y al que pocas veces se le reconoce como influencia prefiriendo creer que el gótico nace como línea directa del punk rock y borrando de un tajo la aportación que hizo el rock psicodélico y el glam de T-Rex y Marc Bolan), y fue después de haber experimentado con esto cuando se adentró a la música experimental y conceptual.

En la actualidad, en la que quizá es su última época creativa, Andi Sexgang ha logrado un trabajo donde confluyen sus raíces y su posterior camino, un trabajo que continúa siendo intenso e interesante y que se lleva de calle a bandas que fueron más comerciales que Sex Gang Children y que se creyó resistirían la prueba del tiempo cuando se volvieran a reunir, pero que en los hechos esas bandas se quedaron atrapadas en el pasado, no se reinventaron y no hicieron nunca más algo de la altura como cuando eran jóvenes, ejemplo de ello es el “Go Away White” de Bauhaus, un disco horrible; en cambio, Viva Vigilante de Sex Gang Children, publicado hace poco tiempo, sigue siendo extraordinario, original y fresco.      

EXPENTANCY: Dark Wave, Ambient, Acoustic

FELLOW: Sleep Chamber, Legendary Pink Dots, Clan Of Xymox

DOWNLOAD

Sex Gang Children comenzaron como un grupo de Post Punk muy puro, de ese tipo de sonido profundamente arraigado al alma mater que fue la generación de 1977, el punk rock y el glam. El Naked y el Song and Legend dan cuenta de esa época salvaje y contestataria del que fue uno de las tres grandes bandas del Batcave (Alien Sex Fiend, Sex Gang Children, Specimen). Se convirtieron en un hito para el underground en 1983 y tan solo un año después hicieron la que quizás ha sido su canción más representativa, Dieche, meses después viajaron a los Estados Unidos para hacer el mítico concierto Ecstasy And Vendetta Over New York, y fue entonces, en el cenit de su primer paso en la música, cuando la banda empezó a mermar efecto de una lucha intestina entre Dave Roberts (el magnífico bajista del grupo) y Andy Sex Gang (vocalista). Sex Gang Children casi desapareció de los círculos, se empezó a reeditar versiones inéditas y a lanzar compilados hasta que a inicios del XXI se hizo un disco tributo al directo Werner Herzog, disco ambiental semiacústico llamado, The Wrath Of God.

Desde The Wrath Of God ya se puede hablar de un retorno del grupo que ya ha sido bastante patente dando giras alrededor del mundo y recientemente publicando un interesante material con canciones nuevas, el disco lleva por título Viva Vigilante.

Sex Gang Children es una de las bandas más respetadas de su género, tanto gente del punk rock como del gótico, y sus diversas variantes (darkwave, coldwave, ambient), reconoce en este grupo una de las referencias obligadas de la música obscura, un grupo con una presencia escénica aplastante, un sonido demoledor en directo y una frescura que aún se mantiene viva para componer temas que rebozan de originalidad. 

En medio de su periodo de relativa inactividad se lanzó uno de sus discos más interesantes y uno de los más progresivos (si cabe el adjetivo) para el rock gótico. Medea (descarga el disco desde este enlace), publicado en 1993, es un material brillante y con gran elegancia, con unas composiciones interesantes en sus letras donde su incluyen referencias a figuras de valor histórico para la guerra, para Gran Bretaña, para la cultura grecolatina. A su vez, la peculiaridad de la voz tétrica y esquizoide de Andy Sex Gang se expresa aquí de una forma magistral.

Por este disco se deja patente por qué Andy Sex Gang es llamado El Conde Visigodo.   

EXPENTANCY: Post Punk, Batcave, Deathrock, Gothic

FELLOW: Christian Death, Alien Sex Field, Bauhaus

WEBSITE

Son conocidas las historias de persecución que sufrían los punk en la exYugoslavia a finales de los ochentas por parte de la policía, incluso se ha llegado a sugerir que la emergencia de éstos va a la par con las guerras intestinas de la república soviética que se tradujo en la segmentación territorial de los noventas dado que se les entendía como una especie de jóvenes que habían aceptado una parte de la cultura decadente del capitalismo. 

Por ejemplo; el oficialismo soviético asociaba a los asesinos en serie y la drogadicción con la decadencia del sistema capitalista, incluso cuando Andrei Chikatilo cometió sus crímenes los servicios secretos soviéticos tardaron en aceptar que todos esos asesinatos eran obra de una sola persona dado que el asesino en serie era definido como un producto que sólo podía ser posible en países capitalistas donde las condiciones de vida promovían conductas antisociales. 

Respecto al punk rock, también era algo que avergonzaba a los soviéticos ortodoxos pues éste era entendido como seudoarte hecho por drogadictos y antisociales, los punk eran entendidos como gente contraria a la moral del sistema comenzando desde el consabido rechazo del punk al trabajo y ser casi un culto a la pereza, algo que por definición era contrario al ideal de la sociedad comunista donde el trabajo es una actividad obligatoria, una actividad que define al hombre, le dignifica y le asegura un lugar en el mundo. Los comunistas entienden la pereza y el odio al trabajo como un posicionamiento que nace de una moral burguesa (cosa distinta es el ocio, el ocio es observado como el tiempo libre posterior al trabajo, mientras que la pereza es el rechazo a toda actividad, incluyendo toda actividad productiva). Incluso Sex Pistols tenían algunas canciones donde literalmente de vanagloriaban de ser jóvenes perezosos (“huevones” se les llama en México).

Ahora bien, mientras en la URSS se les entendía de esa forma, en el bloque capitalista al punk de inmediato se le asoció con un tipo de rock neocomunista, más aún cuando se entendía como un tipo de música que entre sus puntos de crítica estaba la sociedad materialista, se hablaba de él como una respuesta al consumismo, a las formas de enajenación social de la moda (la moda es un producto capitalista desde el término mismo), eran antidemócratas, no se definían como ciudadanos; resumiendo, el punk rock original rechaza y ataca las llamadas virtudes de la burguesía, motivo por el cual los conservadores definieron a este estilo como un rock comunista y, por tanto, dañino para el desarrollo social.

No conozco a ningún exponente del punk de la vieja escuela que se definiera como comunista, incluso sus críticas también fueron dirigidas a la URSS porque entendían a ésta como un sistema autoritario que mermaba la libertad humana y, sin embargo, los punk tampoco eran liberales dado que el liberalismo no es más que ultraconservadurismo burgués disfrazado de libertad. 

El punk es algo más sencillo y dista de una propuesta política sofisticada o una propuesta para apoyar uno u otro sistema social, incluso tampoco son anarquistas, en dado caso son antiautoridad. El punk rock ha nacido y se mantiene en zonas subdesarrolladas que pudiendo otorgar oportunidades a los jóvenes éstas no se dan dado el diseño institucional por el que han apostado los gobiernos. Es común en países que apuestan por el liberalismo económico dado que con la arenga liberal se empatan algunas tesis flacas relacionadas con la búsqueda de la libertad humana y por ello se permiten ciertos tipos de expresiones críticas e incluso irresponsables que en sistemas autoritarios sería imposible de ver. 

Cuando el punk rock apareció en Yugoslavia se encontró en una situación de cambio político donde un muy amplio sector de la población buscaba adoptar un sistema de organización social más parecido al occidental, dado ello se les entendió como una especie de infiltrados, jóvenes que habían sido seducidos por los vicios característicos del capitalismo (las drogas, la pereza, la no perspectiva de futuro, lo antisocial, etc) y por ello se les perseguía.  No son pocos los politólogos que ubican la falta de expectativas de futuro de los jóvenes de las exrepúblicas soviéticas con la caída del bloque, Juan Carlos Monedero ha mencionado que en su visita a la RDA con motivo de una investigación que realizó en los ochentas se encontró con jóvenes que ya no creían en el ideario soviético siendo Monedero uno de los primeros politólogos que sugirió quedaba poco tiempo de vida para la Unión Soviética al no existir para entonces cohesión ideológica en su población junto con un golpeteo y sabotaje constante por parte de occidente. 

Diversos grupos de punk rock aparecieron en estas condiciones en Yugoslavia, eran mediados de los ochentas y hoy los países que formaron parte de esa república soviética tienen una importante tradición en el punk rock y sus derivados. 

Para este post presento dos discos hechos en aquellos años de transición: U.B.R. y Tožibabe. Ambas bandas son pioneras del rock callejero yugoslavo y son muy poco conocidas en occidente; en el caso de UBR se tiene un hardcore muy al corte del que se realiza en Alemania y en Inglaterra, un hardcore muy a lo Bristol. Por su parte, Tožibabe se trata de un grupo menos tradicional y más cercano a la línea post punk relacionada con el gótico, el sonido es muy dado al deathrock y se le podría definir con sencillez en él sí sólo se parte de la base del sonido, pero dando atención a lo que decían sus letras y la forma conjunta en la que el grupo actuaba se concluye que juega en las ligas del punk. 

Los dos discos del post es un Split compartido por las citadas bandas, y el segundo disco es el material más conocido de Tožibabe, el Dezuje.

EXPENTANCY: Punk Rock, Post Punk

FELLOW: Sex Pistols, Public Image Limited, GBH

DOWNLOAD

Ergô Felix Culpa fue abierto una vez que sumaba dos años desde el cierre de UD y me había aburrido de lo que algunas veces encontraba en la mayoría de las web en español que trataban esto de la música. Casi siempre hallaba lo mismo, los mismos grupos, incluso las mismas canciones, era difícil encontrar diversidad y más difícil era que uno de sus administradores escribiera algo un poco interesante, si no interesante, al menos divertido. Me encontré con lo que se encuentra en las calles, gente que reduce la música a su gusto personal y aun cuando este último puede ser el factor más relevante para hablar sobre algo, poco o nada me dice una persona que sólo escucha y que no piensa o no se tiene la confianza suficiente para expresar lo que de la música emerge, su relación con la cultura y la historia de una civilización, la relación tormentosa del artista con esa civilización. Y siendo el subterráneo el sitio donde más gente inquieta hace presencia, creí, y sigo creyendo, necesario tratar ello.

Música es lo que en la mayoría de los casos aquí trato, pero también hay letras, cine, teatro, pintura. Algunas veces creo que se trata no de una comunidad de gente inquieta, sino de un sistema alterno al oficial, un sistema de prácticas que atrae a muchos desarraigados de muchos lugares del mundo, muchos caballeros encorbatados entran a este burdel. Ese gusto no es una cosa que ha llegado de forma espontánea a mí, sino que lo he buscado desde mi juventud. Yo me siento atraído por lo decadente y por la gente atormentada.    

Como occidental estoy permeado por esa forma de ver y opinar. Para el caso asiático mi mirada es de un occidental ignorante, y por ello algunas cosas que allá ocurren me parecen un poco sobrenaturales. Me es mucho más simple entender las causas que impulsan a un artista occidental que las que justifican al artista asiático; pero así, con ese manto horroroso de tosquedad, encuentro una aspiración por acercarme a lo que se hace en Asia. 

Hace un par de años me encontré con Takami, uno de esos grupos que se ocultan en Japón y que casi desaparecieron de las referencias de la música experimental mundial; lo cual es uno criterios que suelo usar para buscar grupos, me gusta buscar cosas que están muy ocultas en la historia del arte. Lo que sé de ellos es que utilizan muchas referencias de los ataques nucleares estadounidenses sobre Japón, que en su música se rememora el tiempo en que tenían un férreo orgullo nacional, el tiempo en que eran un imperio. Básicamente, Takami es un grito de tristeza por el pisoteo que los Estados Unidos ejercen en su país.

EXPENTANCY:Ambient, Ethereal

FELLOW: Lycia, INU, Dead Can Dance

El tiempo en que las casas discográficas eran hegemónicas en el control de la música bajo parámetros de industria transnacional ha terminado. En horabuena que así sea. Habían abusado de su poder y desde los noventas se especializaban en publicar chingaderas, le hicieron mucho daño a la música, la rebajaron a un nivel de actividad de esparcimiento, y ahora que se encuentran en retroceso no dejan de repetir una y otra vez que el intercambio libre de producciones ha matado la música. Sí, la ha matado, la difusión libre ha matado eso que ellos entendían como música; ha matado a los artistas que sin talento alguno amasaban fortunas sólo partiendo de la aplicación sistemática de una campaña publicitaria, la distribución libre ha matado a aquellos que buscaban lucrar con el arte, también ha matado al rockstar y lo seguirá haciendo le pese a quien le pese, por abajo y por arriba de los dueños de las añejas casas discográficas y de los culeros que se encargaban de lanzar porquerías que llamaban música cuando solamente buscaban idiotizar a las masas. 

A manera de paréntesis; se pasa por alto un aspecto importante que da vida al internet, lo relativo al papel de los anunciantes y los gestores de navegación. Es mentira que la difusión libre mate al artista, lo que le mata es no distribuir las ganancias, los medios digitales deberían dar regalías a quienes navegamos por la red como efecto de que cada vez que un internauta accede a un sitio se diseña el perfil de potencial comprador de productos específicos, así se mantiene el internet, por sus anunciantes. Son los gestores los que deberían pagar regalías al artista; youtube debería pagar al artista por cada reproducción y facebook debería pagar a cada persona por cada contenido generado, debería pagar por cada crítica leída. Incluso ya hay redes sociales que hacen eso, que distribuyen sus ganancias entre sus usuarios, la más famosa de ellas es “Tsu”, que incluso está vetada por Facebook e Instagram (lee aquí la noticia). 

La creación de sonido no ha parado, por el contrario, hoy se generan muchos más proyectos, bandas y OMBs en comparación con lo que se hacía 40 años atrás, algunos no son más que mierda pero hay otros que realmente sí poseen una calidad bastante alta y muy profesional. Además de que ya es posible que se enlacen producciones de distintos países gracias a los beneficios de la tecnología. Hay muchos sellos digitales y otros que publican en físico pero que se mantienen en el espectro independiente que están tomando el lugar preponderante que tenía Virgin Records y la Warner cuando todavía servían como catálogos de referencia para conocer nuevos grupos. Actualmente hay miles de sellos independientes y extrañamente se ha dado el hecho de que algunos de ellos han pasado a ser referentes de géneros y calidad incluso por gente que desde hace tiempo está dentro de la música a niveles profesionales. Incluso hay países que ya tienen su referencia de artistas del sonido gracias a un netlabel, los medios de comunicación impresos están escribiendo sobre variados netlabels pues lo que comenzó como una suerte de experimento y forma de pasar el rato y los tiempos libres hoy es una cuna para conocer talentos. 

Incluso a mí me llevo tiempo entenderlo así, no le prestaba demasiada atención al trabajo de los netlabel, los entendía como una pavada de fracasados que habían hecho un sitio para publicar música de forma digital porque nadie los tomaba enserio. Fue hasta que comencé a empaparme de ellos y a contrastar la actividad que éstos hacían, así como a leer lo que de ellos se publicaba en periódicos y revistas serias que se enfocan al arte que está emergiendo en nuestros tiempos, cuando empecé a entenderlos de otra forma y, principalmente, cuando conocí plataformas que realmente tenían un catálogo interesante y que no sólo publicaban por publicar, sino que había talento mediando el asunto; ese es el caso de Petroglyph Music.

Petroglyph Music (PM) es un importante sello noruego que comenzó en 2012 y para este año ya se encuentra con más de 400 lanzamientos, es uno de los netlabels más respetados entre los que siguen las producciones independientes de años recientes en el ethereal y el ambient, aunque también el free jazz entra dentro de su jugoso catálogo, la plataforma comulga con las cuestiones de la música obscura no comercial, incluso los lanzamiento de jazz que hay en su catálogo está dentro del parámetro del jazz obscuro y experimental. Los creadores de PM con Rune Martinsen y Øystein Jørgensen, éste último es uno de esos hombres que se ha ganado una posición en la era digital efecto de, en un principio, sus producciones como músico y, ahora, como un promotor del intercambio libre de producciones sonoras.   

Para esta ocasión, dado el día de hoy, presento la más reciente entrega de PM, se trata de un lanzamiento que el sello hace anualmente con motivo de cierre de año cada 25 de diciembre. El disco se encuentra dentro del Dark Ambient, el Ethereal, unas pinceladas de noise y, claro está, el experimental. Se trata de 164 tracks, todos los proyectos que en él aparecen suelen publicar en medios digitales o físicos pero siempre en el medio de la música independiente, algunos son bastante conocidos como Mean Flow, Adeptus Mechanicus, A Espiral de Bukowski, Fecal Point, entre otros.

EXPENTANCY: Dark Ambient, Ethereal, Experimental

DOWNLOAD

Petroglyph Music

Fanpage

Cuando los japoneses crearon a Godzilla no lo hicieron para tener un monstruo en el cine oriental, sino para que la cultura popular japonesa tuviera una referencia de la masacre atómica. Godzilla era la representación del temor a un nuevo ataque con bombas nucleares, incluso su piel y sus llagas se idearon para que fueran lo más parecido a la piel de los sobrevivientes de las bombas que los Estados Unidos lanzaron sobre Hiroshima y Nagasaki. Su director, Ishiro Honda, quiso dejar un símbolo cinematográfico de lo ocurrido en 1945 y responder a las investigaciones que los Estados Unidos hacían respecto a las causas por las que los japoneses daban un trato tan especial y servicial a los que habían usado bombas nucleares contra la población civil. Cuando en los noventas se descalificaron los documentos donde están las conclusiones de las investigaciones sociológicas que los estadounidenses hicieron sobre Japón en la década de los cincuentas, se hizo público que los supervivientes se habían convertido en delincuentes, en suicidas o en asesinos seriales. Hasta la fecha hay una buena dosis de fanatismo y extremismo entre los japoneses.

Cuando aparece el noise contemporáneo, que deriva de la música concreta de principios del XX, Japón se alza como punta de lanza del noise a nivel mundial. El noise es un estilo muy fundamentalista, muy extremista, inaccesible e inadaptado, es rígido tanto en sus idearios como en su sonido y es muy introspectivo. Pertenece a esos estilos que para entenderse se necesita recurrir a la biografía de sus creadores.  El que este estilo haya penetrado de esa manera en Japón no es casualidad, había un terreno abonado para esto.

Para la entrada dejo un material publicado por Zero Records (sello japonés). Se trata de un material que mezcla el Ethereal con el Noise, un material que poco se difunde en la actualidad.  

EXPENTANCY: Ambient, Noise, Experimental

FELLOW: Quasimode, Merzbow, Pale Cocoon

DOWNLOAD

John Zewizz es una de las figuras veteranas del underground de corte experimental. Su nombre se asocia a múltiples proyectos; Women Of The SS, Sleep Chamber, Green Sex, entre otros, así como sellos discográficos que rodearon el sonido negro, fetichista y primitivo de los ochentas, un sonido de corte conceptual donde la magia, los sistemas de creencias entendidos como satanismos, la sexualidad explícita y una fuerte atracción por el arte anárquico y la autogestión marcó la forma de operar en los músicos del genuino underground, gente peculiar que hasta la fecha se mantiene casi de la misma forma en que se comportaba hace 30 años.

Por vez primera se presenta una entrevista a John Zewizz subtitulada en castellano. En ella trata principalmente tres aspectos de su carrera y sus concepciones de vida; el significado de Sleep Chamber, el significado del concepto Ultimate Minority, y la experiencia en la mítica gira que en los noventas dio en Alemania y a la cual se le atribuye el haber acabado con el grupo e interrumpido su carrera durante un dilatado periodo de tiempo donde dejó de producir de la forma prolífica en que lo hizo durante los ochentas y hasta mediados de los 90s. Incluso se llego a decir que John Zewizz estaba perdido en el mundo de las drogas, específicamente en la heroína, y que su adicción era tan fuerte que sería imposible ya verlo de regreso.

Sería para principios de este siglo donde retornaría tanto a la producción como a los escenarios, ya no con la misma potencia pero sí bajo características semejantes a las que definieron su trabajo; perfiles públicos y abiertos, alejado del estrellato y alejado de la industria oficialista de la música, con disposición a ser entrevistado y hablar sobre él, sus creencias y su actividad. Dejándose ver como una persona transparente y alejada de la parafernalia que suele rodear a los que son clasificados como artistas.

La entrevista capturada se trata de la hecha por "WZBC Radio". Para este vídeo además del subtitulado se hizo un montaje de imágenes y vídeos de Sleep Chamber (que es el trabajo más relevante de Zewizz), y al finalizar se acopla una presentación en directo hecha en 1984 para la TV donde se observa la forma orgánica en la que se hizo el trabajo de Sleep Chamber usando instrumentos acústicos, cajas de ritmos y loopers.

  

Ya recuperada la página, la cual sirve bastante para llegar a un medio más amplio, esta entrada está dirigida a entregar un peculiar grupo brasileño de los 80s, el cual hizo verdaderas joyas en la música obscura en ese país del sur del continente. Sus variantes se encontraron paralelas al rock gótico, al cold wave y al new wave, esto durante el periodo del Post Punk original. Llegué a ellos hace diez años por un disco compilado de bandas brasileñas de música obscura, posteriormente supe que sus publicaciones estaban hechas bajo ese rock de inspiración independiente que tanto se hace en Brasil, de ese tipo de rock que no persigue el lucro, incluso todos sus discos están disponibles para descarga libre en el bandcamp oficial del grupo.

Days are Nights se encuentran activos hasta nuestros días, continúan produciendo discos y aún realizan presentaciones en vivo. Su semejanza la encontraría con un aderezo de The Cure, una electrónica de la segunda época de Ultravox y unas bases de guitarra muy semejantes a Ocean Blue. Es un estilo que no fue valorado a la altura justa de su peculiar originalidad.

EXPENTANCY: Gothic Rock, Cold Wave

FELLOW: OMD, The Cure, Ultravox

DOWNLOAD

FANPAGE

BANDCAMP

Dead Can Dance fueron de las primeras agrupaciones que intervinieron sobre las corrientes de sonido obscuro con una intención de integrar aspectos de la música de cámara y lo barroco en el Dark Wave dentro de la familia del Post Punk en los ochentas; incluso ellos fueron los que siembran la semilla de Ethereal. Antes de ellos las agrupaciones de música obscura estaban fuertemente ligadas a estilos con génesis en el rock 'n' roll, especialmente el punk, pero Dead Can Dance hizo una apuesta diferente, una apuesta más cercana a lo étnico, al multiculturalismo y a lo ambiental, e incluso desde su primer disco se nota ya el grado de erudición en su música; letras muy bien hechas, composiciones instrumentales severas y formas de canto que son propias de personas que conocen bien su voz porque la han estudiado y entrenado. Dead Can Dance es un grupo de música obscura de corte académico.   

En Dead Can Dance no hay odio, no hay vulgaridad, no hay esos arrebatos de los que tanto disfrutamos en nuestros momentos de pesimismo y sensación de fortaleza. Su música es de corte ritual y en cada una de sus dos figuras principales hay genialidad; Lisa Gerrard, australiana, y Brendan Perry, británico, son instrumentalistas múltiples; sus herramientas van desde el triada común de cualquier banda de rock (bajo, batería, guitarra) hasta otras poco usadas por las agrupaciones ortodoxas, como el acordeón, la zanfona, el yangqin, el bajo sexto, los sintetizadores, pero lo más impresionante es lo que logran hacer con sus respectivas voces; baste escuchar la delirante voz de Lisa en la canción titulada Ocean (quinto track de su disco homónimo) para darse cuenta de su profesionalidad, también la dulce voz de Perry en canciones como Fortune y Anywhere Out. A su vez, ambas figuras cuentan con un trabajo solista magnífico. 

Para este grupo el título de artistas les viene bien, incluso cumplen con uno de los parámetros que muchos consideramos importantes para definir el arte; Dead Can Dance se mantuvo para un escucha específico y publico sus discos en sellos pequeños, en ellos no entró ese enloquecido deseo de fama y masas a pesar de que tenían el potencial para convertirse en música masiva dada la belleza de sus temas. Es grupo que hace composiciones pensando en un público culto, educado, Dead Can Dance tiene un estilo aristocrático, entendiendo por aristocrático el sentido que Dalí, y otros, daban al término, un sentido que nada tiene que ver con la realeza o la casta. Una aristocracia intelectual, personas de pensamiento pulido y gustos exquisitos y exigentes.  

Para este post dejo en este enlace (accede a él desde aquí) los primeros tres discos que lanzaron para 4AD. El homónimo, Dead Can Dance (1984); Spleen and Ideal (1986) y Within the Realm of a Dying Sun (1987). 

EXPERIMENTAL: Dark Wave, Post Punk, Ethereal 

FELLOW: Human Drama, Lycia, Stoa

Una proporción grande de lo que se difunde como sonido underground realmente no lo es. Ese título es hoy causa de honor y por ello se le usa tanto; sin embargo, se requiere de un temperamento muy particular para identificarle, así como entender sus causas y sus métodos, sus objetivos y sus razones. Por ejemplo, Bauhaus no es underground, Joy Division tampoco, tampoco lo es The Clash o The Cure, ni Sisters Of Mercy, y la lista podría extenderla pero  los entendidos no necesitan más. Ellos saben a qué refiero.

Cuando escuché a Mean Flow me sorprendió por razones que resumo principalmente en dos causas; primera, el disco no parecía haber sido hecho en 2015, no tiene un sonido contemporáneo sino un sonido de la vieja escuela característico de las grabaciones de los 60s y 70s, parecía pertenecer a los tiempos de John Baker y Roger Limb, es decir, a los inicios de la música electrónica, muy propio del Musique Concrète, y eso es complicado de encontrar hoy en un artista, es difícil encontrar en los lanzamientos actuales música de un minimalismo futurista. La segunda razón está en la forma en que produce este proyecto y otros alternos del mismo autor, el cual es un griego llamado Theofilos Tsiolakakis que viene publicando desde mediados de los años ochenta. Todas las producciones se han lanzado en compilados autogestionados, discos en formato digital disponibles sin costo alguno, participaciones en Split con otros proyectos, presencia en sellos independientes con sede en diversas partes del mundo, producciones que están en la dimensión del subterráneo y, cosa muy común en los artistas del underground, una forma de manejarse como si se fuera una persona común pero con doble vida, una ponzoñosa desplegando una creatividad muy original y otra vida haciendo lo ineludible para sobrevivir. Y ocurre que esto es necesario dado que del underground no se vive de las ganancias, cuando éstas llegan a tenerse (que casi es nunca) pasan a segundo término, son aspectos irrelevantes para el proceso creativo, son aspectos secundarios y por ello hay una actitud deliberada por renunciar a éstos. 

Beauty Underground es disco que Mean Flow publicó en este 2015, es un material adecuado para conocer el underground contemporáneo, un disco con toques negros y rugosos, sedicioso, místico, en ocasiones delirante; un disco brillante con múltiples destellos de belleza. De ese tipo de materiales que se encuentran en el espectro de la música para una minoría de gusto exquisito.   

EXPENTANCY: Minimal, Dark Wave, Musique Concrète

FELLOW: MCH Band, La T, Haare

DOWNLOAD

Soundcloud

Fanpage

Discogs

Bunker forma parte de ese tipo de bandas europeas que pasaron por la música y sólo dejaron un registro de culto en los 80s antes de desaparecer. Este álbum, lanzado en 1987, es el ripeo directo del casette formato que, a mi parecer junto con el acetato, es el mejor para escuchar esta clase de sonidos, de música. Es un formato que la hace escucharse más arcaica, más salvaje, más fiel a la fuerza real del rock. 

El disco ha corrido por diversas plataformas centradas en el underground, incluso en la amiga Oración de las Cenizas (puedes acceder a sus lanzamientos en este enlace).  

FELLOW: Post Punk, Dark Wave

EXPENTANCY: Red Zebra, Christian Death, Cyclic Amp

EXPENTANCY: Deathrock, Post Punk

FELLOW: Theatre Of Hate, As Mercenarias, Rozz Williams

DOWNLOAD

Hace un par de noches encontré un trabajo hecho por una radio latina donde se trató las condiciones que llevaron al suicidio a Rozz Williams, era una entrevista que realizaron a Christian Madrigal. La entrevista fue un desperdicio, fue la típica exposición soez de preguntas y respuestas sin objetivación, todo parecía bastante improvisado. Ello despertó mi curiosidad para conocer cuál es el tono general, en forma de escaneo solamente, de las opiniones respecto al personaje; entré a foros, blogs, artículos de periódico (incluso encontré uno en La Jornada -prensa mexicana-; puedes acceder aquí al artículo) para conocer sobre lo que de él se escribe. No encontré algo distinto a lo que ordinariamente se puede decir de una persona así, puntos de vista triviales y simplistas. Sostengo que ese tipo de opiniones son efecto de la carencia de visualización de la música como algo más allá del territorio de la moda y la diversión. 

Un abordaje flaco y superficial abogará por hacer de este hombre un instrumento atractivo para lo soez dadas las  características de su trabajo; su relación con los aspectos obscuros de la personalidad causó escándalo; la relación ambigua que mantuvo en el aspecto sexual y la actitud irreverente a lo religioso alzó las voces de organizaciones fundadas para preservar la moral conservadora (principalmente en los Estados Unidos); su cercanía simbólica con el nacional socialismo alemán es fuente de indignación política; y, en general, el tono de sus múltiples proyectos se transborda de lo obscuro a lo amarillista. Y es este último factor (el amarillismo) el que nutre una cantidad numerosa de opiniones entre sus seguidores; pero el amarillismo, al final de cuentas, atrae a la gente vulgar y prosaica; y desde mi punto de vista, Rozz Williams era una persona a la cual no se puede ubicar como un ser vulgar ramplón, sino como una persona con un sentido estético de la belleza bastante desarrollado, incluso como una persona muy perfeccionista, muy abocada al detalle, al uso de metáforas, al lenguaje idílico. Lo cual es más propio de la gente de pensamiento refinado, elegante, una elegancia obscura y atormentada, dramática y fatalista, injuriosa y oculta. Características, todas ellas, presentes en la gente con sentido artístico, además, el artista suele tener relaciones conflictivas con el entorno, incluso algunos han dado a este fenómeno (al conflicto) el estatus de semilla de base para hacer arte. También cabe señalar que era una persona desequilibrada emocionalmente, atada a conflictos íntimos muy arraigados.  

Conocer el trabajo de Rozz Williams es encontrar a una persona que se ubicó dentro de la explosión de estilos que atrajo consigo el punk, estilos que fueron cultivados por las generaciones de jóvenes de los setentas y ochentas para marcar diferenciaciones con generaciones precedentes, dado que el punk principalmente fue un fenómeno de ruptura. Rozz, como su fuente raíz (en algún momento se definió como un punk romántico), abogaba por lo darle voz a la naturaleza salvaje del humano así como por mantenerse al margen del oficialismo y el consumo masivo, era perfeccionista pero nunca tuvo un toque académico o formalista en su trabajo, la suya era una propuesta callejera y soberana, pero bien trabajada y ensayada.  

Dentro del sonido, él trató las diferentes aristas de la muerte, sus circunstancias y sus efectos: la muerte asociada a los romances, la asociada al asesinato, al gore y la tortura, el amor como preámbulo del sufrimiento, el sexo en relación con lo malvado y lo pervertido, la naturaleza de la amargura que lleva al suicidio, e incluso aspectos tan mundanos como prensa noticiosa amarillista tan vigente en los Estadios Unidos y en México (se declaró admirador de una revista mexicana llamada “Alarma”, la cual se centraba en documentar historias de homicidios y suicidios), también dio atención a  psicológico y lo psiquiátrico que con la muerte se acompaña (gustaba leer perfiles psiquiátricos de asesinos seriales), incluso aspectos de la superstición como lo fantasmagórico y la magia negra también eran parte de sus intereses. En resumen, toda su vida pública se caracterizó por ser un artista de temas mortuorios que principalmente expuso por medio de la música (de ahí que se le diera como nombre a su estilo, Deathrock. Nombre que desde los años 60 ya existía para hacer referencia al tipo de rock que centraba sus temáticas en la muerte). 

Sin embargo, su trabajo no se restringió al terreno de la música; también ejerció en las letras durante un tiempo, particularmente dentro del terreno de la declamación por medio de la lectura de poesía que él mismo escribía, la cual estaba inspirada principalmente en Poe y Baudelaire, una poesía individualista, fatalista y obscura. En el último tramo de su vida incursiona en el terreno del cine por medio del impactante cortometraje llamado PIG (el cual tiene ese nombre por inspiración de la seudofilosofía fundamentalista de Charles Manson), y en el cual también se aborda el aspecto del asesinato como ejercicio ritual.   

De lo anterior desemboca la opinión relativa a una especie de obsesión por la naturaleza de la muerte, opinión que yo comparto; no me resulta descabellado sostener que Rozz Williams vivió obsesionado con ese tema, incluso su nombre artístico también fue tomado con base en ello. Él solía visitar cementerios desde su temprana adolescencia y fue en una lápida donde leyó el nombre “Rozz Williams”, el cual adoptó para sí.  

Vivir tan cerca de una dinámica particular le lleva a cualquiera a tocar los extremos de ella; por ejemplo, interesarse apasionadamente por la política se traduce en hablar de ello, leer sobre ello, trabajar en ello, identificarse con ello, comenzar a comportarse bajo parámetros políticos y seguramente se terminará por convertirse en un político; cosa semejante ocurre en otros ámbitos como puede ser la misma ciencia, cuando te interesa en grado alto se leerá sobre filosofía de la ciencia, sobre la historia de la ciencia, se estudiará, se harán experimentos y análisis acorde a una metodología científica, se aprenderá a pensar de forma sistemática, se adoptará un lenguaje específico, las discusiones científicas serán el tema de conversación común y se terminará por ser un científico. Esto ocurre siempre que se trabaja con ahínco en algo, se termina por adoptar sus formas, sus mecanismos de acción, su lenguaje, hasta la forma de pensar el mundo.

Desde mi punto de vista, lo ocurrido con Rozz Williams -desde las causas por la cual se preserva su legado como artista así como su suicidio- tiene como fuente a considerar el trato obsesivo que él dio a la muerte durante décadas, al grado de identificación que él tuvo con el tema y los significantes que él le otorgó sugieren una relación íntima con ese aspecto. Dado lo cual, sus rompimientos amorosos, el abuso de drogas, etc., los ubico como eventos únicamente circunstanciales pero no determinantes para que él tomara la decisión que ya conocemos. 

Respecto a su legado, a él se le debe el mote de “gótico” y “deathrock” (previamente se ha mencionado la fuente de este último, pero en realidad es una fuente ya olvidada y sin uso. En la actualidad se usa el nombre deathrock para hablar de estilos fuertemente influenciados por Christian Death), sin embargo, actualmente el toque se usa como una suerte de moda sin reflexión al respecto de sus implicaciones; vestir de negro y pintarse la cara se acompaña con visitas a cementerios para tomar fotos, para alegar un glamour y un “culto a la muerte” que realmente no existe entre los chicos que se hacen llamar góticos. La propuesta de Rozz Williams y otros artistas de ese mismo toque no era la novela rosa que hoy es, por el contrario, el gótico era una posición extremista, una forma de explorar la conciencia y la sugestión, lo maldito no en el sentido mágico o satánico, sino lo maldito entendido como lo prohibido. La relación del gótico con el medievo se da casi por automático con lo anterior por medio de un rastreo de las formas de tortura y muerte que nacen de la superstición religiosa que se tradujo en las medidas que se tomaron en un momento de la historia donde el sexo, el placer y el hedonismo estaban prohibidos, donde había medidas extremas de censura ante formas divergentes de pensar, una época donde se experimentó con distintas maneras ocasionar sufrimiento como mecanismo de purificación del alma y el pensamiento. 

Esa es la relación que existe entre el gótico como época y el gótico como estilo para hacer música contemporánea; que, desde mi punto de vista, fracasó. Es decir, el gótico fracasó como movimiento musical por el hecho de que para mantenerse dentro de los aspectos obscuros del ser, entendido en el sentido amplio, es indispensable abrazar el extremismo y ello no es sencillo. Rozz Williams es un ejemplo de lo complejo que es esto; una cosa es vestir de negro, ir a eventos de la llamada música obscura, repetir clichés o leer a los poetas malditos; y otra cosa completamente diferente estar fascinado con la naturaleza negra de la condición humana, esa fascinación ha llevado a muchos al suicidio y la locura, entendiendo la locura en su aspecto real, en su forma de operar; es decir, tener alucinaciones, sufrir desequilibrios mentales, experimentar problemas de raciocinio, etc.

Es absurdo creer que la fascinación por la naturaleza obscura del ser humano llega por una preferencia musical específica. Esto está asociado a la tipología educativa que se reciba en el desarrollo de la persona. Siguiendo al personaje tratado, es completamente público que Rozz Williams tuvo una educación familiar marcada por el fundamentalismo religioso (particularmente el cristiano), el conflicto familiar, las prohibiciones, el maltrato físico y psicológico, incluso se ha sugerido que sufrió violación sexual en su niñez. Y son estos elementos los que crean a personas como él, personas que arrastran una serie de heridas que no sanan a lo largo de su vida, personas que no creen en el concepto de la civilización, personas a las cuales se les complica formar lazos afectivos aun deseándolos, personas que crean figuras fantasiosas para comunicarse (él narraba que durante su niñez solía ser visitado por espíritus. Eso puede ser explicable; es común que los niños creen figuras imaginarias de compañía cuando experimentan una fuerte represión y violencia en el hogar) y todo ello inmiscuido en un contexto donde, una vez llegada su adolescencia, se ofrece liberación por medio de una herramienta como la música de aquellos tiempos, la cual ofreció como principal fuente de atractivo la libertad en los jóvenes, la libertad que no tenían en universidades, en el hogar, una libertad que no existía en la vida común, una libertad que no ofrece un trabajo de oficina. Además, era una libertad de la cual se podía vivir dado que en aquellos días se podía obtener los ingresos suficientes para comer, rentar un departamento y hacerse de algunos bienes por medio de la música de protesta. Durante los ochentas vivir de la música subversiva era algo bastante viable. La mayoría de los músicos de aquellos tiempos podían dedicarse exclusivamente a la música, incluso existía la posibilidad de que obtuvieran una considerable fama y fortuna si optaban por venderse de forma masiva y hacerle el juego a la industria musical, una industria que estaba dispuesta a invertir grandes cantidades de dinero en nuevas producciones de sonido. 

Ahora bien, lo que Rozz Williams hizo en el terreno del sonido no fue otra cosa más que trabajar de forma libérrima con los aspectos mencionados anteriormente, comenzando con bandas de punk y terminando en el noise y el experimental, fase, esta última, que no suele ser muy conocida por la gente que se hace llamar seguidora de la cultura obscura, incluso no les suele agradar a los llamados “góticos” al considerar el noise como un estilo demasiado violento y arcaico para sus gustos rosas. Sin embargo, aquél al cual reconocen como padre de su género que hoy ellos toman como moda trabajó con ruido blanco al hacer de estos estilos un reconocimiento de que en ellos se concentran las posturas extremistas y obscuras que él había explorado a lo largo de su vida; la experimentación del noise y el ambient es la música obscura y subterránea por excelencia.    

El grupo con el cual se posiciona en el terreno del sonido es Christian Death (anteriormente había sido parte de bandas punk), banda con la cual lanzó algunos discos manteniéndose como líder de la misma antes de que Valor Kand literalmente lo robara, cosa que no le importó demasiado a los seguidores de Christian Death dado que hasta la fecha siguen consumiendo lo que hace el grupo tanto en discos como en giras. Los seguidores más fieles con el trabajo de Rozz Williams siguieron sus diferentes fases encontrando en ellas posicionamientos más o menos estables y consecuentes con su primera época, cada uno de sus proyectos (algunos los mantenía de forma paralela; dos o más proyectos de forma simultanea) solía ser distinto de los otros, otorgando con ello la muestra palpable de que él poseía el talento necesario para fundar nuevas bandas y hacer que éstas trascendieran en cada uno de los terrenos donde se ubicaban. Un talento que Valor Kand ni por asomo posee.   

Como se ha señalado ya, originalmente el gótico era un estilo de rock subversivo, extremista y elegante sin la necesidad de ser ruidoso. A medida de que éste se fue popularizando a la par con el surgimiento de bandas con tendencias más disminuidas en comparación con lo que se observaba en la primera época donde una gran proporción de los góticos montaban conciertos realmente impactantes, ganándose la censura en medios  y la prohibición de presentaciones, a medida de que el gótico pasó de ser un punk elegante, frío e inteligente, a ser un estilo donde se reinaban las baladas románticas y las historias simplonas de fantasmas y vampiros, en esa medida los que pertenecían al estilo original fueron migrando de él. Algunos murieron (en esa época era común la muerte por sobredosis de heroína); otros se fueron a un estilo que se hizo en la ciudad de NY como respuesta a la comercialización de las tendencias de sonido de entonces, a ese estilo se le llamó No Wave; otros se arrojaron al ambient, el cual suele ser música conceptual etérea; otros más comenzaron a trabajar con el industrial y noise que se estaba exportando de los países bajos de Europa y Japón; y otros fueron consumidos por la industria y formaron bandas de New Wave o simplemente se dedicaron a otra cosa diferente a la música. 

Para el caso de Rozz, él optó por mantenerse en el underground trabajando con sonidos conceptuales que se acompañaban de un controvertido contenido visual, el trabajo que hizo en Premature Ejaculation es pionero en los Estados Unidos. Incluso él era uno de los críticos más férreos de bandas de gótico comercial, actitud que mantuvo hasta sus últimos años cuando se burlaba de London After Midnight al acusarles de farsantes, de hacer música sólo para atraer mujeres y llamar la atención a las cámaras de MTV.

El camino de Rozz fue semejante al que siguieron otros de su misma cepa, gente que siempre creyó en el punk originario como filosofía de vida a pesar de las circunstancias, gente como Stiv Bators. 

Desde mi punto de vista, la influencia que él tuvo fue mayor a la que se le reconoce y a la que se le reconocerá en el futuro. Ya se escribió la historia de ese estilo y hoy tanto el rock gótico como el deathrock ya tomaron el camino de los fanfarrones. Hoy los góticos no tienen un interés por reivindicar el estilo ni por experimentar en él, se ha convertido en música de moda para clubs nocturnos, en un tipo de moda para vestir, en una moda que alberga la fantasía de poseer una personalidad obscura, ahora se dicen vestir de negro y pintarse la cara porque están deprimidos y otras sandeces por el estilo, hacen ello sin detenerse a pensar que personas como Rozz Williams eran así efecto de su desarrollo personal y que sufrían dicho estado, que era gente desequilibrada psicológicamente, gente de muy difícil trato, gente muy anárquica en su comportamiento, que eran herederos de aquellos pensadores y artistas que tienen poca fe en las posibilidades que otorga la civilización para alcanzar una estado de plenitud en la vida. Incluso la forma en la que Rozz Williams se suicidó dice mucho de ese tipo de personalidad que tiene un estado de comportamiento disposicional para sufrir hasta el último momento de su vida.  

EXPENTANCY: Deathrock, Gothic, Experimental, Industrial, Noise

FELLOW: Whitehouse, Geil, Pacific 231

Dicho lo anterior; dejo a ustedes los siguientes discos, algunos de ellos de difícil acceso incluso en redes al no ser parte del material comercial de Rozz Williams. Enlisto:

 DOWNLOAD ALL

El rock gótico suele ser un estilo que atrae a gente desequilibrada emocionalmente e infantil. Identificado por las masas de chicos tontos como un estilo donde se tienen que vestir de negro, asumir que son fantoches, pintarse la cara como payasos y sentirse deprimidos a diario. 

Sin embargo no siempre fue así. Hubo un tiempo en que el gótico buscaba expresar sentimientos más complejos en comparación con su género raíz, el punk, hacer a un lado los simplismos del Fuck Off, lo peyorativo de base,  y hablar desde posiciones existencialistas, tratar sentimientos humanos diversos y enriquecer dicho trato con la poesía, la pintura, el arte y lo teatral.  Manejar la música desde posturas dramáticas, sínicas y estoicas. Cuando el rock gótico apareció en escena el tema de la muerte era recurrente entre los jóvenes, pues la muerte hizo presencia junto con la heroína y la sobredosis, la partida de cientos de jóvenes que fueron parte del punk callejero. A su vez, algunos escritores se acercaron a los medios de la música que en ese tiempo era contemporánea, ya sea por el revuelo que causó o porque en ella encontraban una vanguardia en las formas de comunicación (el caso más evidente fue W. Burroughs). Otros comenzaron a encontrar el potencial que esa libertad creativa podría tener como medios de ambientación sonora para montar espectáculos. En resumen, el mundo del arte capitalizó los nuevos estilos en el sonido.  

Cuando el rock gótico apareció se compuso tanto por gente que migró del punk, como por artistas que provenían de otras tradiciones. Sus precursores era gente que no tenía el tema político y de liberación mundana como aspecto fundacional, sino un interés por el cine, la literatura, la filosofía, la pintura, el mesmerismo, la metafísica, etc. Incluso algunos eran lectores asiduos de la historia del hipnotismo, el psicoanálisis, la psicología no científica (la que acepta “lo mental” como una realidad incuestionable), y el género utópico.

El que hoy se identifique al gótico con el estilo victoriano, la edad media, el pintarse la cara, usar relicarios, etc., todo eso es una degeneración de sus raíces y de los porqués algunos de sus exponentes llegaron a hacerlo. Por ejemplo; Bauhaus solía aparecer con maquillaje y un marcado estilo vampírico, ello se hizo con intención de ejercer performance temáticos en sus presentaciones. Incluso el grupo se ha definido siempre como una banda de rock conceptual, aspecto que hasta la fecha mantiene.

Una de las bandas de ese primer tiempo del gótico es Gene Loves Jezebel. Desde sus comienzos coquetearon con el glam, actualmente sigue activa pero ya no tiene mucho que ver con sus primeros lanzamientos, hoy -después de más de 30 años en activo- son un grupo que adoptó un estilo cercano al pop y al llamado British Rock. 

En sus primeros años eran una banda asociada a lo que se llamó “batcave”, eran parte del tiempo post punk, eran psicodélicos, hacían un rock obscuro y denso, y a pesar de que sus líricas casi siempre fueron hechas en un estilo de balada sabían hacer lo suficiente para no llegar a ser frescos y tediosos.

Anteriormente en este mismo sitio se presentó el Shaving My Neck (puedes descargarlo desde este enlace), y el Thornfield Acoustic Sessions (accede a él desde este enlace); para esta ocasión proporciono para su descarga los dos primeros discos de larga duración de este grupo; Promise, fue publicado en 1983 logrando buena aceptación; Immigrant es su último disco que está dentro de un estilo post punk, se publica en 1985 y es a mi entender (junto con Shaving My Neck) el mejor material de su carrera. 

Después del 85, y de bastantes cambios de integrantes, comenzaron a trabajar con un estilo más pop, más digerible a la masa y también rodeados de una considerable fama; se fue Ian Hudson (al cual se le deben las excelentes composiciones de guitarra de la época obscura del grupo), se fue la furia y la atmósfera.

Immigrant & Promise

Website Band

Arquitecto de profesión universitaria, Corcobado hoy tiene una posición de importancia en la música popular hecha en habla hispana. Conocido con diferentes apodos que alimentarían el ego de cualquier músico; el Principe del Under, el Ginete, el Poeta Negro… su historia en la música data desde los años ochenta donde coleccionó varios proyectos fallidos y un inicio de carrera accidentado, un inicio donde en muchos lugares le cerraban puertas, le malentendían o simplemente no lo aceptaban al ser una persona de difícil trato y con un estilo de sonido de complicada clasificación. 

Corcobado comienza casi a la par con el auge del punk rock en España y se ve influido por la furia que éste fue en las ciudades como Madrid, así como por los estragos que hizo en la juventud y el medio artístico. En esa ciudad ha vivido casi siempre y fue ahí donde impulsó lo que sería su primer banda medianamente conocida en su momento, llamada Mar Otra Vez; una mezcla atípica entre música rebelde, brotes de poesía y una fascinación por identificarse en el underground. Este conjunto fue de los primeros que no aceptó la Movida Madrileña y dio atención a los artistas vanguardistas que eran en Europa artistas de ruptura con los géneros ortodoxos del rock. Los materiales que Mar Otra Vez publicó -básicamente son tres discos de los que se desprenden otros tres sencillos- hoy son discos de colección, muy cotizados a pesar de que en su momento (85-87) no tuvieron demasiada aceptación ni difusión. La propuesta que Mar Otra Vez hizo al medio tenía toques del free jazz, el punk, el sonido de distorsiones tendientes al noise, lo experimental y la literatura; si se le tuviera que comparar con alguna otra propuesta, sólo por fines prácticos diría que fueron parecidos a Birthday Party.  Después vino un conjunto casi entregado al experimental llamado Demonios tus Ojos; pero fue hasta que se formó a Los Chatarreros de Sangre y Cielo y Javier tomó como nombre de pila artístico su apellido, Corcobado, cuando logra traspasar por completo las fronteras de su país y ser conocido y admirado en Latinoamérica, principalmente en México, país por el cual -basado en sus propias palabras- tiene una predilección especial, incluso ha vivido durante largos periodos en México.

Con los Chatarreros publicó tres de sus mejores discos en un periodo de 4 años, a la vez que con otro conjunto de músicos que llamó Los Cría Cuervos lanzó un disco doble de boleros donde versiona canciones de la música popular en habla castellana, música que ha influido en él como las obras de Antonio Machín, Javier Solis, Lucho Gatica, y el maestro del verso popular en México, el extraordinario José Alfredo Jimenez, hasta los cantantes de la llamada Época de Oro de la música popular latina (puedes descargar el disco doble de boleros desde este enlace).

Para algunos seguidores de Corcobado, Los Chatarreros de Sangre y Cielo fue un conjunto que se formó con el objetivo de hacer una trilogía de poemas escritos casi al estilo de los poetas malditos llevados a la música, a su vez, los discos publicados con este conjunto son los más obscuros y dinámicos en la carrera de Javier Corcobado; incluso para mí nunca antes se había hecho música obscura contemporánea (lo gótico, el post punk, el darkwave, etc.) que tuviera un impacto relevante en el habla castellana y estuviera cantada en dicha lengua, sino hasta que Tormenta de Tormentos (el primer disco con los Chatarreros) fue publicado. Previamente, Parálisis Permanente tuvieron un poco de relevancia en algunos espectros de audiencia de esos estilos afterpunk, pero yo ni los tomo en cuenta como grupo, para mí eso era música muy pouser... ya saben; vampiros, zombis, caras pintadas, vestirse de negro: mierda.

Después de Tormenta de Tormentos (1991), se publica Ritmo de Sangre (1993), un disco que navega de lo acústico a lo noise, con unas guitarras eléctricas maravillosas que se acoplan de forma interesante con el resto de los instrumentos, así como con la voz poco menos cavernosa a lo escuchado en el trabajo previo a éste. Cabe señalar que a la par con estos dos lanzamientos Javier ya se dedica de tiempo completo a la música y la literatura (hasta finales de los 80s ejercía profesionalmente como arquitecto y de forma alterna como músico), publica artículos en revistas, poemarios y realiza producciones a otros músicos y es participante en perfomance. 

Para 1995 lanza un disco que para muchos es el mejor de las producciones con los Chatarreros, el Arco Iris De Lágrimas. En él se hace un importante uso de la electrónica, los loops, las baterías eléctricas, las cajas de ritmos y los sintetizadores. Un buen disco pero menos orgánico que los anteriores, sin embargo en él se encuentran bastantes de las que para mí son las mejores letras que ha musicalizado; Adiós Respirar, Dientes De Mezcal, Catorce, Flores De Lágrimas, Carta al Cielo, Yo Seré Tu Cáncer.

Las características de Corcobado y los Chatarreros de Sangre y Cielo (desde mi punto de vista ese conjunto ha tenido a los mejores músicos de su carrera discográfica) son complicadas de entender sin prestar atención al vasto acervo cultural de Javier -algo que se puede constatar en cualquier entrevista que ha dado-. Su desarrollada visión cultural le ha permitido ejercer su actividad como músico de una forma muy original, de una forma que muestra un apego real por el arte y una óptica exquisita por lo que es bello, visión que incluso permite ubicar una improvisación como un acto con justificación artística (aspecto que algunas veces se diluye cuando gente sin talento alguno tomando como justificación el “noise” y el “antiarte” hace muchas cosas sin ningún tipo de valor, hacen cosas a lo pendejo).  

DOWNLOAD