Insanity



14.11.16



Con el álbum Presidentes Puercos Deicida 69 llegó a su fin, las causas son variadas, desde finales del año pasado ya se había planteado lanzar un último álbum y éste ha sido hecho y parece que es una forma digna de retirarse.
Esta es la primera ocasión en que la persona que se encontró detrás de este proyecto a lo largo de más de 10 años brinda una entrevista en vídeo, y lo hizo para Revista The 13th. Aquí se presenta la misma. Este es el último gesto que Deicida 69 hace, ahora viene un largo y merecido descanso, quizá se retome pasado unos años, o, quizá, ha llegado a su término.
Agradezco a todos por dejarnos entrar a su oídos y no olviden que sólo en lo independiente hay libertad creativa. Hagan lo que quieran, pero nunca se vendan.





20.10.16




El interés por la práctica política fue capital para construir el mundo moderno, el papel de los parlamentos, los jefes de Estado, las instituciones, el ejercicio electoral, el ciudadano. Los llamados “grandes pensadores” construyeron un imaginario donde aseguraron que el mundo sería un mejor lugar para vivir si más gente se interesaba por estudiar y ejercer activamente la política, aseguraron que podrían darse más oportunidades de progreso gracias a la política, aseguraron que podría lograrse la igualdad entre los pueblos, los géneros, las preferencias sexuales, las clases sociales; la política fue la promesa de La Ilustración y se elevó al nivel de panacea. 

Siglos han pasado y ahora sabemos que eso es mentira, que si alguna vez realmente se creyó que la política moderna se hizo para solucionar los males de la humanidad esa promesa se ha roto ya. La política de hoy es un acto criminal, las escasas excepciones a la regla de personajes políticos que no son parte de la criminalidad es la muestra de lo inútil que es hoy la política para mejorar el entorno. En especial la política de partidos. 

Miro México y creo que ya no hay políticos de derecha o de izquierda, eso servía para el siglo XIX, ahora sólo hay oportunistas, mentecatos, ladrones, asesinos, mafiosos con trajes italianos y bellas corbatas viajando por el mundo para embriagar a la gente que todavía es crédula. El proyecto de un político no es una nación, es su proyecto de vida personal que se reduce en al vil enriquecimiento, la admiración, el aplauso de las masas. La política es la legitimación del crimen.

Este disco está hecho para describir todo eso desde los ojos de una persona harta, una persona que ya perdió la fe en la política y sus derivados. Se planteó como aquello que se hace cuando una persona se encuentra en un estado de cansancio del juego partidista, cansado de promesas, de eso que carcome las oportunidades del verdadero desarrollo de nuestras naciones. Nosotros somos esas personas, somos los incrédulos que los políticos tildarán de inútiles vagos.

Después de este disco ya no tenemos mucho más qué decir, nosotros ya hemos hablado demasiado. Este es el disco más violento de Deicida 69, y así lo hemos hecho porque aquí habitan seres desesperados, atrapados en la claustrofobia del estigma de los Presidentes Puercos.

En memoria a los caídos y los asesinados por el Estado Mexicano que es un Estado genocida. A nuestros indígenas que son los verdaderos dueños de este territorio, a los activistas sociales, a los estudiantes de Ayotzinapa que son los mártires del Siglo XXI.
Contra los políticos de México que son una pandilla de vagos y traidores, sin importar si son de izquierda o derecha, son gente que ha hecho del crimen su forma de vida.  

EXPENTANCY: Punk, Post Punk, Noise, Experimental




16.10.16


Adicts hicieron un punk rock distinto a la tendencia que marcaba el momento en que ellos iniciaron en la música, un momento donde se le hacía un culto al caos no sólo en el sonido sino en la forma de vida de los punk setenteros, The Adicts junto Toy Dolls apostaron por un corte de punk con júbilo que al paso de los años sería visto como la semilla de algo que llaman Happy Punk, un estilo desagradable para quien guste del sonido clásico.

Songs of Praise fue su primer y mejor disco, en él se encuentran sus grandes himnos y un sonido ligeramente minimalista y con algunos toques de calle y protesta sin caer en la sedición que había tomado el punk setentero. El carácter más interesante del grupo es su originalidad, mientras en las bandas ochenteras de hardcore y punk ya no se encontraba mucha variación y era casi lo mismo escuchar una de otra, con The Adicts hay un sello que los hace una banda inconfundible y es por ese sello por lo que son respetados incluso por los seguidores del punk más duro. El sonido del grupo se encuentra más cercano a las formas en que se hizo el post punk que al punk originario.

Para la actualidad continúan activos, son una de las bandas más viejas que de manera casi ininterrumpida (sólo tuvieron un periodo de descanso) no han bajado de los escenarios y mantienen la alineación original. Desde mi punto de vista este grupo es más adecuado para la gente que gusta de la música sin buscar un carácter ideológico tras ella; es un sonido muy británico, juvenil y que podría ser tocado por la música comercial, sin embargo, hasta donde sé, se han mantenido con un bajo perfil tomando en cuenta lo bien que hubieran podido venderse a la industria.

En este compilado se encuentran algunos de sus himnos. 

EXPENTANCY: Punk Rock
FELLOW: The Clash, Toy Dolls






   

9.10.16



La relación que los seguidores del tipo de sonidos ubicados en lo subterráneo y lo radical suelen tener una relación complicada con los Stones. 

El punk de la vieja escuela popularizó unas ideas que hasta la actualidad siguen repitiéndose aun cuando carecen de vigencia; bajo algunas excepciones como David Bowie, Iggy Pop, MC5 y semejantes, todo lo que se hizo antes del punk debía ser derribado -eso sostenían los punk de los setentas-, ello incluye desde el rhythm and blues hasta el rock progresivo y el psicodélico, Hendrix, Joplin, Morrison, etc. Ese rechazo ha alimentado una ignorancia casi completa de los jóvenes que andan metidos en los mal llamados “movimientos musicales contraculturales” respecto a todo lo que ocurrió antes de 1973; ¿cuántos de esos chavales han escuchado completo un disco de blues, de jazz, de Robert Johnson, Bob Dylan, Rolling Stones? Incluso no les gustan esos estilos y muchos ni conocen a las grandes leyendas de la música popular relacionada con el rock, prefieren el refrito del refrito y se dicen discípulos de la música antaña porque conocen los 80s, pero la semilla de la genialidad de los ochentas estuvo en el blues, en el jazz, el viejo reggae y el psicodélico, incluso los punk setenteros no eran asiduos del rock solamente, a muchos de ellos se les veía en los club de reggae como escuchas habituales. 

Los principiantes de la actualidad buscan ser aceptados con lo que se espera de ellos en los círculos caca y van por la vida haciendo de los clichés sus principios seudofilosóficos. Es importante señalar que los punk tenían justificantes para despreciar lo que hubo antes de ellos, pero el escucha de hoy ya no tiene esas justificaciones, al menos ya no son reales ni necesarias. Por lo tanto, quien hoy las sostenga será porque quiere ser pendejo y sentirse original y contestatario. 

Este material es para el que no busque seguir la vieja narrativa. 

EXPENTANCY: Rock, Rhythm and Blues




6.10.16


Desde mi punto de vista la actividad de un músico no debería limitarse a la composición y al manejo de uno o varios instrumentos, un músico debería ser una persona culta dado que el músico esencialmente es un inventor, el músico no descubre sonidos, no descubre letras, no descubre razones, sino que inventa todo, la inventiva es su trabajo y para eso necesita materia prima, necesita información, estar empapado del mundo, ser receptivo, ser -como se dice coloquialmente- una persona culta. Un músico que no lee, que no posee una capacidad para sensibilizar su día a día, que no intercambia datos y que no se entera de la realidad no podrá generar grandes ficciones porque la música es ficción, la música nunca es realista aun cuando intente y diga serlo, el objetivo de la música no es describir el mundo tal cual es, ni participar en congresos donde haya debate respecto a la viabilidad de una u otra propuesta para dar cuenta de la realidad, a la música no le interesa la verdad objetiva de los hechos sino la subjetividad, compartir con la audiencia la subjetividad del artista. La música siempre ha sido y será ficción, quizá una ficción agradable, pero emergerá de la fantasía al fin de todo. 

Por ello el artista debe ser un hombre muy versado, es casi una necesidad así como es una necesidad que un físico guste del análisis matemático y la epistemología. Hay estilos musicales que promueven esa obligación por poseer una amplia cultura casi cosmopolita, en la música llamada “clásica” el músico muchas veces podía tener una discusión de altura con un filósofo, eran ilustrados. En la era moderna, por ejemplo, Wagner, tenía razones políticas y filosóficas profundas para sus composiciones, cada sonido representaba algo, por ejemplo, el alba, la noche, la luna, una ópera es uno de los grandes inventos de la música que pocas veces se sabe interpretar, incluso la ópera suele acompañarse de libros de estudio para entender su magnificencia. 

En el rock, un género más sencillo al ser hijo de la calle, especialmente los estilos de la década de los cincuentas el músico mostraba su orgullo no en el uso del instrumento, eso era secundario, sino en su cultura, en lo que leía, en sus posturas políticas y es que el rock nació de la música de los esclavos. 

Ahora, para desfortuna del rock de calidad y altura, las cosas han cambiado y hay muchos simplistas que consideran que lo importante es ser un virtuoso con el instrumento. Esta característica es secundaria para el rock, en realidad el rock no necesita de gente virtuosa, sino gente con imaginación y resistencia mental; imaginación para crear y resistencia para no venderse y no entregarse a los placeres de la masa pública. Resistencia para protestar y para ser la voz de los trabajadores y los explotados. De eso necesita el rock que se respete a sí mismo y respeta la historia; claro está que el pop rock no cree en esto, eso es porque no es rock, es pop. Punto. 

En nuestros días, son los inspirados en los sonidos de antaño los que han mantenido viva la llama del contenido intelectual en sus obras musicales. Incluso son los que mejor componen y los que se reinventan una y otra vez, ellos no dejaron de publicar buenos discos después de cumplir 30 años, sino aun teniendo cincuenta o más siguen impresionando pues ellos alcanzaron el estatus de madures en la música, no sólo son músicos profesionales, sino que son artistas maduros y completos, muy completos; manejan múltiples instrumentos, se arriesgan a lanzar discos que quizá y no gusten y vendan poco, es gente que hace discos conceptuales y realmente pueden hablar con profundidad respecto a su obra, este es el caso de Cohen, Dylan y Nick Cave, por mencionar sólo algunos. 

Para este post dejo dos materiales del último músico citado, Nick Cave. Seleccioné dos discos que para mí son una joya; uno de éxitos y otro disco triple de rarezas que es difícil de encontrar en la red. Son discos para explorar y son impresionantes dado que presentan casi todos los perfiles de Nick Cave y los excelentes músicos que le han acompañado en su larga carrera desde sus tiempos en el post punk hasta la actualidad donde casi se puede hablar de un jazz obscuro, temas conceptuales, complejos, nada comerciales al no ser hechos para el consumo masivo, temas muy arriesgados y violentos, Nick Cave siempre me ha parecido uno de los vocalistas más violentos del rock tanto por su envidiable tono vocal hasta por sus arrebatos y, claro es, sus letras negras donde el fatalismo siempre juega la ruleta. 
     
 EXPENTANCY: Blues, Alternative, Jazz, Obscure Sound





4.10.16


Brunst es uno de esos proyectos con una carrera larga en la música subterránea, y es casi desconocido. Comenzando sus lanzamientos a mediados de los ochentas en el sello Konduktör Rekords, su último trabajo fue hecho en 2012. Se trata de sonidos de Industrial y Synth Pop/EBM que si bien no alcanzan los destellos de agresividad propios del Industrial no deja de ser un producto de interés para los seguidores de la música electrónica de los ochentas característica de los países del Este de Europa que, en mi opinión, suelen ser las mejores propuestas en esta clase de géneros de electrónico experimental, son fríos. 

Rebellen es su segundo lanzamiento, hecho en 1986.     

EXPENTANCY: Industrial, Experimental, Synth
FELLOW: Njurmännen, SPK




3.10.16


Hubo un momento de la historia donde el punk marcó los ideales y el sonido de quienes desde la calle hacían un grupo al no tener algo mejor por hacer, sin trabajo, sin estudios y sin futuro se montaban en la empresa de ejercer una lucha contra las formas en que se manifestaba el sistema, los punk eran los últimos herederos de aquella idea vaga de poder cambiar el mundo por medio del arte. Había un romanticismo en todo aquello; ahora eso ha muerto.

La industria compró a muchos, desperdigó a otros haciéndolos prostitutas de la fama. Ahora cualquiera monta un grupo pero sus creencias ya son otras y son más simples, ahora se cree que lo importante es el artista y no el mensaje, creen que lo importante es la técnica y no la furia improvisada, creen que llegaran a algún lugar por subirse a un escenario. Hay una falta de talento monstruosa.

Antes de que esto ocurriera hubo una época donde hacer punk rock era una cuestión de orgullo.   

    EXPENTANCY: Punk Rock
FELLOW: Barboncini Punx, Horrorcomic




Isidoro Valcarcel Medina es un artista de la ciudad de Murcia con un largo camino en el arte conceptual. Su trabajo comprende distintas actividades en escultura, literatura, pintura, performace y, también, en el sonido. Para Isidoro la finalidad del arte no es, como sí lo creían los surrealistas, sublimar la conciencia para llevarla más allá de “las cosas”, sino concientizar al ser humano respecto a los elementos de su entorno, la urbe, la importancia del tiempo para la vida moderna, lo que ocurre en los ambientes de trabajo, los sonidos de la ciudad, la forma en que éstos se inmiscuyen con nuestro lenguaje, la pérdida de palabras, la creación de conceptos, la adopción del pragmatismo casi como una receta de supervivencia para la vida citadina.   

En 1974 publica un material llamado “Motores” donde presenta un collage de sonidos de las máquinas de transporte en una ciudad típica. 

El trabajo de Isidoro nunca fue un arte de académicos ni un arte para ese tipo de gente que gusta de la sofisticación y lo pulcro, es decir, no fue un arte para la burguesía sino uno hecho para los sectores populares con el objetivo de promover la subversión de la conciencia. No era un arte hecho para comerciar.  

EXPENTANCY: Experimental
FELLOW: SPK, La T


17.9.16



Los seguidores habituales de Ergô Felix Culpa ya se encontrarán familiarizados con el proyecto de rock experimental Deicida 69, un proyecto cercano a este sitio para el cual hemos dedicado numerosas entradas de contenido. El proyecto mezcla las raíces del punk con una interesante dosis de música experimental que va desde el ambient hasta el noise, pasando también por el free jazz y derivados que confluyen en la promoción de posturas rebeldes y autogestivas. Es de ese tipo de grupo/solista que no cree en exponer la música en vivo a una audiencia que aplaude y opina que la música es una forma de diversión o esparcimiento, para Deicida 69, así como para los grupos de verdadera música subterránea, la música es un mecanismo de comunicación de ideología y debe ser respetada, la música que no se respeta a sí misma es la música que se vende a los promotores y busca a un público que le aplauda; la música no debe hacerse como un mecanismo para el espectáculo, sino como un mecanismo pedagógico.

En esta ocasión se difunde el primer disco compilado de Deicida 69, Mirando Costras. Recientemente publicado, el material contiene 15 tracks que abarcan todas sus producciones que ya suman más de una docena a lo largo de 10 años. A continuación la reseña con la que se presentó el disco en la página electrónica oficial:  
15/09/2016; Deicida 69 publica el compilado Mirando Costras, que figura como el primer compilado de lo que se podría llamar “mejores” canciones del proyecto.
Después de 10 años de publicaciones relativamente constantes donde se ha trabajado con estilos como el noise, el punk, el free jazz y un tinte de música obscura, Deicida 69 lanza el primer compilado de su producción. Ahí se puede encontrar un importante resumen de su actividad en la música de estudio (el proyecto es básicamente un grupo/solista de producciones en estudio) donde se rescatan tracks desde su primera producción hasta el día de hoy, algunas versiones inéditas instrumentales y otras que se encuentran en su producción discográfica que ya abarca más de 20 discos (entre Lps, Eps, sencillos y aparición en compilados).
Mirando Costras es un título que hace referencia al pasado, a la violencia, a la sangre y aquellos aspectos simbólicos relativos al dolor, temáticas, todas ellas, comunes en las letras de Deicida 69. Puede entenderse como una sistematización y un acercamiento a la célula del proyecto. Canciones en inglés y español, así como otras donde no se usa más que sonidos que asemejan vocalizaciones aun cuando no se diga nada en ellas, un corte de música rock experimental contemporánea y netamente independiente.  
El disco se publica de manera previa al que será su próximo Lp titulado “Presidentes Puercos”. Se publica en el sello independiente brasileño Sattvaland. A su vez, la portada tiene un corte distinto a las que anteriormente han sido utilizadas por el proyecto, en esta ocasión el arte frontal corre a cargo de la artista española Sunny Pebé. 
Este proyecto siempre ha difundido su material de manera gratuita en diversos medios electrónicos, JAMENDO, BANDCAMP, BLOGGER, FACEBOOK, REVERBNATION, así como en los diversos sellos que han publicado su trabajo, principalmente en Brasil, pero teniendo también algunos lanzamientos en sellos independientes de Europa y América del Norte. 

Para este lanzamiento también se destaca el trabajo de portada que fue hecho específicamente para este disco por parte de Sunny Pebé, una pintora y filóloga de la ciudad de Murcia (España). Se lanza en un sello brasileño de reciente fundación que se centrará en la música experimental subterránea hecha por grupos emergentes, el nombre del sello es Sattvaland

EXPENTANCY: Punk, Post Punk, Experimental






15.9.16


Sprung Aus Den Wolken siempre fue un grupo vanguardista a razón de ser punta de lanza para el impulso de estilos novedosos, uso de instrumentos iconoclastas donde jugaba el ingenio al ser -algunos instrumentos- producto de su propia inventiva (eran experimentales), y no obedecer a mayores moldes que hacer música subterránea fuertemente influenciada por el rock e, incluso, desde mi parecer por un corte de free jazz aun cuando creo soy el único que opina tienen esa influencia. También hay toques de música marcial en ellos.  

Como características constantes, el grupo posee mística y el sonido es claustrofóbico, tiene matices de música obscura sin caer nunca en el gótico sino en una especia de post punk hecho por heroinómanos, de ese tipo de post punk de los suburbios europeos que se hizo a principios de los 80s, manejan sintetizadores y distintos tipos de percusiones junto con los instrumentos base del rock, también voces modificadas con numerosos efectos de pitch, delay y diversos tipos de moduladores, semejantes a los ácidos Chrome y la época rebelde de PiL.

Tres discos; Pas Attendre & Que Pa, The Story of Electricity&Pas Attendre, Dub & Die.  

EXPENTANCY: Experimental, Post Punk, Industrial
FELLOW: Einstürzende Neubauten, Chrome





30.8.16


El Synth Wave hubiera sido imposible sin el desarrollo tecnológico, sin el microchip nunca hubiera existido. En los sesentas se dio una de las revoluciones tecnológicas más importantes y para mediados de los setentas ésta ya podía ser accesible por el público en general tanto por su reducción de costo económico como por su practicidad, las grandes máquinas que ocupaban salones completos con los que Wendy Carlos trabajó para hacer el soundtrack de Naranja Mecánica se encontraba en desuso y los sintetizadores iban haciéndose más pequeños y más baratos, a su vez, lo que con ellos se podía hacer eran sonidos completamente nuevos, no escuchado con anterioridad y fueron cientos de artistas los que comenzaron a trabajar con ello, desde los que experimentaron con éstos para crear el industrial, el ambient y el sonido con intenciones más abstractas (conceptuales, también llamadas) , como los que siguieron la ortodoxa línea de la rítmica y la armonía. Así nació el Synth Wave que fue una de las raíces del pop actual, del techno, de la música dance. 

La fuente de este tipo de música sólo era posible en países que conjugaran al menos dos cosas; una relevante tradición en la música urbana, la que se hace por gente no acaudalada (que suele ser la más creativa y arriesgada), y en aquellos lugares donde hubiera un círculo importante de desarrollo y distribución de estas tecnologías; se debía tener características sociológicas y características tecnológicas. Entendiéndolo de esa forma no es extraño que el cenit de la música electrónica fuera Europa continental y los Estados Unidos. Es cierto que a principios de los ochentas también aparecieron grupos que trabajaron la música electrónica en otras latitudes, por ejemplo en México con Size, pero es conocido que para Size uno de los impedimentos para un buen espectáculo era la ignorancia de los ingenieros de sonido para mezclar instrumentos tradicionales (bajo, guitarra y batería) con instrumentos de la nueva tecnología (cajas de ritmos, sintetizadores, etc.), estas problemáticas han sido abordadas por el documental de Mario Mendoza llamado “Nadie Puede Vivir Con Un Monstruo”.

En la actualidad ha sido la gran potencia económica de la Europa continental, Alemania, la que sirve como capital de la música electrónica mundial, desde los estilos más duros hasta las comerciales de la electrónica tienen en Alemania su referente. En los años ochenta esta característica aún no se definía de forma tan categórica principalmente por la separación territorial de ese país, cuando fue derribado el muro de Berlín comenzó el concentrarse en Alemania una serie de características con olor a propaganda y una deliberada apuesta por hacer de ese país una cuna para el capitalismo europeo.    

Antes de que Alemania, apodada El IV Reich Financiero, tuviera el lugar hegemónico con respecto a la música electrónica, esta última se distribuía principalmente en tres países que competían en grado de importancia, Reino Unido, Italia, Francia. Así eran las cosas en los ochentas.

“BIPPP: French Synth Wave 1979-1985” es un importante compilado de Synth publicado por parte de los revisionistas de los ochentas en 2007.

EXPENTANCY: Synth, New Wave, Post Punk, Minimal





 

19.8.16


Cuando el Power Electronics llegó a los escenarios hizo ver que lo anteriormente citado como extremo y provocador podía ser enterrado de un plumazo, ni los rockeros más acelerados como el Iggy Pop de los Stooges, ni el Rotten de Pistols, tampoco The Residents o Throbbing Gristle lograban esa furia y descontrol que los iniciadores del Power Electronics sí expresaban. Hablo de Whitehouse, los fundadores.

El Power Electronics es un culto a la irracionalidad y por definición es la antimúsica y el antiarte. Es estéril intentar entender este estilo con los parámetros del rock aun cuando si se le puede considerar dentro de una familia sería dentro de la música rock. 

En su tiempo este estilo fue excesivamente original, ahora hay un montón de payasos que han copiado lo que William Bennett desarrollo en medio de un panorama de censura, sexo, violencia, culto al crimen y muchas características que podrían ser definitorias de una mentalidad retorcida y enferma.    

Para William Bennett, Whitehouse se encuentra en el terreno del metalenguaje y se inspira en algo llamado Erhard Seminars Training (EST) que es algo semejante a una terapia de confrontación violenta con aspectos repugnantes de la vida de un individuo con la intención de que ese despliegue de violencia sea útil para superar eventos traumatizantes. 

Yo estaba tratando de llegar a un acuerdo con el sufrimiento en lugar de la victimización. La gente se identifica con ciertos temas y se sienten atraídos a través del componente visceral que es el lenguaje que se utilizó. Una canción como "A Cunt Like You" fue vista por mucha gente, críticos y aficionados por igual, como una especie de canto a la misoginia. No me gusta explicar letras, porque no creo que uno debería hacerlo, pero di una conferencia en Londres donde he explicado que fue todo lo contrario; en realidad, fue el lenguaje utilizado por mis padres cuando se ofendían uno al otro. Esa canción fue sobre la hipocresía de los hombres y su relación con las mujeres de su misma edad y, por ejemplo, sus hijas adolescentes. Lo vi como la misma cosa, tienen los mismos sentimientos hacia sus hijas que hacen a las mujeres de su misma edad, pero es un desagradable y oscuro secreto. Por lo tanto, eso es lo que esa canción es realmente, no es un canto o himno a la misoginia de ninguna manera. (William Bennett) 

EXPENTANCY: Power Electronics, Noise
FELLOW: Con-Dom, The Grey Wolves, Ramleh



14.8.16


Dentro del rock duro la música skin es la música donde siempre hay más militancia, sea racista o no, los skin siempre hacen un culto a la violencia y a la acción directa, es música que se hace y se expone con alcohol de por medio y una ideología que aboga por la radicalidad. La diferencia entre el skin neonazi y el antifascista es casi una diferencia sutil de grado y no de naturaleza, casi siempre es música intolerante y acelerada de corte hardcore que promueve algo que ellos llaman “el orgullo”, en la ultraderechista se pugna por el orgullo nacional y el orgullo de la “sangre blanca” (como si fuera distinta a la sangre de una persona de color, en todo caso serían diferencias genéticas, pero su mente no llega tan lejos); en la antifascista el orgullo se levanta en dirección de la extrema izquierda no identificada con los partidos políticos. 

La música skin tiene su raíz en los Rude Boys y el Mod, a su vez tiene fuentes jamaiquinas, originalmente era música ska con sonidos próximos al rocksteady, con su adopción en Europa en los tiempos de crisis de la socialdemocracia (década de los setentas) se adoptó por círculos de jóvenes simpatizantes con la derecha que, así como hoy, culpaban a los migrantes de la falta de oportunidades (misma tesis que hoy defiende Marine Le Pen y la nueva derecha mundial), culpaban a la izquierda y a los comunistas de promover la igualdad de oportunidades (sostienen la arenga de que esto, la igualdad, va en contra del desarrollo social óptimo pues sostienen que ello promueve la pereza) y creían en la necesidad de una sociedad netamente meritocrática que diera, en primer lugar, oportunidad a los connacionales y, en segunda, oportunidad a los mejor preparados para que éstos formaran una élite que gobernara para todos los demás (premisa fascista). La derecha siempre ha creído en la diferencia de clases, y la extrema derecha neofascista cree que esa diferencia es consustancial a algo tan ambiguo como lo es “la raza”.   

En los setentas en medio de la crisis del modelo socialdemócrata se popularizaron dos tipos de derecha, la derecha liberal (financierista) y la derecha nacionalista (proteccionista). La que triunfó fue la derecha liberal que es la misma que hasta la actualidad gobierna Europa, incluso los gobiernos europeos que se hacen llamar de izquierda son liberales, es decir, son de derecha y apoyan el modelo financierista y de globalización.  

La derecha liberal siempre ha sido sofisticada y no tan burda como la derecha nacionalista; mientras que la derecha liberal siempre ha tenido a sus promotores en círculos académicos universitarios y en periodistas de la prensa económica, los skinhead neofascistas eran el brazo ejecutor, casi un grupo de choque, de la derecha nacionalista desde los setentas. Ellos se consideran herederos de los Camisas Pardas del inadaptado social alemán (Hitler) y hasta hoy siguen creyendo que el modelo de la Alemania Nazi es el único viable para Europa. Incluso algunos skinhead sirven directamente de guardaespaldas a políticos neonazis, el caso del partido político griego Amanecer Dorado es el más evidente.

La música skinhead es excesivamente simbólica dado que se encuentra demasiado permeada por aspectos ideológicos, no sólo es música de protesta sino música para ejercer militancia; por ejemplo, ellos ejercen un culto al compañerismo y en su música es común encontrar múltiples coros (difícilmente un grupo de skin tiene una voz hegemónica en las canciones -algo que sí ocurre en el post punk y el punk que es música que promueve el individualismo-); el corte de esa música regularmente es militar dado que ahí encuentran la referencia a su admiración exacerbada por lo disciplinario. Dentro de su jerga lingüística palabras tales como “caza” son comunes y hacen referencia a “ir de caza”, o lo que es lo mismo, salir a golpear homosexuales, prostitutas, migrantes, negros, etc.

La música skinhead fascista siempre ha sido vista como la escoria del rock, el cual es un estilo musical que en todo caso no nació en los círculos conservadores sino en los progresistas y que, por tanto, se encuentra ligada de raíz a la izquierda. La música skinhead fascista es una degeneración, es perseguida y en muchos lugares se le prohíbe y censura, incluso entre los rockeros es una vergüenza y es, le pese a quién le pese, minoritaria y siempre próxima a evaporarse.      

Una de las variantes del skinhead fascista es el RAC (Rock Against Communism), que es rock que va más allá del anticomunismo (pues hay grupos de rock abiertamente anticomunistas que no caen en el fascismo), sino que es nacionalsocialista; White Noise es parte de esos grupos del RAC, comparte y promueve su ideario y se encuentra ligado al frente nacionalista británico durante su periodo de existencia. Ahora han desaparecido y forman parte del excremento y el seudorock. 

EXPENTANCY: RAC
FELLOW: Bound For Glory, Skrewdriver, Ian Stuart





12.8.16


Murder Ballads es uno de los mejores discos de Nick Cave, uno de los mejores que se ha hecho en el rock y es un disco conceptual hecho bajo la premisa de narrar historias de asesinatos en cada una de sus extraordinarias canciones. Cave hizo este material de cabecera se hizo con una de las alineaciones más envidiadas de los Bad Seeds, Blixa Bargeld (Einstürzende Neubauten), Mick Harvey (Boys Next Door), Jim Sclavunos (The Cramps). 

En el material se experimenta con el folk, el jazz, el corte alternativo y tiene pinceladas de rock industrial; es un disco magnífico, atrayente y sensual. 

EXPENTANCY: Jazz, Avangarde, Folk
FELLOW: David Bowie, Birthday Party, Leonard Cohen




8.8.16


Para los noventas, el rock gótico había desaparecido y había sido degradado, una banda basura llamada Lacrimosa había hecho una mezcla de heavy metal con tinte obscuro y esa porquería causaba sensación en la generación. Los iniciadores del gótico habían muerto o ya estaban haciendo trabajos distintos; Rozz Williams se encontraba haciendo música experimental perfilada al Noise y al Ambient, él había preferido la lectura de poesía y en el rock se acercó a sus orígenes punk con Daucus Karota. 

Después de 10 años de su nacimiento, el rock gótico terminó por convertirse en una exposición de parafernalia y un lugar común para la fanfarronería, se desprestigió y ya era más importante la imagen que la calidad, la metáfora del vampirismo que estuvo presente desde el principio fue tomada como verdad por algunos acomplejados que empezaron a creerse hijos de Bram Stoker, se confundió el romanticismo con escribir melosas canciones de amor y, en general, perdió calidad. Incluso, respetadas bandas como Sisters Of Mercy explotaron más la imagen escénica que la música, conocida es la historia que Eldritch generó respecto a Patricia Morrison, la cual nunca conectó el bajo y sólo sirvió como imagen del grupo, usada como un mero maniquí para atraer escuchas. 

En los noventas era vergonzoso definirse como un grupo de rock gótico si se buscaba respeto de la vieja escuela, era mejor no definirse de esa forma aun cuando las formas del grupo claramente llevaran a esa dirección, a ese género. 

Hacía en la última década del siglo pasado era necesario hacer una propuesta de música obscura que fuera un profundo rompimiento. Ese trabajo de reinvención estuvo a cargo de Sopor Aeternus, una propuesta que en sí misma nunca ha sido una banda, nunca ha dado presentaciones en vivo y de los cuales no se sabe casi nada, incluso no dan entrevistas personales, no aparecen en televisión ni en festivales y hay un anonimato casi absoluto rodeando la cabeza del proyecto. Su inventor es un andrógino con apariencia de enfermo psiquiátrico que se hace llamar Anna-Varney Cantodea. 

Del gótico que emergió en los noventas sólo abogo por Sopor Aeternus, en especial su primer par de discos. Lo que de ellos he escuchado es ostentoso y negro, música muy obscura alimentada por sintetizadores, instrumentos de viento, muchas percusiones y una voz tétrica y magnífica. Además, su trabajo en letras es uno de los mejores que conozco, pareciera fueron hechas por un enfermo de depresión que descansa la pistola sobre sus rodillas para tomar la pluma.  

Se les ha clasificado dentro del darkwave, pero ese lugar queda corto, Sopor Aeternus ha trabajado con casi todas las variantes de la música obscura contemporánea, desde sonidos del after punk hasta el ambient, composiciones instrumentales y un toque de música barroca. Lo que se hace en Sopor Aeternus no tiene simil con ninguna otra cosa de la escena obscura contemporánea, es enigmático.  

Durante los años, he tenido que darme cuenta que no hay cura para la depresión. Al menos no en mi caso. Siempre será parte de mi existencia y no hay absolutamente nada que pueda hacer para cambiar eso. Así es como son las cosas. Todo lo que puedo hacer es distraerme, mantenerme ocupado creando arte/música, para así mantener la tristeza que todo-lo-consume a la deriva. Eso es lo que puedo esperar. Una vez que has aceptado tus límites, los confines en los que tienes que operar, las cosas usualmente tienden a convertirse un poco menos maniacas. (Anna Varney)
EXPENTANCY: Gothic Rock, Ambient
FELLOW: Dvar, Dead Can Dance





5.8.16


Desde su nacimiento Sex Pistols ha sido objeto de críticas. En términos sencillos, es un grupo que a pesar de no encontrarse activo se presta a ello, poseen tantos aspectos ambiguos que casi cualquier cosa contra sus integrantes o su música quiera decirse será bien recibido, principalmente por quienes buscan rasgar su nombre o su propuesta. Se les ha dicho farsantes, pequeñoburgueses, capitalistas, un producto de la suerte, creaciones de la mercadotecnia, bobos, antimúsicos, y un largo etcétera. 

Las críticas sean justas o no, propositivas o destructivas, son parte central del grupo. Sex Pistols no hubiera podido existir si no es con base a la crítica y la descalificación, ese fue el espíritu del grupo. 

Pero muchos callaron cuando escucharon las primeras estrofas de aquel hombre cuando dijo you never listened to a word that I said (tu nunca escuchaste -entendiste- ni una palabra de lo que he dicho). Si bien en términos técnicos Sex Pistols no despuntaba (ahí una de las ramificaciones de su interesante propuesta), cuando se formó Public Image Limited (PiL) se les cerró la boca a casi todos los críticos de John Lydon.

Las críticas que a First Issue (puedes descargar el disco desde este enlace) eran absurdas hasta el grado de versar que se cometía la violación del paradigma del sonido de estudio al tener amplitudes de frecuencia inaceptadas de bajo. No fueron pocos los que en un principio buscaron extender las mismas líneas de crítica hechas Sex Pistols hacia PiL… habían quedado absortos con la propuesta tan novedosa y futurista del grupo y resistían aceptarlo. 

Los primeros tres lanzamientos de PiL se encontraban acorde con la tendencia del After Punk, casi todos sus miembros habían pasado por bandas de Punk Rock, conocían el medio musical y eran una suerte de vanguardistas experimentales. La línea más dura de PiL estaba compuesta por un trípode donde la guitarra de Keith Levene, el bajo de Jah Wobble y un estilo vocal renovado de John Lydon (puedes acceder a un concierto poco conocido dado en Estonia justo en este enlace) los presentaban casi como un grupo de punk experimental.

Efecto de las drogas, las fricciones que suelen encontrarse en grupos con miembros tan propositivos, así como la complicada personalidad de Lydon como cabeza del grupo se tradujo en una complicada separación una vez lanzado uno de los discos más subversivos, obscuros, densos y experimentales de la banda: The Flowers of Romance (puedes descargar el disco desde este enlace).  Después de él, Lydon queda como batuta y PiL pasa a convertirse casi en un proyecto solista con músicos invitados. El cambio de sonido, efecto de los nuevos integrantes, de inmediato se aprecia en los conciertos que se ofrecieron en Tokio en 1983, donde uno de ellos se publicó como “Live In Tokyo” (puedes acceder al material en este enlace).

Partiendo de lo que ha hecho PiL yo les defino como un grupo de rock experimental; el sonido y quienes le rodean se diferencian en diversos apartados. Primero, una migración de las composiciones basadas en el After Punk y el rock gótico desembocando en ritmos de la música Pop y Dance. Segundo, el matiz lúgubre de sus primeros trabajos se aclara, las composiciones posteriores son más vivas, más amarillas, más luminosas. Tercero, John Lydon abandona el papel del personaje pedante, un artista-genio-loco, que le caracterizó en Sex Pistols, para ser en la actualidad una persiona extravagante y posibilitado para reir siendo él mismo y no la imagen que de él se creó en los setentas y ochentas. Cuarto, en general sus integrantes ya no se tratan de principiantes o músicos con poca trayectoria, sino de profesionales, algunos de ellos con un importante nombre traídos de distintos sectores de la música, desde el funk, el industrial, el jazz, el pop, hasta el progresivo. Quinto, el nombre PiL ya se cotiza por sí mismo, ya no se trata de un grupo que se presente como una promesa que puede errar, sino que es un proyecto que en sí mismo garantiza calidad y trayectoria. Y, po último, el abandono de la radicalidad, de la búsqueda del sonido que explora diversos extremos; dicho de otra manera, PiL ya no huele a ser un grupo de drogadictos.  

Con esa dinámica publicó This Is What You Want... This Is What You Get (esto es lo que quieres… esto es lo que obtienes). El disco es un rompimiento con su tradición underground, es un disco que busca (desde el título) otras audiencias (accede al disco en este enlace). Esta tendencia se vería en subsiguientes materiales, por ejemplo en Album, un disco cercano al Glam Rock Alternativo que se hizo a finales de los ochentas (accede a la reseña y al disco desde este enlace).

Ahora bien, en términos estrictos muchos de sus temas se tratan de remix de temas grabados con anterioridad donde participó Levene pero no sacados a la luz originalmente y que fueron publicados producto de que Levene poseía un master de las versiones originales de algunos tracks inéditos que fue lanzado con el título: Commercial Zone (puedes acceder al disco en el siguiente enlace). Este disco se trata de uno de los mejores del grupo a pesar de no ser un disco oficial, incluso no hace mucho Levene publicó un relanzamiento del material.

Dado esto,  This Is What You Want y Commercial Zone suelen entenderse como discos de contraste, discos que compiten entre sí. En mi particular punto de vista, Commercial Zone es, por mucho, el mejor de ambos. Sin embargo, cabe señalar que a pesar de este último es un gran disco no es otra cosa más que la línea que ya se venía notando desde Metal Box (accede al disco y reseña en este enlace), es decir, la forma de composición ya se conocía con anterioridad por lo que no representa por sí mismo un quiebre en el sonido, algo que sí es This Is What You Want.

Después de That What Is Not (accede a la reseña, el disco y un vídeo inédito, aquí) PiL tomó un largo respiro de los escenarios y del estudio en la década de los noventa. Regresó entrado el siglo XXI, actualmente se realizan giras del grupo, se lanzó un material titulado This is PiL, el cual se trata de un disco muy bien logrado tomando en cuenta que los retornos de grupos ochenteros sueñen ser decepcionantes.

Ahora el grupo se encuentra de gira por el mundo, incluso pisó o pisará México en este 2016.

En 2015 PiL lanza otro material de larga duración que se encuentra muy a tono con el corte de un grupo completamente maduro y profesional, quizá sea esta la mejor alineación que ha tenido PiL a lo largo de su extensa carrera, pero, como suele ocurrir en los grpos profesionales, componen bastante bien pero pierden furia y espontaneidad. El material lleva por título What The World Needs Now (puedes descargarlo desde este enlace) se trata de un disco experimental.

EXPENTANCY: Post Punk, New Wave, Experimental, Dark Sound, Dance
FELLOW: Sex Pistols, David Bowie, Psychic TV

1.8.16


Los dos últimos discos de PiL son brillosos, amarillos, alegres. John Lydon ha llegado a un momento de su carrera como músico en la que puede hacer música por placer, sin compromisos, su vida hoy es feliz y plena. Se trata de una de las mayores leyendas vivas del rock que ha probado todo, ha destruido y ha generado estilos y géneros, ha participado en importantes movimientos artísticos, sus escuchas le somos fieles y sus detractores le temen más de lo que le critican. Este tipo de características son muy difíciles de darse en un músico; John Lydon es una persona que triunfó en su profesión. 

Hoy es feliz, pero lograr ese estado le llevó enfrentarse a una amarga juventud como un chico pobre que no tenía demasiadas oportunidades para desarrollarse y al cual la industria de la música le llegó casi por suerte, incluso por equivocación. Antes del éxito masivo y después de la estafa que se hizo con Sex Pistols en la gira por los Estados Unidos y su irremediable separación, Lydon entró a un terreno obscuro, medianamente autodestructivo y sedicioso del cual salió después de más de 5 años; ese periodo comenzó con este primer disco de Public Image Limited, titulado First Issue, un material superior a todo lo que había hecho con los Pistols pero sin ese grosero desgarbo que caracterizó a uno de los grupos más importantes del punk mundial, las pistolas sexuales. 

First Issue es iconoclasta y vanguardista, un disco hecho en el periodo del after punk, en el tiempo en que llega el gótico a las calles de Londes acompañado del uso desmedido de la heroína a finales de los setentas, incluso Public Image Limited era un grupo de drogadictos, su irreverencia se deja ver en sus letras que llamaron a la subversión ofendiendo a los conservadores, a las tradiciones y a los fantasmagóricos inventos de aquellos que no les gustaba escribir sobre la realidad cruda e inmediata. Lydon siempre ha sido un tipo que se expresa de manera directa y que hace un uso mínimo de la metáfora, y en este disco se escucha ello de forma magistral, siendo, en mi opinión, el mejor disco de toda su carrera, el más negro, duro y rebelde, la música obscura que aún tiene ese sabor a punk rock, llama al baile y alza los chingadazos en el slam. 
 
EXPENTANCY: Obscure Sound, Post Punk
FELLOW: Sex Pistols, Joy Division, Magazine





30.7.16


Desde su nacimiento y manifiesto a principios del Siglo XX, la música experimental en su denominación electrónica ha sido conceptual, incluso nació como un concepto que trascendiera las barreras de la composición en la música y el sonido. Algunas veces usando ruido blanco, tan común en los laboratorios de experimentación animal, y otras haciendo con sonidos intentos de exposiciones visuales. En la era de los manifiestos (El Manifiesto del Partido Comunista, El Manifiesto Surrealista, El Manifiesto Conductual) se publicó el Manifiesto Futurista que también fue conocido como El Arte de los Ruidos, obra de Luigi Russolo donde se sientan las bases para la tradición experimental contemporánea.

Partiendo de lo anterior; 13 Briks De Una Sociedad De Litro, es un disco conceptual de experimental electrónico publicado a mediados de 1980 en España, el momento donde bastantes proyectos emergieron para trabajar con sintetizadores con el único fin de experimentar y lanzar manifestaciones de la época desde el mundo subterrñáneo, La T es un ejemplo de ello, este disco es otro.

EXPENTANCY: Experimental, Electronic, Noise
FELLOW: La T, SPK, Bercomize




26.7.16

Exclusive For Ergô Felix Culpa

26/07/2016; Deicida 69 publica el sencillo Absolutamente Moderno, segundo sencillo del disco de larga duración titulado, Presidentes Puercos.

Absolutamente Moderno es un reconocimiento al poeta francés Arthur Rimbaud, acreditado como el Infante Terrible. Toda la instrumentación corre a cargo de Deicida 69, la letra es una adaptación del poema Adiós, celebrado como el último poema que escribió Rimbaud a propósito de su despedida del mundo de las letras. 

“Hay que ser absolutamente moderno” es una de las frases más enigmáticas del poeta, en ella se albergan dos cosas; una queja y una intención. Durante su vida en las letras él se declaró contrario a los principios de la Ilustración y la Razón (la pálida razón oculta el infinito, escribiría en alguna ocasión) y ese sentido lo ejerció por medio de una vida amoral y violenta donde el libertinaje tuvo un papel fundamental, así como los excesos de toda índole, lo cual le llevó a enfrentar consecuencias que ni él mismo pudo tolerar y le destrozaron como persona. 

En su libro “Una Temporada En El Infierno” presenta en diversos poemas en prosa, el libro es en sí mismo una sistematización poética de su paso por las letras y su experiencia como libertino. En el último escrito de dicho libro (Adiós) se despide de ese mundo realizando una negación de lo antiilustrado y hace una redención a la necesidad de tomar las armas de la razón y la modernidad para asegurar la supervivencia y la estabilidad personal.  A su vez, dicho poema es considerado por los especialistas como el mejor poema que escribió y uno de los mejores de Francia en el siglo XIX.

Deicida 69 tomaría este poema como forma de reafirmación de la máxima que confluye en la necesidad de adoptar la modernidad en su sentido crudo como contexto para existir. No está de más señalar que aun cuando una primera versión de la canción se hizo hace 4 años (nunca se publicó algún registro del track original) es ahora cuando se hace público a propósito del que será el disco donde la dirección de la protesta se nutre de las circunstancias materiales en que existe el ser humano, la política, la economía, la corrupción, las instituciones sociales, eso será el disco Presidentes Puercos, un disco de protesta donde la espiritualidad y las arengas de esos que crean fantasmas para explicar los problemas humanos no tienen papel alguno. Las problemáticas del ser humano son materiales porque el mundo es enteramente material, le pese a quién le pese. 

EXPENTANCY: Jazz, Experimental, Rock



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25.7.16

Exclusive For Ergô Felix Culpa

Del jazz al ambiental en la sangre de lo acústico. Una entrega exclusiva de esta plataforma de distribución, se trata de un material donde se hace votos por lo ecléctico en el arte.   

EXPENTANCY: Jazz, Acoustic, Ambient




23.7.16


La Izquierda Inútil es una controvertida canción de hardcore recientemente publicada por la banda de rock experimental Deicida 69, banda que ha trabajado en diversos géneros de rock y el jazz, yendo desde el ambient hasta el noise, el punk rock, el post punk y el industrial. Con más de 10 años de existencia se encuentra próxima a realizar nuevos lanzamientos. Desde su nacimiento, todo el material que Deicida 69 publica se hace en sellos independientes, ya sea netlabel o en físico. 

En este 2016, Deicida 69 publicó un Split llamado Urbe Pagã con ediciones en físico que se pueden adquirir en España con Craneal Fracture Records, en este mismo año ha aparecido en diversos compilados (oficialmente son tres compilados en este 2016) y sus tracks se escuchan en algunas radios independientes de Brasil y Francia (principalmente por el impacto que en 2015 tuvo el disco Vocem For Atonal Wave, publicado en NKS International -sello francés-).

Para el próximo lanzamiento de un disco de larga duración, Deicida 69 presentará controvertidos tracks cantados en español y dirigidos principalmente a la denuncia política. 
La Izquierda Inútil es uno de esos tracks donde se lanza una violenta protesta que promueve la acción directa y agresora contra sabandijas que bajo la arenga de “ser de izquierda” se encargan de vivir de las esperanzas de un pueblo oprimido, una de esas sabandijas sin honor es Isaac Montoya (@isaacsolar), Isaac Montoya es un nalgasmiadas de México afiliado a Morena que rápidamente se ha hecho famoso por ser hipercorrupto y, aun así, ser apoyado por un partido de izquierda que, como en otros casos para la izquierda mexicana, ha resultado inútil para paliar el daño que sufre México. También se hace alusión a Miguel Ángel Mancera y otros personajes semejantes.

Izquierda Inútil es uno de los sencillos del Lp “Presidentes Puercos”.  Aquí el vídeo correspondiente al track recientemente publicado y abajo del vídeo el enlace para acceder a su descarga desde la web oficial de Deicida 69.



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18.7.16


En una banda el vocalista suele tener una posición sobresaliente del resto de integrantes, suele ser la imagen pública y suelen ser los más determinados del grupo, ellos tienen el contacto más directo con el público y con la crítica, incluso, al ser ellos los que le dan el sentido concreto a la música al vociferar los que se han escrito requieren una característica de compromiso con la lógica de las letras, compromiso que no es indispensable para la base instrumental. En el caso de las bandas que hicieron su carrera en el underground se tiene que los vocalistas suelen ser los personajes extremadamente apasionantes y complejos, algunas veces son casi impenetrables y su mística es nada ordinaria, Andi Sexgang es uno de esos personajes. Él sobresale por su técnica como vocalista al ser iconoclasta en el manejo de tonos y ser bastante creativo para la composición de sus letras, es uno de los pocos que mezcla la furia punk con el amor por la literatura, las leyendas y mitos de su país de origen (Inglaterra), el cine, la historia y, por supuesto, la filosofía especializada y rigurosa, él se ha declarado admirador de Wittgenstein y Bertrand Russell cuando éste último se encontraba desarrollando trabajos en lingüística objetiva. Andi Sexgang es de ese tipo de vocalistas que eligen esa actividad por convicción artística pues aun fuera de ella, cuando no la ejercen, continúan siendo artistas hasta en sus aficiones personales. 

Él comienzo su carrera con un grupo que hoy es uno de los referentes más categóricos de la música obscura, Sex Gang Children, banda que a pesar de su intermitente carrera -se ha separado en varias ocasiones- se catapultó hasta hoy como una banda superviviente de la vieja escuela de la música obscura. Sex Gang Children fue fundadora del Batcave junto con Speciemen, Alien Sex Fiend y otros grupos de corte gótico y tétrico.




Lo que comúnmente se conoce del trabajo musical de Andi Sexgang es lo que él hizo en los años ochenta, clásicos como Dieche, Song And Legend, Maurita Mayer, Sebastiane, es los que se cita por la monótona comunidad de escuchas que se reconocen como góticos y seguidores de este personaje; pero, se pasa por alto otro periodo que en mi opinión es mucho más atractivo, pulido e interesante, incluso complementario dado que para mí un artista completo no es el que se especializa en un solo estilo o género, sino el que explora otros más que incluso pueden ser inimaginables en el momento de sus obras cumbres. Por ejemplo, un verdadero músico de experimental no sólo se puede llamar así mismo como artista sólo por hacer ruido sin sentido y justificarlo bajo la arenga de que ejerce Noise, un verdadero artista es capaz de hacer cosas bellas y horrorosas, etéreas y concretas, subversivas y apacibles. Y Andi Sexgang así lo ha hecho.

Su trabajo en el Ambient y en la música acústica, e incluso romántica, se hizo a finales de los noventas y es un trabajo que deja ver su madurez como músico haciendo a un lado los años salvajes de Sex Gang Childen. Y cosa peculiar, dado que sus escuchas comunes son afectos al cliché, ese trabajo se conoce y se difunde poco. El disco “The Wrath Of God”, que es un disco conceptual que se hizo como tributo al trabajo cinematográfico de Werner Herzog, un disco de música ambiental que bien podría ser un soundtrack, fue un fracaso comercial y es un disco casi olvidado por los seguidores de Sex Gang Children. El disco se publicó en el año 2000.

Justo a finales de los noventa ya se venía anunciando que se aproximaba un disco tan impenetrable como The Wrath Of God; el 1999 salió a la luz el que quizá es el mejor disco que contiene temas acústicos de música obscura post punk que se ha publicado en la historia, el “Pop Up - The Rare And Unreleased World Of Sex Gang” (puedes acceder al disco desde este enlace); en ese mismo año salió a la luz un extraordinario disco solista de Andi Sexgang, un material de música ambiental y acústica que entiendo como antesala de la densidad que hay en The Wrath Of God, hablo del disco “Last of England” publicado en 1999.

Después de la primera separación de Sex Gang Children, Andi Sexgang trabajó con la música de corte cabaret, incluso fue el que la popularizó entre el rock gótico, después de ello lanzó temas de corte Glam (género que siempre influyó al rock gótico y al que pocas veces se le reconoce como influencia prefiriendo creer que el gótico nace como línea directa del punk rock y borrando de un tajo la aportación que hizo el rock psicodélico y el glam de T-Rex y Marc Bolan), y fue después de haber experimentado con esto cuando se adentró a la música experimental y conceptual.

En la actualidad, en la que quizá es su última época creativa, Andi Sexgang ha logrado un trabajo donde confluyen sus raíces y su posterior camino, un trabajo que continúa siendo intenso e interesante y que se lleva de calle a bandas que fueron más comerciales que Sex Gang Children y que se creyó resistirían la prueba del tiempo cuando se volvieran a reunir, pero que en los hechos esas bandas se quedaron atrapadas en el pasado, no se reinventaron y no hicieron nunca más algo de la altura como cuando eran jóvenes, ejemplo de ello es el “Go Away White” de Bauhaus, un disco horrible; en cambio, Viva Vigilante de Sex Gang Children, publicado hace poco tiempo, sigue siendo extraordinario, original y fresco.      

EXPENTANCY: Dark Wave, Ambient, Acoustic
FELLOW: Sleep Chamber, Legendary Pink Dots, Clan Of Xymox







17.7.16

Con profunda tristeza y una quietud que sólo las noticias como estas pueden traer, lamentamos informar que el gran artista de poderosa creatividad, Alan Vega, ha fallecido… Alan murió tranquilamente mientras dormía la noche anterior, el 16 de julio. Tenía 78 años de edad. (Comunicado oficial de la familia de Alan Vega. 16-Julio/2016).
Después de conocer la noticia de su muerte me encuentro un poco descompuesto. Como casi todos, conocí el trabajo de Alan Vega por medio de Suicide. Los conocí hace más de una década atrás de la forma que comúnmente se difunde el subterráneo en México, por medio de la piratería; la impresión que me dejaron es casi la misma que tengo hasta la fecha, un dúo extravagante que supo mezclar la dulzura con unas pintadas que caracterizaban la violencia, escuchar a suicide es como ver espasmos y agresivas contorsiones que ocurren en el momento en que se cree que nada puede pasar, eran por entero impredecibles y eran la cosa más peculiar que había escuchado hasta entonces, y tomar en cuenta que para ese momento ya me creía yo un versado en los derivados del rock, ya había escuchado mucha música que incluía el No Wave, pero nunca los había escuchado a ellos. 

Estoy repasando su breve discografía a dueto entre Alan Vega con Martin Rev que le dio la figura de culto, Suicide, y adentrándome más en el trabajo solista que tuvo su camino tanto en la música como en la pintura. Él era de esos tipos que se inyectaba heroína en los baños de un bar de mala fama, de esos solitarios profesionalizados en el arte porque él era formalmente un artista, incluso poseía título académico en el área, él era de esos jóvenes desarraigados que vagabundeaban por las calles de Nueva York y que por cuenta del futuro que la sociedad estadounidense otorgaba a la juventud, aprendió a odiar su país y su cultura y habló de ese deteste en sus canciones, él habló de la masacre cultural, del robo de destinos, del hambre y el caos de la modernidad, y para ello nunca necesitó de la alharaca y ser un show-man, él siempre fue sobrio y su imagen pública se manejó casi en las sombra, nunca fue una celebridad. 

Así se convirtió en la figura de culto que hoy es, ahora, muerto el 16 de Julio de este año, es casi un mártir.

Triste vida debió llevar para ser quién fue, un artista con una ampulosa genialidad, rudo y con olor a peligro, sobrio, siempre intermitente transbordándose de las presentaciones apabullantes al silencio, así, de la misma forma en que cantaba. Su estilo de canto era como si diera agresivas y arrebatadas pinceladas sobre la hoja, el lienzo o la pared, sus letras hablaban sobre el mundo de hoy y esas letras sólo podían ser escribitas por un hombre de una sociedad desarrollada, su canto era dulce y atormentado, Alan Vega era un hombre hablando de una sociedad consumida por los sueños de progreso de una industria que no cumplió con la promesa de traer con la modernidad la dulzura y la paz a sus ciudadanos. 

Alan Vega era un hombre hambriento de subversión. A lo largo de su carrera en el sonido, junto con Martin Rev creó un sonido que ha sido la tabula sobre la cual ha partido la música electrónica del mundo subterráneo desde el Synth Punk hasta el Electro Dark pasando por el Synth Pop y otros derivados de corte más experimental. Con Suicide ya había hecho lo suficiente para pasar a los anales del underground. Pero su trabajo no se contuvo ahí, lanzó una carrera solista francamente fascinante, no tan obscura como en sus primeros años, pero de igual forma intensa y variada; el Psychobilly, el New Wave, el Synth Pop, hasta el Techno y el Experimental.

En Ergô Felix Culpa se han publicado tres discos de Suicide, los dos oficiales (accede a ellos desde este enlace) y un concierto en el CBGB (accede a él desde este enlace). A su memoria dejo en este post tres discos, dos discos solistas de Alan Vega (Jukebox Babe y Collision Drive) y un material en concierto de aquellos años salvajes en Suicide (Ghost Riders).

EXPENTANCY: Synth, Psychobilly, Obscure Sound
FELLOW: The Cramps, The Units, Snowy Red




15.7.16


El Post Punk nació a fines de los setentas en la cárcel de concreto que fue Manchester, ciudad de hacinamiento que doscientos años antes había sido la cuna de la Revolución Industrial. Para 1979 esa ciudad era la muestra de lo que hace la industria a la naturaleza, la masacra; el post punk originalmente era lúgubre y estaba fuertemente matizado de literatura, incluso algunos de sus letristas pasaron a las líneas del tiempo como poetas, el caso más conocido fue Ian Curtis, pero, en realidad, casi todos los exponentes del post punk escribían de esa manera. Ese aspecto fue uno de los definitorios del concepto “post”.

Durante la línea original del punk el corte de intelectualidad siempre estuvo presente, pero se matizaba en la violencia que fue el carácter saliente que en él impusieron los medios de comunicación que eran principalmente amarillistas. Cuando se empezó a generar el post punk se marcó una línea de clara influencia entre éste y la literatura, los beat, los existencialistas, el psicoanálisis, los poetas malditos y la tradición de los pesimistas, así como el vitalismo de Nietzsche. Toda ella es literatura común de jóvenes y el post punk fue una propuesta juvenil. 

Después de Joy Division, Magazine fue la banda más vitoreada de Manchester en el periodo del after punk. Con Magazine se tiene el grupo más pulido de su estilo en Inglaterra, ella se componía de estudiantes universitarios, incluso Howard Devoto (vocalista) tiene formación académica en historia del arte y en psicología, fue una banda muy dinámica y con más tablas que Joy Division para hacer composiciones; mientras Joy Division era de un tono gris, Magazine conjuga un arcoíris. Este es uno de sus discos de compilación.      

EXPENTANCY: Post Punk, New Wave
FELLOW: PiL, Devo





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