31.8.15
Uno de los grupos más apasionantes que conozco y el más prolífico. Sus discos se cuentan por varias decenas, y a diferencia de otros grupos que se ubican dentro del experimental y suelen publicar bastante, Legendary Pink Dots presenta canciones bastante trabajadas tanto en sus letras como en su instrumentación. La variedad de lanzamientos van desde temas de post punk clásico, psicodelia setentera, pasando por la electrónica, lo minimalista, el rock alternativo y los estilos obscuros que podrían ser definidos dentro del dark wave y el cold wave, el ambient y el rock gótico. Es un grupo de severidad que ha hecho casi de todo en la música. Preparar una sola de sus producciones a la mayoría le llevaría más de un año, pero en el caso de Legendary Pink Dots la publicación de discos se realiza en pocos meses uno de otro, además del trabajo solista de sus integrantes, el cual por sí mismo ya es relevante.
Detrás de este grupo hay integrantes estables y músicos de ocasión para los conciertos, pero el cerebro de todo es Edward Ka-Spel, el cual se encarga de los trabajos letrísticos que suelen escribirse en una prosa hecha con mucha soltura, casi siempre con el estilo obscuro; relaciones humanas conflictivas, hombres desesperados y confundidos en un mundo que los traga, la lucha interna por la recuperación de la bondad. A Edward Ka-Spel también se le suele ver como el mente que está detrás del complejo trabajo de sintetizadores que le da la figura negra al sonido del grupo.
Legendary Pink Dots han sido vistos en este sitio en diversas ocasiones (selecciona el nombre de cada disco para acceder a él); “A Guide To... Ballads, Classics & Rarities”; “Basilisk, Chemical Playschool 3 & 4, Curse”; “Live 85-88 & Legendary Pink Box”; para este momento presento tres discos dos en directo (los conciertos del grupo se caracterizan por presentar versiones aplastantes), y otro más que mezcla tanto tracks en vivo como otros en estudio: Live At The Metro (1998), Live At Montpellier (1994) & It’s Raining In Heaven (1996).
EXPENTANCY: Experimental, Psychedelic, Post Punk
FELLOW: Psychic Tv, Magazine, Flaming Lips
More...
29.8.15
About Antimusic On Sex, es el quinto disco de larga duración del proyecto Deicida 69, y el noveno (contando los split oficiales) dentro de su discografía, el cual desde hace varios años funciona dentro de los llamados OMB (One Man Band) a la vez que publica todo el material para su acceso sin restricciones.
El disco que le antecede a este se trató de un lanzamiento en dos volúmenes (puedes acceder a él desde este enlace), en él hay una mezcla donde se encuentra el jazz, el estilo post punk que algunas veces toca variantes del hardcore, también se encuentra el industrial, el noise y el ambient, dado lo cual, se puede resumir el estilo general dentro de música experimental, que es una de las etiquetas de sonido que usa Deicida 69 para identificarse.
Deicida 69 - Deviant & Fetishist
"...se exaltaba exponiendo sus pérfidas máximas, y pronto lo vi en el estado en que tanto me había asustado una víspera atrás; para fortalecer la lección unió la práctica al precepto, y sus manos, a pesar de mi resistencia, se extraviaban hacia el altar donde el traidor quería penetrar... fascinada por sus extraordinarias proporciones, iba a entregarme y, por virtud, convertirme en una criminal." (Marques de Sade, Justine). By Fetish In Sight #DOWNLOAD - httpa//ergofelixculpa.blogspot.mx/2014/10/deicida-69-fetish-in-sight.html
Posted by Deicida 69 on Domingo, 25 de enero de 2015
El proyecto ha pasado casi desapercibido en su país de origen (México), ello como producto de no dar presentaciones en directo ni acceder a entrevistas, no promocionarse en los círculos de la llamada música subterránea de su país, no publicar en sellos que acostumbran brindar plataforma de publicidad, y principalmente por el carácter cerrado del proyecto. Dado lo cual, Deicida 69 podría entenderse como un trabajo unipersonal basado en el DIY y con intención clara de ejercer su actividad desde -y para- el underground.
Con más de 10 años de existencia desde los primeros lanzamientos de track-demo se puede encontrar una clara parcialidad del grupo hacia el objetivo de trabajar con la modulación de ondas que originalmente son Ruido Blanco. En About Antimusic On Sex se encuentra un ejercicio de experimentación de 20 minutos en un único track, para el cual se usaron básicamente efectos de retardo y distorsión a lo largo de un film pornográfico que trata sobre una iniciación de una joven mujer en el lesbianismo.
Tal como suele ser esta clase de construcciones, se trata de un material conceptual que contrasta el título con el contenido del disco por medio de azar y la improvisación a una sola toma hecha completamente con elementos analógicos. En la contraportada del disco se puede leer:
Profesional music has became a dance clown, and we have come to make fun of them
Lo cual se puede traducir, como: la música profesional se ha convertido en el baile de los payasos, y nosotros hemos venido a burlarnos de ellos.
La forma en que se presenta el disco es una metáfora de lo que es lo comercial para los que reniegan de ello; a primera vista es la entrega mujer a mujer, y al detalle es la fornicación de ambas.
About Antimusic On Sex is the fifth full-length album of Deicida 69 project, and the ninth disk his official discography. This is a OMB project and published all material, disk & videos, for free download.
The previous record was a double disc (you can access it from this link) in jazz genres, post punk style and sometimes plays hard rock, also industrial rock, the noise and the ambient. In short: experimental music.
The project has gone almost unnoticed in his home country (Mexico), no concerts or interviews, not promoted, not published in seals usually provide advertising platform. Deicida 69 could be understood as a one-man work based on the DIY and with intended carrying out an activity from underground.
With over 10 years of existence since the first releases of track-demo, you can find a clear bias towards the target group to work with the modulation of waves that are originally Noise. About Antimusic On Sex is an exercise of experimentation than 20 minutes one track, for which basically delay and distortion effects used over a pornographic film that deals with an initiation of a young woman in the lesbianism.
The way the album is presented is a metaphor what means the comercial for anti-commercial, at a glance is the delivery woman to woman, and retail is both fornication.
__________________________
Deicida 69 - The Watch (Subtitulada en Español)
New song; an adaptation of a poem by Frances Cornford (The Watch).#JAZZ Website & complete discography: http://deicida69-band.blogspot.com
Posted by Deicida 69 on Lunes, 24 de agosto de 2015
The previous record was a double disc (you can access it from this link) in jazz genres, post punk style and sometimes plays hard rock, also industrial rock, the noise and the ambient. In short: experimental music.
The project has gone almost unnoticed in his home country (Mexico), no concerts or interviews, not promoted, not published in seals usually provide advertising platform. Deicida 69 could be understood as a one-man work based on the DIY and with intended carrying out an activity from underground.
With over 10 years of existence since the first releases of track-demo, you can find a clear bias towards the target group to work with the modulation of waves that are originally Noise. About Antimusic On Sex is an exercise of experimentation than 20 minutes one track, for which basically delay and distortion effects used over a pornographic film that deals with an initiation of a young woman in the lesbianism.
The way the album is presented is a metaphor what means the comercial for anti-commercial, at a glance is the delivery woman to woman, and retail is both fornication.
EXPENTANCY: Noise
FELLOW: Merzbow, DNI
...released 05 July 2015 Label: Plataforma Recs Country: Brazil Released: 2015 Genre: Rock Style: Noise, Experimental
27.8.15
Existen diferentes formas de ejercer uno de los logros de la movilización social que en nuestros tiempos ha sido elevado a un estatus de derecho fundamental humano, me refiero a la libertad de expresión. Y en este sentido, Eskorbuto es una de las principales figuras del arte que se hizo en España para darle voz a los desposeídos.
Desmembrando las letras del grupo, es sencillo encontrar en ellas frases lapidarias, algunas de sus letras tienen siluetas poéticas que parecen haber sido escritas por poetas malditos, Cerebros Destruidos, Historia Triste, No Quiero Cambiar, Antes de las Guerras, y muchas otras, han pasado la difícil y conflictiva prueba del tiempo. Eskorbuto, a pesar de que nunca fueron un grupo de amplia comercialización, se han convertido en un referente -principalmente en lengua castellana- de lo que es la difícil vida callejera del ser que hace un arte crudo racionalizando su irracionalidad, viviendo al margen de la ley y al margen de las costumbres conservadoras.
No hace mucho, un politólogo español dio una declaración respecto a la dinámica de los líderes sociales que puede adoptarse a otras formas de liderazgo, a otro tipo de gente que se encuentra a la vanguardia representando un sector social. Cito:
…para conseguir que el sujeto popular sea no sólo vencido, sino derrotado, es necesario cooptar a sus jefes, a sus dirigentes. Con ello se bloquea la esperanza, se promueve el pesimismo y se demuestra que, al final, todos son iguales, todos tienen un precio y que no hay alternativa a lo existente. La organización planificada de la resignación.
Desde mi punto de vista, los tres integrantes del trío calavera, sin desearlo ni disfrutar de su posición, eran representantes del sector social de izquierda apartidista. Y el carácter mítico que hoy tiene el grupo en toda el habla hispana es gracias a ese aspecto; Eskorbuto dejó patente que no todos son iguales, que no todos tienen un precio, que hay gente que no se traiciona y que es capaz de ir contra la tendencia generalizada de la adaptación social como producto de la edad.
A Eskorbuto no los derrotó el sistema, los derrotó su propia forma de vivir, la forma que ellos buscaron y aceptaron de manera estoica. Lo que con ellos pasó, su forma de morir, no es más que un efecto de las condiciones propias de ese tipo de existencia en el periodo que a ellos los tocó vivir. Ser gente maldita, prohibida, tiene sus consecuencias; todos los poetas malditos y artistas críticos que pertenecieron a la vanguardia tienen una historia negra, y todos son míticos, y todos han construido con base a ello su leyenda.
Durante su tiempo de actividad ganaron fama de ser espontáneos en sus presentaciones, algunas veces eran salvajes, otras minimalistas, actuar con bajo presupuesto era su tendencia y algunas veces estaban tan drogados que no podrían llevar el concierto a cabo. Aun así, los pocos registros audiovisuales de sus presentaciones, aun teniendo una calidad de audio pésima, son muy valorados, verlos en concierto era ver a una banda verdaderamente punk. No conozco a nadie que pusiera en duda su honestidad para hacer rock.
Dejo a ustedes dos conciertos; uno de su última época, cuando se encontraba próxima su disolución dada la muerte, primero de Iosu y después de Juanma. El concierto es el dado en Villarreal en diciembre de 1991.
El segundo concierto que dejo a ustedes es uno dado en su primera época, cuando desplegaban un salvajismo grandioso que se extiende desde la forma de cantar, la presentación fue dada en Puertollano en 1984.
25.8.15
Este es un disco que únicamente pudo haber sido hecho hace 30 años, cuando se conjugó en un mismo momento el acceso a los sintetizadores de teclado, donde la tecnología se empezó a usar en distintos moduladores de sonido portátiles y económicos, donde en el ambiente existía un interés por explotar las distintas posibilidades de trabajo con ondas de sonido desconocidas hasta entonces. El papel del delay y el echo está presente hasta nuestros tiempos en casi toda la música; en los setentas y ochentas eran famosas las cajas de multicabezal RE101 que fabricó Roland revolucionando con ello el sonido de válvulas del EP1-3.
Era el tiempo de lo analógico, es decir, de los valores continuos en la onda de sonido, de los valores que no podían ser predichos con precisión. Los moduladores de sonido analógicos integran distorsión en la onda, sus valores no son discretos (no son predeterminados como en los moduladores digitales), en ellos se distribuye la onda de sonido de una forma “sucia” generando alteraciones no predecibles, alteraciones naturales que algunas veces pueden ser arrebatadas. Efecto de ello se valora mucho más la cuestión analógica que la digital, dado que controlar la primera tiene su nivel de dificultad para manejar las variaciones, tiene su arte; mientras que un modulador digital es más “limpio”, más sencillo de controlar, más predecible, más mecánico, menos natural.
Por ello la música electrónica que se hizo en los 70s y la que se hace en la actualidad con mecanismos y herramientas modernas y económicas (lo digital es mucho más barato) tiene un sonido tan distinto. Actualmente el sonido es muy plano como producto de que ya casi todo es digital, mientras que el que se hizo en los 70s tenía prestaciones de mayor dinamismo, un solo efecto podía mostrar múltiples opciones de trabajo y era casi imposible de replicar sino era por medio de un muy estricto control de los parámetros de entrada y procesamiento. Este aspecto es evidente en este extraordinario disco que hoy presento a ustedes.
Este disco está hecho casi por completo con experimentación de efectos analógicos de delay y echo. Hay pocos de los llamados inputs, en su mayoría es un trabajo con niveles de efecto y repeticiones de onda. Es un material muy interesante para aquellos músicos que usan el delay como efecto común, así como para aquellos que gustan del sonido anárquico, insubordinado, de lo analógico. Y, claro está, es un disco que se encuentra en los callejones del experimental subterráneo que se hizo en la cuna de la música electrónica, Alemania.
Alemania hoy es el referente para estilos que emergieron de la música electrónica; desde lo que se puede escuchar en raves hasta lo que hay en festivales del llamado ciberpunk. En este sentido, “It's Only Rock'n Roll, This Not!” es una muestra de cómo Alemania construyó esa tradición de música electrónica por la cual hoy es reconocida. Este disco es uno de los peldaños que le dieron forma a ese tipo de música, tiene un valor histórico.
EXPENTANCY: Experimental, Analog, Musique Concrète
FELLOW: Pedro Bericat, Polonio
21.8.15
Punk Attitude es un documental que cuenta una historia desde la óptica conservadora sobre algo que no es conservador. Este es uno más de los documentales que yo ubicaría como el trabajo típico estadounidense que está hecho con la intención de nutrir la óptica de un jovencito promedio respecto al desarrollo del punk, y establecer a éste como un producto de la idiosincrasia y los valores norteamericanos. Incluso pareciera estar financiado por la industria musical americana, haciendo una analogía, Punk Attitude está a la altura de lo que para un historiador serían los trabajos de History Channel, es decir, un trabajo de holgado presupuesto pero baja calidad informativa, sin ningún tipo de reflexión crítica ni apegado a la evidencia de la multiplicidad de acontecimiento y factores que integran los hechos.
La historia oficialista del punk es una historia viciada, trillada, repleta de clichés, una historia que se ha repetido miles de veces en artículos de revistas del oficialismo en la industria musical, como la Rolling Stone, en documentales hechos en los EU, en los grupos que actualmente quieren hacerse pasar como punks originales (por ejemplo, Casualties o Exploited) y todos los mecanismos para imponer una narrativa sesgada como única realidad posible. Una historia que no dice más que: todo comenzó en EU, después se exportó a Inglaterra, hubo intercambios entre ambos países y al fin de cuentas los que se decían rebeldes antisistema terminaron por vender su música porque esa es la historia natural de cualquier grupo que tiene éxito.
Y Punk Attitude es precisamente parte de ese montón inútil de documentales, inútil dado que ahora, con la apertura a la información proveniente de distintas partes del mundo es difícil mantener una historia del desarrollo de cualquier propuesta cultural como sí está fuese maniquea. Propongamos algunos puntos de observación a la historia tonta que aborda este y muchos otros documentales.
La narrativa respecto a una historia de la música casi lineal donde (y cosa peculiar, se narran los hechos como si todo hubiera sido hecho por gente blanca) Iggy Pop, Velvet Underground, David Bowie, MC5, New York Dolls, etc., fueron la raíz en que se inspiraron Ramones en EU, después lo exportaron a Inglaterra gracias a un usurero llamado Malcolm McLaren, el cual juntó un grupo de jóvenes sin quehacer ni beneficio y les dio promoción mundial por medio del escándalo, etc., etc., etc., fue sostenida casi desde los 80s (cuando se empezó a imponer esa narrativa) hasta finales del siglo XX. Sin embargo, ahora han aparecido las fisuras de esa historia de facilismo y se han manifestado aquellas particularidades que la rompen. A principios del siglo XXI se publicó uno de los mejores documentales en torno a un grupo que no compartía en nada la idiosincrasia de los blancos, ni las creencias, y que estaban mucho más adelantados a su tiempo en comparación con cualquier otro grupo de la época, me refiero a la banda de Detroit, Death. Un trío de chicos de color que tenían todo, hasta el nombre del grupo, para ser definidos por derecho propio (si en la historia que nos contaron no se hubiera mentido tanto) como la primera banda del punk.
Algunos alegan que “eran desconocidos y por lo tanto no se habló antes de ellos”. En efecto, eran desconocidos por las masas (las masas casi siempre desconocen todo, son los borregos habituados a que otros piensen por ellos. Parecen loros), pero los coleccionistas de discos sí que los conocían pero preferían cerrar la boca. Entre esos que ya los conocían desde tiempo atrás está Jello Biafra (aceptado por él mismo).
Sobre Death no se dice ni una palabra en el documental Punk Attitude.
Otro más sobre los cuales nunca se habla es sobre Chrome. Ellos ya estaban publicando discos desde 1976, se habían formado desde antes de ese año y ya daban conciertos. Cualquiera que les conozca sabrá que Chrome dio un salto doble desde el 75, ya hacían un punk de vanguardia e incluso ya hacían lo que después se hizo en el Post Punk desde mucho antes que se le atribuyera el chiste Post Punk a Joy Division. Si la historia fuera sincera se ubicaría, por lo menos, a Ramones a la misma altura de Chrome, pero nunca se ha hecho eso dado que Chrome nunca se vendió como dulces empalagosos a la industria musical, algo que sí hizo la banda Ramones y la industria pendenciera les supo pagar su forma de arrodillarse a las necesidades de venta masiva (basta con ver vídeos de las giras de Ramones, es patético ver a sus fans recibiéndolos como se recibía a estrellas del pop) atribuyéndoles ser los inventores de un estilo que ya se manejaba desde años atrás.
Sobre Chrome tampoco se habla en Punk Attitude.
Bajando más la mirada, a tierras latinas, particularmente Perú, una historia honesta del punk tendría que hablar sobre Los Saicos, una banda que adelantó a cualquier otra de su momento histórico. Los Saicos desde el 65 ya hacían lo que se llamaría Proto Punk, además la historia de ese grupo es apasionante.
Tampoco se menciona ni una palabra sobre Los Saicos en Punk Attitude.
Sumando a lo anterior, aquél que crea que el punk fue un gran estilo gracias a lo que hicieron los ingleses y los norteamericanos con él (que básicamente fue prostituirlo), son unos pendejos que han sido engañados. El punk fue grande porque mostró ser un género que se dio en diversas partes del mundo, se importó de Inglaterra, de los EU, otros en Latinoamérica ya lo estaban haciendo sin saber que pertenecían a un estilo que se manifestaba en diversas partes del mundo; el punk fue grande porque trascendió absolutamente todos los lenguajes, se cantó en español, ruso, italiano, francés, inglés, portugués, e incluso hay algunos de américa del sur que lo han cantado en lenguas autóctonas. En el caso de España, Eskorbuto fueron mucho más grandes que Sex Pistols, pero de igual forma se mantuvieron en el underground, Eskorbuto nunca fueron prostitutas del rock, ya sea porque creían realmente en lo que hacían o porque eran tan salvajes que su inaccesibilidad les cerró puertas. Y muchos grupos españoles publicaron mucho más que los anglosajones, se vendieron mucho menos y hasta la fecha siguen en el mismo talante y convencimiento.
Englobando; lo que se observará en Punk Attitude es la historia de aquellos grupos que en algún momento dejaron de estar en el underground; lo único underground que abordan es el No Wave, pero sólo lo hacen de forma muy tangencial, como si no hubiera dejado huella alguna. Incluso presentan el No Wave como un estilo que a pesar de su intencionalidad hubiera fracasado ante el embate de la maquinaria de la industria musical. No se habla en absoluto del papel de los sellos independientes, un papel que fue muy importante para fundar la tradición del músico autónomo. En este documental no se dice ni una palabra de CRASS (y hablar de punk anglosajón y no hablar de CRASS…), tampoco se menciona absolutamente nada de GG Allin (que puede bien no gustar a muchos, pero es parte de esa historia que molesta a la Rolling Stone pues con GG se muestra que no todos tenían por intención ser bufones de la industria), no se menciona nada de bandas de punk mexicano que saben lo que es realmente lo salvaje y la vida dura de la calle, la delincuencia, la falta de oportunidades y la escases de recursos hasta para grabar un disco, no se menciona nada del movimiento Okupa, nada de la autogestión, nada del Kill Your Tape, ni de todas esas cosas que deliberadamente renuncian a la venta en pro de seguir sus ideales (sean estos utópicos o realistas). Incluso llegan momentos donde parece que la discusión se centra en “quién era más punk, los británicos o los estadounidenses”
En este documental se evita todo aquello que rompa la historia que podría resumirse en:
...el punk original fue un estilo netamente anglosajón que acabó implosionando, los punks maduraron, se adaptaron a las necesidades sociales y ahora aceptan a Nirvana y Green Day como su evolución natural. Al fin de cuentas así se mueve el mundo y tarde o temprano todos son absorbidos.
Esa máxima, tan estadounidense, tan mesiánica, tiene una intencionalidad de dirigir un mensaje moral; la intencionalidad de decir al interlocutor que no existe más realidad posible que la que para él y su futuro se ha diseñado. Esa máxima es mentira y existe múltiple evidencia de ello. Pero para un fundamentalista ninguna razón es suficiente para acabar con sus prejuicios.
Punk Attitude es un documental que cuenta una historia desde la óptica conservadora sobre algo que no es conservador.
EXPENTANCY: Punk Rock, Post Punk
19.8.15
El rock gótico suele ser un estilo que atrae a gente desequilibrada emocionalmente e infantil. Identificado por las masas de chicos tontos como un estilo donde se tienen que vestir de negro, asumir que son fantoches, pintarse la cara como payasos y sentirse deprimidos a diario.
Sin embargo no siempre fue así. Hubo un tiempo en que el gótico buscaba expresar sentimientos más complejos en comparación con su género raíz, el punk, hacer a un lado los simplismos del Fuck Off, lo peyorativo de base, y hablar desde posiciones existencialistas, tratar sentimientos humanos diversos y enriquecer dicho trato con la poesía, la pintura, el arte y lo teatral. Manejar la música desde posturas dramáticas, sínicas y estoicas. Cuando el rock gótico apareció en escena el tema de la muerte era recurrente entre los jóvenes, pues la muerte hizo presencia junto con la heroína y la sobredosis, la partida de cientos de jóvenes que fueron parte del punk callejero. A su vez, algunos escritores se acercaron a los medios de la música que en ese tiempo era contemporánea, ya sea por el revuelo que causó o porque en ella encontraban una vanguardia en las formas de comunicación (el caso más evidente fue W. Burroughs). Otros comenzaron a encontrar el potencial que esa libertad creativa podría tener como medios de ambientación sonora para montar espectáculos. En resumen, el mundo del arte capitalizó los nuevos estilos en el sonido.
Cuando el rock gótico apareció se compuso tanto por gente que migró del punk, como por artistas que provenían de otras tradiciones. Sus precursores era gente que no tenía el tema político y de liberación mundana como aspecto fundacional, sino un interés por el cine, la literatura, la filosofía, la pintura, el mesmerismo, la metafísica, etc. Incluso algunos eran lectores asiduos de la historia del hipnotismo, el psicoanálisis, la psicología no científica (la que acepta “lo mental” como una realidad incuestionable), y el género utópico.
El que hoy se identifique al gótico con el estilo victoriano, la edad media, el pintarse la cara, usar relicarios, etc., todo eso es una degeneración de sus raíces y de los porqués algunos de sus exponentes llegaron a hacerlo. Por ejemplo; Bauhaus solía aparecer con maquillaje y un marcado estilo vampírico, ello se hizo con intención de ejercer performance temáticos en sus presentaciones. Incluso el grupo se ha definido siempre como una banda de rock conceptual, aspecto que hasta la fecha mantiene.
Una de las bandas de ese primer tiempo del gótico es Gene Loves Jezebel. Desde sus comienzos coquetearon con el glam, actualmente sigue activa pero ya no tiene mucho que ver con sus primeros lanzamientos, hoy -después de más de 30 años en activo- son un grupo que adoptó un estilo cercano al pop y al llamado British Rock.
En sus primeros años eran una banda asociada a lo que se llamó “batcave”, eran parte del tiempo post punk, eran psicodélicos, hacían un rock obscuro y denso, y a pesar de que sus líricas casi siempre fueron hechas en un estilo de balada sabían hacer lo suficiente para no llegar a ser frescos y tediosos.
Anteriormente en este mismo sitio se presentó el Shaving My Neck (puedes descargarlo desde este enlace), y el Thornfield Acoustic Sessions (accede a él desde este enlace); para esta ocasión proporciono para su descarga los dos primeros discos de larga duración de este grupo; Promise, fue publicado en 1983 logrando buena aceptación; Immigrant es su último disco que está dentro de un estilo post punk, se publica en 1985 y es a mi entender (junto con Shaving My Neck) el mejor material de su carrera.
Después del 85, y de bastantes cambios de integrantes, comenzaron a trabajar con un estilo más pop, más digerible a la masa y también rodeados de una considerable fama; se fue Ian Hudson (al cual se le deben las excelentes composiciones de guitarra de la época obscura del grupo), se fue la furia y la atmósfera.
EXPENTANCY: Post Punk, Batcave, Gothic Rock
FELLOW: Bauhaus, Joy Division, ADS
18.8.15
Previamente se ha presentado material de Zombies Under Stress (ZUS), puedes acceder al post previo en este enlace. El proyecto es conocido por varios factores; uno de los más llamativos es que se trata de los llamados OMB (One Man Band), factor que llevándolo a contrastar los diferentes materiales publicados es excitante conocer la dinámica e imprevisibilidad del proyecto, el cual supera por creces a muchos otros que se componen de más cabezas pero carecen de genialidad. Otro aspecto a rescatar es que la mayoría de los discos se encuentran disponibles para su descarga gratuita por parte del mismo creador, no hay fin de lucro en esto y ello alimenta la intención artística y altruista de ZUS, lo cual es compartido por varias asociaciones del experimental en la música, la pintura, la literatura, etc., así suele manejarse el arte libre.
EXPENTANCY: EBM, Industrial, Experimental
FELLOW: Front 242, Psychic TV, Minoy
Matrix Machinations es un disco del 2006, un material lanzado por uno de los brazos de la 6de Kolonne Label, el disco se publicó dentro de formatos multimedia, también en los extintos Floppy Disk. Se trata de un disco de edición física extralimitada.
Technotronic Partymix es el material más actual que poseo de ZUS. Se trata de un disco con sonido de EBM vintage, la que se hacía con loops pesados (muy valorados y conocidos gracias a los primeros trabajos de Front 242) de esa música bailable que tocaba el noise rescataba el estilo “disco”.
Your Hand In Mine is an adaptation, in Jazz, of the poem "The Present" by Michael Donaghy. The original track on the album Crónicas -Chronicles- (not yet published) & the disc Vocem For Atonal Wave (Vol.1 -Côte-). This is Alternative Version, unreleased version.
17.8.15
MCH Band es el grupo típico de post punk del Este de Europa durante los 80s, los cuales se caracterizaban por un estilo Dark Wave muy denso que comparados con Joy Division hacen ver a estos últimos como un cuarteto de estilo pop al ser falto de espesor en la música obscura. Bazzoka y Das Wesen compartían estilo con MCH, pero ya no existen. Por su parte, MCH se encuentra en reagrupación y dando algunas presentaciones en Europa según tengo entendido, hoy son unos viejos de más de 50 años, rockeros, potentes, músicos profesionales que mantienen la sobriedad de sus primeros años y que son en la práctica desconocidos por la mayoría de las personas que no son coleccionistas de música desterrada del mismo cliché que hoy es el underground.
EXPENTANCY: Post Punk, Dark Wave, No Wave
FELLOW: Das Wesen, One Million Bulgarians, Sprung Aus Den Wolken
16.8.15
Rescatado del Mutant Sounds, uno de los sitios que durante varios años fue referencia en torno al experimental que se distribuye por la red (hoy el sitio se encuentra inactivo), Marionette Karma es un material de principios de los 80s de procedencia japonesa. Semejante en acidez a INU (puedes descargar el disco de INU en este enlace), y con cercanía a la mágico/religioso, este disco es uno material casi desconocido que puede ser definido dentro de un estilo Post Punk/Experimental.
Cito…
This Japanese mystery outfit's brainwarping and dystopian M.O. takes in dazed, smeary and acid queased weirdness in the mode of French electronic rockers Spacecraft and Ilitch, post-industrial stormclouds of stochastic grit and metallic percussion and insularly deformed avant rock jams that'd do NWW-listers Bomis Prendin proud.
EXPENTANCY: Post Punk, Experimental, No Wave
FELLOW: INU, Public Image Limited, Birthday Party
13.8.15
El compilado “Songs Of The Underground Lovers”, originalmente con el subtítulo, Neoclassical Versions Of The Radical Songs; se publicó por vez primera en la extinta UD a finales del 2007 (no tengo muy clara la fecha exacta), una website que durante bastantes años se centró en publicar material de estilos como el post punk, el new wave y el punk rock. Este compilado fue una de las entregas exclusivas de aquél sitio y se distinguía de la mayoría de los post que en él se presentaban por ser una exquisita selección de covers hechos en piano y cuarteto de cuerdas de muchos de los tracks que hoy son clásicos del periodo 1977-1987. El disco se perdió junto con el definitivo cierre de la página.
Con intención de rescatarlo, me puse en búsqueda del mismo entre diferentes contactos y uno de ellos me proporcionó una de las copias digitalizadas del disco, en la cual se aprecia los “tronidos” de la primera captura que se hizo del acetato y las cintas, lo cual -en mi opinión- son errores técnicos agradables al oído.
A lo largo de 67 minutos se distribuyen los 18 tracks que componen el material, un compilado grandioso que deja la puerta abierta para ser valorado por los gustosos del jazz, los pianistas, el sonido crudo de los cuartetos de cuerdas, la música instrumental. A su vez, a esta altura también cumplirá un papel semejante al que en su tiempo jugó en UD, un quiebre con la tendencia de las entradas que han venido presentándose hasta el momento.
EXPENTANCY: Soft, Instrumental, Jazz
- Were Is My Mind (Pixies) –Maxence Cyrin.
- Lullaby (The Cure) –Eric Gorfain.
- I Wanna Be Your Dog (The Stooges) –Vica.
- Lithium (Nirvana) –Ark Sano.
- Love Will Tear Us Apart (Joy Division) –Deicida 69.
- Anarchy In The UK (Sex Pistols) –Vica.
- This Charming Man (The Smiths) –VSQ.
- Ziggy Stardust (David Bowie) –VSQ.
- Twenty Four Hours (Joy Division) –Vkgoeswild.
- Shine On You Crazy Diamond (Pink Floyd) –David Ari Leon.
- Love Will Tear Us Apart (Joy Division) –Jilted John.
- Ashes To Ashes (David Bowie) –Stephan, Ishibashi, Buzzy & Ippei.
- Love Street (The Doors) –George Winston.
- Just Like Haven (The Cure) –David Ari Leon.
- Love Vigilantes (New Order) –Nicholas Young & Jarred Snyder.
- The Hurricane (Bob Dylan) – - Anonimus en Cuarteto de Cuerdas.
- Riders On The Storm (The Doors) – George Winston.
- In Between Days (The Cure) –David Ari Leon.
11.8.15
En 1984 el sello francés Bain Total publica Sex & Bestiality. Fiel a los objetivos del sello, que son presentar materiales conceptuales de carácter ritual que siempre tuvieron por intención convertirse en discos de culto, este compilado, con el tiraje ya descontinuado (únicamente se publicaron 666 copias), es una entrega de 4 discos con 66 tracks de sonido experimental que navega del Ambient, al Noise y el Industrial.
Bandas como Psychic TV, Die Form, Section XXV, Viscera, Red Skull, y otras, forman parte de este compilado que fue hecho con la intención de rendirse a los aspectos amorales de la práctica sexual, lo prohibido de ella que llega a entenderse como los aspectos antinaturales que generan el placer.
EXPENTANCY: Industrial, Noise, Experimental, Ambient, Post Punk
Tracklist (in image)...
8.8.15
The day 8/8-2015 Shit Noise Records published the eighth compilation of series named: Noise Punxxx.
In the style of the underground, the album is an explosion of sound subversive where the Noise, Punk, Experimental and Environment plays a role. Shit Noise Records is one of the most famous from germany netlabels among netizens.
The bands that published in "Noise Punxxx 8" have different publications in the contemporary underground rock and bands are from different countries in regions such as Europe and Latin America. The bands? for example: Lee Other, Noise Research Institute, Dr. NoiseM, Mean Flow (by Theofil Tsiolakakis), Deicida 69, Model For Assembl... among others.
The album is interesting, subversive, rebellious, hard, underground.
/
EXPENTANCY: Noise, Punk, Experimental
- Lee Other - Flesh For Petete
- Mean Flow - Third Memorandum
- Deicida 69 - 8:15, 1945
- Dawn Tuesday - Phenomenon
- Dr. NoiseM - Black Cat
- GDMHZ80YRZO - Yeah...
- See Through Buildings - The Slow
- Noise Research Institute - Blood
- Seiei Jack - DZXETU26
- To-Bo -Ebola Mania 2k14
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7.8.15
Cito...
Casi por finalizar la década de los setenta surge en México una banda que viene a romper con los paradigmas del rock que se hacía en nuestro país. Azares del destino o simple consecuencia natural de sus trabajos artísticos previos, se reúnen el talento de cuatro personajes para dar pie a SIZE, uno de los grupos pioneros no sólo del punk, sino también del new wave y el techno pop en estas tierras mexicas, siempre con una aguda sensibilidad avant-garde. SIZE: Nadie Puede Vivir Con Un Monstruo documenta la historia de esta legendaria banda, con fotografías y pietaje nunca antes vistos.
Muestro la primera versión en físico del documental Nadie Puede Vivir Con Un Monstruo, trabajo en torno a SIZE realizado por Mario Mendoza.
Contacto (Compra Directa): Mario Mendoza
e-mail: genital.productions@gmail.com
- Guión y Dirección: Mario Mendoza
- Fotografía: Mario Mendoza
- Logo Size: Mateo Lafontaine
- Producción: Mario Mendoza/Jaime Keller
- Edición: Diego Suarez
- Postproducción de audio: Ramiro Garza
EXPENTANCY: Post Punk
3.8.15
Anti White Bastards pertenece a los compilados de sonido experimental con un contenido ideológico fuerte. Básicamente se trata de experimentación con herramientas análogas que ambientaliza una serie de denuncias al fascismo y la segregación racial. Es un disco doble; en el lado A se tienen a proyectos de los Estados Unidos de América: Nux Vomita, PBK, Psy 231, Illusion Of Safety, por mencionar algunos. En la segunda parte los proyectos son europeos y de Sudáfrica: Factor X, Doc Wor Mirran, Shinx, Big City Orchestra, y otros.
Este material se publicó a principios de los 90s por uno de los mejores sellos de rock subterráneo que conozco, Korm Plastics, un sello de los países bajos de Europa que se especializó en publicar exclusivamente material para los antropólogos del sonido marginal. El que posea en físico todo el catálogo de esta disquera, tiene una joya.
No es un material digerible, ni se intenta que lo sea. Anti White Bastards pertenece al sonido que se usa como forma de comunicación abstracta. Hace años tuve un espacio en un programa de radio en mi país, me seleccionaron para publicar y tratar cosas relativas al underground, quizás esperaban que hablara de Bauhaus y Joy Division, es decir, que hablara de bandas comerciales. En uno de los programas, el último donde me dieron espacio, programé algunos tracks de este disco, otros del QED y otros de Club Moral para tratar el experimental del Este de Europa, los escuchas me acusaron de fanático y promotor del nazismo y el director de la estación me corrió esa misma noche.
Este es un disco para gente preparada, para gente que sabe lo que es el subterráneo.
Heinrich Himmler después del suicidó, un ejemplo perfecto de que las tendencias fascistas traen consigo la autodestrucción.
EXPENTANCY: Experimental, Industrial, Noise
- Illusion Of Safety - Off The Mark
- Reed Ghazala - Maelstrom In The Dust Of Ages
- Psy 231 - The 4th Reich
- Gustavo Pastre - Counterclockwise Fields
- PBK - Boilling Underneath
- Blowhole - Blessing
- Nux Vomica - The Girth Of Mediocrity
- Master/Slave Relationship - Moments Like These
- ZAN - Noisehead
- DMDN & PDM - Kontrast, Excerpt 2
- Riders Of The Apocalypse - Sanderson You Will Die
- Big City Orchestra - Untitled
- Doc Wor Mirran - No Breasts For Fascists
- Kapotte Muziek - Hopefully They Kill Their Own
- Sphinx - Two Hot Two Handle
- Factor X - Essentially No Difference Between Anybody
- T & H - Chicago Nazis Fuck Off
1.8.15
El origen del rock está en las grabaciones independientes, la distribución mano en mano, las presentaciones en directo a pocas personas, la prohibición, la falta de recursos y la salvaje necesidad de expresión. Después llegaron los que con el rock hacen su negocio personal, las grandes marcas que fabricaron a los grupos y les dieron imagen, concepto, logo, publicidad, putas, crearon de un músico un ídolo incluso otorgando a unos de ellos atribuciones intelectuales casi de un genio (lo cual no eran), los músicos sin carácter, sin rebeldía, sin afán de romper estructuras. Lo echaron a perder.
La parte de la historia donde se vio más músicos prefabricados fueron los años 90s., y la broma vino casi por completo de los anglosajones.
De manera alterna a la dictadura del oficialismo que hizo del arte del sonido una de las peores industrias, sobrevivieron los renegados que al no aceptar la dinámica del juego que se les intentaba imponer crearon sus realidades alternas casi utópicas mezclando fantasías con condiciones de vida extremadamente duras. Un ejemplo vivo de ello es John Zewizz, el cual ha pagado un alto precio por ser parte del underground. Gerogerigegege es otra de esas historias de una vida maldita que se diluyó sin dejar un rastro claro de lo que con él pasó. Wendy O. Williams es una mujer que mostró mayor carácter para hacer lo que le vino en gana en comparación con hombres a los que les faltaron huevos para hacer de su arte en el sonido algo respetable y de culto.
Es sencillo comenzar en el underground, algunos sólo lo usan como plataforma y en cuanto tienen oportunidad le traicionan con una firma de contrato que les dejará unas cuantas pelas. Lo complicado es mantenerse en el underground porque estar en él implica un compromiso con causas ideológicas y en el lugar y tiempo donde vivimos lo ideológico (entiéndase, un compromiso moral y ético) es visto como poco menos que un capricho de juventud, olvidando así que sin lo ideológico la poesía y cualquier otra forma de arte (que es la expresión máxima de la condición humana al traspasar las necesidades básicas) sería imposible. El arte es el rompimiento del ser humano con una estadía primitiva del ser.
Uno de los instrumentos en los cuales se ha apoyado el sonido definido como subterráneo es el ejercicio de las actividades desde lo independiente, mantenerse alejado de los círculos de managers, marcas, grandes disqueras, etc. Uno de los puntos focales para los que ejercitan el sonido es el lanzamiento en sellos independientes los cuales suelen dar una libertad creativa casi absoluta en los músicos. En los años setentas y ochentas aparecieron bastantes de estos sellos, incluso diversos estilos, géneros musicales, se impulsaron desde estos sellos; ejemplo de ello fue el Post Punk manchesteriano con Factory Records, el Industrial con Industrial Records, y el experimental ambiental con Inner-X-Musick. Siguiendo su historia, la mayoría de ellos fueron fundados por idealistas con poco o nada de experiencia en la industria musical y en su mayoría desaparecieron al irse a la quiebra económica dado que esta música no se caracteriza por dejar ganancias que posibiliten la constante inversión, y también porque la vida de sus fundadores suele ser muy espontánea. Muchos de los sellos independientes de aquellos años hoy quedan sólo como un nombre de catálogo donde se coleccionaron materiales de culto, una especie de registros que son conocidos y valorados por antropólogos del sonido, por gente que ve la música como algo más que una actividad, que entiende la música casi de una forma espiritual. 
El uso de Internet ha traído aparejada la opinión de que por medio de esa tecnología se puede lograr mayores grados de libertad en comparación con formas comunicativas más tradicionales. Mucho se puede decir en contra de esa alegada libertad cuando se observa que los grandes gestores de Internet funcionan bajo principios conservadores casi de ultraderecha, que es dominado por aplicaciones que en algunos sectores funcionan como oligopolios, que se prohíben contenidos en redes sociales por el simple hecho de mostrar desnudos, que el espionaje a la población es quizás el más sistemático que en la historia de la humanidad se ha dado. Una larga lista de críticas puede ser enumerada en contra de esa libertad de la red de la que muchos se sienten su adalid. A pesar de las restricciones, hoy como nunca antes en la historia existe la posibilidad de contar con elementos de información de todo tipo en fracciones de segundo, también existe la posibilidad de romper con difusiones restringidas a una sola localidad y sus alrededores.
Los que admiran y han coleccionado el trabajo de los sellos independientes de décadas pasadas hoy tienen una importante plataforma en internet para difundir ese trabajo que algunas veces no pasaba de haber sido conocido en unas pocas ciudades de un mismo país. Por ejemplo, tres de los documentales de música que he visto en los últimos 5 años han estado hechos con el objetivo de narrar la historia de “aquél grupo que no fue valorado en su momento y que ahora fue reencontrado gracias a Internet”, por ejemplo la banda Death y el documental Sugar Man que narran historias dramáticas de artistas que se perdieron en la historia y fueron reencontrados gracias a trabajos espontáneos que se hicieron en Internet.
A su vez, hombres y mujeres solitarios e incomprendidos que algunas veces viven en medio de problemas prácticos que no le desearía a nadie, se han arrojado por mera pasión a hacer reediciones de discos perdidos y distribuirlos en la red. Otros han fundado sellos independientes donde exploran lo más denso del sonido subterráneo de su localidad y otros países, haciendo de esta forma registros de catálogos digitales. Hoy hay un retorno de sellos independientes en la red hechos por las personas que entienden con admiración y estima el invaluable trabajo altruista que hicieron los que hoy son viejos, donde muchos esperan que por medio de esa actividad se pueda dejar el registro del underground de nuestro tiempo, aportando de esa forma una colaboración a la historia del arte que no acepta el capitalismo como única realidad. Algunos de esos sellos hoy se presentan con buenas colecciones digitales independientes y con grupos y solistas que despliegan un talento que impresiona y que deja sobre la mesa la idea de que lo vanguardista está en lo subterráneo; en lo que rompe con la dictadura de lo normal; ejemplos de estos sellos, son (selecciona el nombre del sello para dirigirte a sus lanzamientos):
- Plataforma Records, que tiene sede en Brasil
- Noxa Recs en Perú
- NKS International en Francia,
- Abandonment en Bulgaria,
- Angustia y Biodata en Venezuela,
- Collants Noirs Releases y Agorafobia Tapes de México
Acorde a lo escrito, presento un emergente sello independiente que también se enfoca en producciones de rock subterráneo pero en este caso publica su material en físico, en formato de cinta. El sello tiene sede en España y lleva por nombre Craneal Fracture Records, hasta el momento tiene tres producciones editadas en cinta y hace un llamado a los proyectos que estén interesados en publicar material con ellos.
EXPENTANCY: Experimental, Noise, Trash, Punk, Industrial
Arquitecto de profesión universitaria, Corcobado hoy tiene una posición de importancia en la música popular hecha en habla hispana. Conocido con diferentes apodos que alimentarían el ego de cualquier músico; el Principe del Under, el Ginete, el Poeta Negro… su historia en la música data desde los años ochenta donde coleccionó varios proyectos fallidos y un inicio de carrera accidentado, un inicio donde en muchos lugares le cerraban puertas, le malentendían o simplemente no lo aceptaban al ser una persona de difícil trato y con un estilo de sonido de complicada clasificación.
Corcobado comienza casi a la par con el auge del punk rock en España y se ve influido por la furia que éste fue en las ciudades como Madrid, así como por los estragos que hizo en la juventud y el medio artístico. En esa ciudad ha vivido casi siempre y fue ahí donde impulsó lo que sería su primer banda medianamente conocida en su momento, llamada Mar Otra Vez; una mezcla atípica entre música rebelde, brotes de poesía y una fascinación por identificarse en el underground. Este conjunto fue de los primeros que no aceptó la Movida Madrileña y dio atención a los artistas vanguardistas que eran en Europa artistas de ruptura con los géneros ortodoxos del rock. Los materiales que Mar Otra Vez publicó -básicamente son tres discos de los que se desprenden otros tres sencillos- hoy son discos de colección, muy cotizados a pesar de que en su momento (85-87) no tuvieron demasiada aceptación ni difusión. La propuesta que Mar Otra Vez hizo al medio tenía toques del free jazz, el punk, el sonido de distorsiones tendientes al noise, lo experimental y la literatura; si se le tuviera que comparar con alguna otra propuesta, sólo por fines prácticos diría que fueron parecidos a Birthday Party. Después vino un conjunto casi entregado al experimental llamado Demonios tus Ojos; pero fue hasta que se formó a Los Chatarreros de Sangre y Cielo y Javier tomó como nombre de pila artístico su apellido, Corcobado, cuando logra traspasar por completo las fronteras de su país y ser conocido y admirado en Latinoamérica, principalmente en México, país por el cual -basado en sus propias palabras- tiene una predilección especial, incluso ha vivido durante largos periodos en México.
Con los Chatarreros publicó tres de sus mejores discos en un periodo de 4 años, a la vez que con otro conjunto de músicos que llamó Los Cría Cuervos lanzó un disco doble de boleros donde versiona canciones de la música popular en habla castellana, música que ha influido en él como las obras de Antonio Machín, Javier Solis, Lucho Gatica, y el maestro del verso popular en México, el extraordinario José Alfredo Jimenez, hasta los cantantes de la llamada Época de Oro de la música popular latina (puedes descargar el disco doble de boleros desde este enlace).
Para algunos seguidores de Corcobado, Los Chatarreros de Sangre y Cielo fue un conjunto que se formó con el objetivo de hacer una trilogía de poemas escritos casi al estilo de los poetas malditos llevados a la música, a su vez, los discos publicados con este conjunto son los más obscuros y dinámicos en la carrera de Javier Corcobado; incluso para mí nunca antes se había hecho música obscura contemporánea (lo gótico, el post punk, el darkwave, etc.) que tuviera un impacto relevante en el habla castellana y estuviera cantada en dicha lengua, sino hasta que Tormenta de Tormentos (el primer disco con los Chatarreros) fue publicado. Previamente, Parálisis Permanente tuvieron un poco de relevancia en algunos espectros de audiencia de esos estilos afterpunk, pero yo ni los tomo en cuenta como grupo, para mí eso era música muy pouser... ya saben; vampiros, zombis, caras pintadas, vestirse de negro: mierda.
Después de Tormenta de Tormentos (1991), se publica Ritmo de Sangre (1993), un disco que navega de lo acústico a lo noise, con unas guitarras eléctricas maravillosas que se acoplan de forma interesante con el resto de los instrumentos, así como con la voz poco menos cavernosa a lo escuchado en el trabajo previo a éste. Cabe señalar que a la par con estos dos lanzamientos Javier ya se dedica de tiempo completo a la música y la literatura (hasta finales de los 80s ejercía profesionalmente como arquitecto y de forma alterna como músico), publica artículos en revistas, poemarios y realiza producciones a otros músicos y es participante en perfomance.
Para 1995 lanza un disco que para muchos es el mejor de las producciones con los Chatarreros, el Arco Iris De Lágrimas. En él se hace un importante uso de la electrónica, los loops, las baterías eléctricas, las cajas de ritmos y los sintetizadores. Un buen disco pero menos orgánico que los anteriores, sin embargo en él se encuentran bastantes de las que para mí son las mejores letras que ha musicalizado; Adiós Respirar, Dientes De Mezcal, Catorce, Flores De Lágrimas, Carta al Cielo, Yo Seré Tu Cáncer.
Las características de Corcobado y los Chatarreros de Sangre y Cielo (desde mi punto de vista ese conjunto ha tenido a los mejores músicos de su carrera discográfica) son complicadas de entender sin prestar atención al vasto acervo cultural de Javier -algo que se puede constatar en cualquier entrevista que ha dado-. Su desarrollada visión cultural le ha permitido ejercer su actividad como músico de una forma muy original, de una forma que muestra un apego real por el arte y una óptica exquisita por lo que es bello, visión que incluso permite ubicar una improvisación como un acto con justificación artística (aspecto que algunas veces se diluye cuando gente sin talento alguno tomando como justificación el “noise” y el “antiarte” hace muchas cosas sin ningún tipo de valor, hacen cosas a lo pendejo).
EXPENTANCY: Obscure Sound, Poet, Experimental, Post Punk
FELLOW: Hermana Mary, Anne Clark
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