Finalizar el año.

Este disco estuvo rondando para ser posteado desde hacía tiempo, pero cuando selecciono lo que subiré a la red suelo hacerlo de una forma muy espontánea y por ello siempre terminaba optando por cualquier otro material a pesar de que este es uno de los que más disfruto. 

One Million Bulgarians son una banda polaca de la ola del post punk ochentero, el grupo es legendario, pero nunca fue parte de aquellos que comercializaron su actividad más allá de algunos países de Europa. Su estilo es muy característico de las bandas punk del Este, un sonido rudo, un rock viril, obscuro y salvaje sin empapar de saturación sus canciones. Produjeron poco, pero efecto de la importante cantidad de canciones que podrían pasar como himnos de la música que se hizo en ese entonces se convirtieron veteranos respetados en las capas del underground, porque One Million Bulgarians no son como Bauhaus y ese tipo de grupos que evidentemente temen a la censura y al olvido, estos sí son de ese tipo de underground que merece ese nombre. 

Hasta la fecha siguen dando presentaciones y tienen discos compilados bastante interesantes. Hace un tiempo ya presenté el “Warszawa” que es un compilado de tributos a Joy Division hecho por bandas del Este de Europa donde aparece One Million Bulgarians. También están en el ácido Voice Of Toxic Moon, uno de los mejores compilados del sitio.

Pierwsza Plyta es un material que no se publicó en su tiempo porque fue censurado. Tuvo que pasar más de una década para que este disco saliera a la luz. Es un disco monstruoso, un disco para gente que gusta de la vieja escuela y que gusta del rock n roll. 

EXPENTANCY: Post Punk, Gothic Rock, Industrial

FELLOW: Chrome, Public Image Ltd, Sex Gang Children

  

Como suele pasar en estas cosas, hay muchos que hablan de la muerte de una leyenda sólo por el cliché. No pienso en ellos ahora; sólo quiero escribir algo como último asomo de la tristeza que sentí cuando leí la noticia, ya, para cerrar el tema de mi parte.

Como muchos jóvenes desmadrozos, yo creía que ser rockero se traducía en mucha droga, poco trabajo, mucho sexo y un desarraigo por el futuro, y también creía que todo eso se llevaba bien con las noches y desvelos. Decía "ser rockero es una forma de vida"·y creía que esa forma era lo antes descrito. Que tarado. Después, a medida que fui creciendo y decidiendo mi camino fui alejándome por necesidad de esa vida y me acerqué a la vida de un profesionista; no fue sino hasta que me puse a escribir sobre esto en mis ratos libres cuando, ya libre de esquemas juveniles, empecé a entenderlo de otra manera, de una forma más adulta, más profunda, con más convicción. Fue cuando empece a entender porqué hay gente que hace algo tan raro como jugarse todas las cartas con un instrumento, fue cuando empecé a entender que para soportar eso se necesita algo más que virtuosismo; necesita ser tu vida misma, necesita ser tu sangre, tus ganas de pararte de tus convalecencias, salir de un hospital y seguir haciéndolo.

Lemmy fue parte de esos jóvenes que tomaron un instrumento y con eso se la jugaron, con tan poco como un instrumento y muchas agallas. Regularmente se pasa por alto que para hacer una carrera como la suya necesitas múltiples habilidades, necesitas aprender a ser un buen gestor, ser un administrador, ser un negociante, aprender a leer el ambiente del escenario y el humor del público, aprender a tolerar la derrota y el desprecio, la partida de tus amigos, a tolerar una vida llena de tentaciones. Y eso es porque en el rock hay mucho culero, mucha envidia, mucha farsa, mucha tranza, en el rock como en el porno sólo los más listos sobreviven como leyenda. Y Lemmy lo logró.

Haber sido así durante medio siglo mucho mérito tiene, ni los profesionistas que yo suelo postrar en altos estándares logran hacer algo como eso; el profesionista promedio se lanza a la vida laboral y familiar en espera de su jubilación. Muchos nunca han hecho otra cosa más que generar montañas de dinero para patrones que les darán una patada en el culo al final de la jornada.

¿Lemmy fue el mejor? Que a esa tonta pregunta responda la cagadita de la Rolling Stone cuando publique su artículo para lucrar con la muerte (que para eso sirve esa chingadera de revista). Lo que a mí me importa es que era respetado por casi todos, por el underground y lo comercial. Lemmy ya estaba a un nivel donde ser rockero es seguir tu propio camino, y eso es lo único que ahora importa.

Lemmy Kilmister fue el sueño utópico del rock clásico; el rock como garante de la libertad humana por medio del arte. Murió como mueren las grandes personas de la historia; hasta el final, nunca dejó de ser él mismo hasta el final. En cambio, ¿quieren saber cómo muere un Don Nadie? lean La Muerte de Iván Illich.

Este es el Lemmy que yo recordaré, el fuerte, el astuto, el enérgico, el hombre que no se hace de madera corriente...

La última vez que se le vio en vivo paró el concierto, dijo que no podía continuar. Salió del escenario y al regresar usaba un bastón y caminaba encorvado, su voz se apagó al usar el micrófono por última vez para decir: Ustedes son un público maravilloso.

Parecía que había envejecido 40 años más. Era un viejo y esa tarde lo aceptó arriba del escenario. Ese fue su último agradecimiento.

Esta noche Lemmy Kilmister ha muerto, como quien hiciera una mala broma, él, el bajista nocturno.

Estoy seguro de que moriré en la carretera, de una manera o de otra. Pero no le tengo miedo a la muerte.

El tiempo en que las casas discográficas eran hegemónicas en el control de la música bajo parámetros de industria transnacional ha terminado. En horabuena que así sea. Habían abusado de su poder y desde los noventas se especializaban en publicar chingaderas, le hicieron mucho daño a la música, la rebajaron a un nivel de actividad de esparcimiento, y ahora que se encuentran en retroceso no dejan de repetir una y otra vez que el intercambio libre de producciones ha matado la música. Sí, la ha matado, la difusión libre ha matado eso que ellos entendían como música; ha matado a los artistas que sin talento alguno amasaban fortunas sólo partiendo de la aplicación sistemática de una campaña publicitaria, la distribución libre ha matado a aquellos que buscaban lucrar con el arte, también ha matado al rockstar y lo seguirá haciendo le pese a quien le pese, por abajo y por arriba de los dueños de las añejas casas discográficas y de los culeros que se encargaban de lanzar porquerías que llamaban música cuando solamente buscaban idiotizar a las masas. 

A manera de paréntesis; se pasa por alto un aspecto importante que da vida al internet, lo relativo al papel de los anunciantes y los gestores de navegación. Es mentira que la difusión libre mate al artista, lo que le mata es no distribuir las ganancias, los medios digitales deberían dar regalías a quienes navegamos por la red como efecto de que cada vez que un internauta accede a un sitio se diseña el perfil de potencial comprador de productos específicos, así se mantiene el internet, por sus anunciantes. Son los gestores los que deberían pagar regalías al artista; youtube debería pagar al artista por cada reproducción y facebook debería pagar a cada persona por cada contenido generado, debería pagar por cada crítica leída. Incluso ya hay redes sociales que hacen eso, que distribuyen sus ganancias entre sus usuarios, la más famosa de ellas es “Tsu”, que incluso está vetada por Facebook e Instagram (lee aquí la noticia). 

La creación de sonido no ha parado, por el contrario, hoy se generan muchos más proyectos, bandas y OMBs en comparación con lo que se hacía 40 años atrás, algunos no son más que mierda pero hay otros que realmente sí poseen una calidad bastante alta y muy profesional. Además de que ya es posible que se enlacen producciones de distintos países gracias a los beneficios de la tecnología. Hay muchos sellos digitales y otros que publican en físico pero que se mantienen en el espectro independiente que están tomando el lugar preponderante que tenía Virgin Records y la Warner cuando todavía servían como catálogos de referencia para conocer nuevos grupos. Actualmente hay miles de sellos independientes y extrañamente se ha dado el hecho de que algunos de ellos han pasado a ser referentes de géneros y calidad incluso por gente que desde hace tiempo está dentro de la música a niveles profesionales. Incluso hay países que ya tienen su referencia de artistas del sonido gracias a un netlabel, los medios de comunicación impresos están escribiendo sobre variados netlabels pues lo que comenzó como una suerte de experimento y forma de pasar el rato y los tiempos libres hoy es una cuna para conocer talentos. 

Incluso a mí me llevo tiempo entenderlo así, no le prestaba demasiada atención al trabajo de los netlabel, los entendía como una pavada de fracasados que habían hecho un sitio para publicar música de forma digital porque nadie los tomaba enserio. Fue hasta que comencé a empaparme de ellos y a contrastar la actividad que éstos hacían, así como a leer lo que de ellos se publicaba en periódicos y revistas serias que se enfocan al arte que está emergiendo en nuestros tiempos, cuando empecé a entenderlos de otra forma y, principalmente, cuando conocí plataformas que realmente tenían un catálogo interesante y que no sólo publicaban por publicar, sino que había talento mediando el asunto; ese es el caso de Petroglyph Music.

Petroglyph Music (PM) es un importante sello noruego que comenzó en 2012 y para este año ya se encuentra con más de 400 lanzamientos, es uno de los netlabels más respetados entre los que siguen las producciones independientes de años recientes en el ethereal y el ambient, aunque también el free jazz entra dentro de su jugoso catálogo, la plataforma comulga con las cuestiones de la música obscura no comercial, incluso los lanzamiento de jazz que hay en su catálogo está dentro del parámetro del jazz obscuro y experimental. Los creadores de PM con Rune Martinsen y Øystein Jørgensen, éste último es uno de esos hombres que se ha ganado una posición en la era digital efecto de, en un principio, sus producciones como músico y, ahora, como un promotor del intercambio libre de producciones sonoras.   

Para esta ocasión, dado el día de hoy, presento la más reciente entrega de PM, se trata de un lanzamiento que el sello hace anualmente con motivo de cierre de año cada 25 de diciembre. El disco se encuentra dentro del Dark Ambient, el Ethereal, unas pinceladas de noise y, claro está, el experimental. Se trata de 164 tracks, todos los proyectos que en él aparecen suelen publicar en medios digitales o físicos pero siempre en el medio de la música independiente, algunos son bastante conocidos como Mean Flow, Adeptus Mechanicus, A Espiral de Bukowski, Fecal Point, entre otros.

EXPENTANCY: Dark Ambient, Ethereal, Experimental

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Petroglyph Music

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El OMB de música experimental Deicida 69 ha publicado un nuevo track y vídeo. Se trata de una adaptación de un poema escrito por Philip Larkin que lleva por título "MCMXIV" (1914). El poema trata sobre los días previos a la Guerra Mundial.

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Cuando los japoneses crearon a Godzilla no lo hicieron para tener un monstruo en el cine oriental, sino para que la cultura popular japonesa tuviera una referencia de la masacre atómica. Godzilla era la representación del temor a un nuevo ataque con bombas nucleares, incluso su piel y sus llagas se idearon para que fueran lo más parecido a la piel de los sobrevivientes de las bombas que los Estados Unidos lanzaron sobre Hiroshima y Nagasaki. Su director, Ishiro Honda, quiso dejar un símbolo cinematográfico de lo ocurrido en 1945 y responder a las investigaciones que los Estados Unidos hacían respecto a las causas por las que los japoneses daban un trato tan especial y servicial a los que habían usado bombas nucleares contra la población civil. Cuando en los noventas se descalificaron los documentos donde están las conclusiones de las investigaciones sociológicas que los estadounidenses hicieron sobre Japón en la década de los cincuentas, se hizo público que los supervivientes se habían convertido en delincuentes, en suicidas o en asesinos seriales. Hasta la fecha hay una buena dosis de fanatismo y extremismo entre los japoneses.

Cuando aparece el noise contemporáneo, que deriva de la música concreta de principios del XX, Japón se alza como punta de lanza del noise a nivel mundial. El noise es un estilo muy fundamentalista, muy extremista, inaccesible e inadaptado, es rígido tanto en sus idearios como en su sonido y es muy introspectivo. Pertenece a esos estilos que para entenderse se necesita recurrir a la biografía de sus creadores.  El que este estilo haya penetrado de esa manera en Japón no es casualidad, había un terreno abonado para esto.

Para la entrada dejo un material publicado por Zero Records (sello japonés). Se trata de un material que mezcla el Ethereal con el Noise, un material que poco se difunde en la actualidad.  

EXPENTANCY: Ambient, Noise, Experimental

FELLOW: Quasimode, Merzbow, Pale Cocoon

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John Zewizz es una de las figuras veteranas del underground de corte experimental. Su nombre se asocia a múltiples proyectos; Women Of The SS, Sleep Chamber, Green Sex, entre otros, así como sellos discográficos que rodearon el sonido negro, fetichista y primitivo de los ochentas, un sonido de corte conceptual donde la magia, los sistemas de creencias entendidos como satanismos, la sexualidad explícita y una fuerte atracción por el arte anárquico y la autogestión marcó la forma de operar en los músicos del genuino underground, gente peculiar que hasta la fecha se mantiene casi de la misma forma en que se comportaba hace 30 años.

Por vez primera se presenta una entrevista a John Zewizz subtitulada en castellano. En ella trata principalmente tres aspectos de su carrera y sus concepciones de vida; el significado de Sleep Chamber, el significado del concepto Ultimate Minority, y la experiencia en la mítica gira que en los noventas dio en Alemania y a la cual se le atribuye el haber acabado con el grupo e interrumpido su carrera durante un dilatado periodo de tiempo donde dejó de producir de la forma prolífica en que lo hizo durante los ochentas y hasta mediados de los 90s. Incluso se llego a decir que John Zewizz estaba perdido en el mundo de las drogas, específicamente en la heroína, y que su adicción era tan fuerte que sería imposible ya verlo de regreso.

Sería para principios de este siglo donde retornaría tanto a la producción como a los escenarios, ya no con la misma potencia pero sí bajo características semejantes a las que definieron su trabajo; perfiles públicos y abiertos, alejado del estrellato y alejado de la industria oficialista de la música, con disposición a ser entrevistado y hablar sobre él, sus creencias y su actividad. Dejándose ver como una persona transparente y alejada de la parafernalia que suele rodear a los que son clasificados como artistas.

La entrevista capturada se trata de la hecha por "WZBC Radio". Para este vídeo además del subtitulado se hizo un montaje de imágenes y vídeos de Sleep Chamber (que es el trabajo más relevante de Zewizz), y al finalizar se acopla una presentación en directo hecha en 1984 para la TV donde se observa la forma orgánica en la que se hizo el trabajo de Sleep Chamber usando instrumentos acústicos, cajas de ritmos y loopers.

  

Plataforma Records es uno de los Netlabel más afamados en el mundo del subterráneo. Caracterizado por sus duros lanzamientos tanto de bandas emergentes como de veteranas, acceder a sus discos es garantía de tener material iconoclasta, rebelde, muy auténtico. El sello se funda por Antoine Trauma, un conocido artista de experimental en Brasil el cual tiene su propia historia de una persona compleja, algunas ocasiones de difícil carácter y con los tormentos propios de alguien son esta clase de gustos.

“Bastardos Filhos de Euterpe” es un exquisito material del 2015, se trata de un compilado con bandas de diversas partes del mundo. El material es completamente experimental con una fuerza a la antigua escuela, Noise, Punk, Ambient, Harsh, etc., obscuro, intransigente, con ese viento a fanatismo que tanto disfruto. Antoine Trauma lo define así:

El título se traduce como “Bastardos Hijos de Euterpe”, un gran título que describe el material. En la mitología griega Euterpe es una de sus musas relacionadas con la protección de las bellas artes aristocráticas, la flauta y después la poesía. El denominar como bastardos a los participantes de este disco es halagüeño; es hacer un reconocimiento explícito de que se es uno de los hijos no queridos, no reconocidos, ser parte de los que ejercen la transgresión: Tristeza Infinita, Satanoise TV, E:db, DUOBIO, Deicida 69, TSF, Negro Leo, entre otros.      

  EXPENTANCY: Experimental, Noise, Ambient, Punk

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*Plataforma Records (Fanpage)

*Plataforma Records (Net)

EXPENTANCY: Noise

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El proyecto de la Unión Soviética buscó construir paradigmas políticos, económicos y sociales distintos a los del mundo occidental, además de la guerra ideológica se daba una guerra por el posicionamiento estratégico principalmente en las regiones asiáticas, europeas y las del oriente medio, lo cual se vio expresado en los diversos conflictos bélicos durante el periodo de la Guerra Fría en los cuales nunca hubo enfrentamiento directo entre los EU y Rusia, pero sí duelos mediados en otros países donde cada bando solía apoyarse en términos militares y económicos en alguno de los dos bloques. La Unión Soviética se presentaba como peligrosa al mundo occidental porque ella se había transformado en una superpotencia mundial en menos de medio siglo, algo que no se había visto anteriormente en la historia de la humanidad, y se presentaba al occidente -principalmente a los países del Tercer Mundo- como una alternativa al modelo capitalista donde muchos entendían a éste no como un garante de la libertad y los derechos humanos, sino como una sanguijuela para los países subdesarrollados. Existen múltiples tesis (actualmente destaca la que le ha dado a Joseph Stiglitz el premio nobel en economía) que concluyen que el capitalismo se ha fundamentado en un modelo de saqueo (algo que ya había apuntado Marx desde el XIX), la acumulación originaria del capital fue precisamente un periodo de saqueo transnacional. En las Venas Abiertas de América Latina, libro de Eduardo Galeano, se describe -muchas veces tocado detalles- la forma en que los Estados Unidos y Europa han saqueado Latinoamérica, e incluso la forma en que han destruido a los pueblos como efecto de haberles arrebatado toda su riqueza, ello como efecto de la sobreexplotación.   

En el caso soviético, los adelantos técnicos, científicos, tecnológicos y artísticos estuvieron acompañados de las premisas que daban sustento a su esquema ideológico; la eliminación de la burguesía, el colectivismo, el control estatal de la economía, de la educación, el carácter eficientista y utilitario, el sistema burocrático de partido desarrollado por Lenin, así como diluir aquello que escapaba a ese ideario lo que trajo como efecto la privación de libertades en el sentido occidental del término. Los hechos de represión no sólo ocurrieron en la URSS sino también en los EU; el papel de Lavrenti Beria (KGB-URSS) no era esencialmente distinto al de John Edgar Hoover (FBI-EU), ambos eran homicidas, incluso la carrera de Hoover fue más extendida y exitosa en comparación con la de Beria y no fue sino hasta su muerte que se aceptó que John Hoover era un psicópata que forjado en la arenga del “anticomunismo” cometió múltiples actos criminales y creó relaciones de complicidad en las altas esferas del gobierno, incluso se daba el permiso de chantajear con información delicada a los presidentes de los Estados Unidos (solía usar como instrumento de canje las costumbres sexuales de los presidentes, las infidelidades maritales, las adicciones a drogas, las complicidad con las mafias, etc.). Existen múltiples documentales e investigaciones al respecto, incluidos documentales del sector conservador estadounidense -History Channel- que recuerdan a Hoover como uno de los personajes más siniestros del siglo XX en EU. 

La URSS generó una personalidad que a los occidentales nos es complicada de entender, con el advenimiento de la revolución se dio una concatenación de los principios que a ésta le daban fundamento, principios marxistas-leninistas, con la idiosincrasia de ese país para el cual el supremacismo siempre ha sido una característica sobresaliente. El supremacismo es en términos llanos sostener que se es esencialmente superior a otro, existen diversas formas de supremacismo, hay el supremacismo racial, el supremacismo religioso, supremacismo cultural, etc., es muy propio de aquellos países que aspiran a la hegemonía, a ser potencias regionales o mundiales. Aun cuando el termino es moderno y su desarrollo teórico se puede ubicar en el Siglo XVIII, en la historia han existido ejemplos de esto, los griegos sostenían ser un pueblo esencialmente superior a sus contemporáneos gracias a su desarrollo cultural, los romanos son otro ejemplo, la URSS también lo fue, la Alemania Nazi, los Estados Unidos también lo han sido.  Una de las formas concretas en que se expresa el supremacismo es por medio de obras magnánimas, hay una búsqueda casi obsesiva por hacer las cosas en grande, por ejemplo, el nacionalsocialismo dio múltiples ejemplos de eso en sus concentraciones públicas donde los líderes del partido eran presentados casi como seres sobrehumanos, dictando grandes discursos ante miles de personas que les vitoreaban, estructuras enormes acompañadas de enormes banderas, reflectores iluminando los cielos de Alemania, parlantes de bocina a lo largo del país reproduciendo el mensaje de los líderes. Otro ejemplo eran las obras monumentales enormes que hicieran tributo a las figuras políticas del régimen soviético, también figuraban los centros urbanos donde más de una vez se planteaba construir la estructura más grande del mundo como muestra de la superioridad de la URSS respecto al bloque capitalista.

El carácter de superioridad y el socialismo impregnó lo moral, lo política, lo social, y también alimentó las formas artísticas que emergieron en la Unión Soviética, no siendo una excepción el arte vanguardista que si bien no fue un producto soviético sí hay en la vanguardia artística soviética un impulso seminal que impactó todo el mundo. El término “vanguardia” tiene raíces militares, se le llama así a la línea militar de frente, a los que abren camino. En el arte, los vanguardistas son aquellos que van por delante de las tendencias de su tiempo y abren brechas aceptando los conflictos e incomprensiones que ello atrae, como lo es la censura, la planeación y ejecución de obras que parecen desquiciadas, la exploración de nuevas formas de entender lo artístico y dar respuestas alternativas a la pregunta ¿qué es el arte?, así como la realización de productos humanos que parecen imposibles. En él vanguardismo se trabajaba con la intención de romper los esquemas artísticos normales, léase conservadores, y regularmente se nutre de elementos filosóficos que no habían sido tomados a consideración, suele encontrarse ligado a periodos de vertiginosos cambios socioculturales. No está de más señalar que la referencia a lo vanguardista no es un objeto artístico concreto, sino a una categorización; en el movimiento vanguardista mundial se conjuga el surrealismo, el abstractismo, el futurismo, el expresionismo, el cubismo, el dadaísmo, entre otros. En esta categoría se siguen procesos creativos divergentes a las usadas en a lo conservador que tiende a ser hiperrealista (los artistas conservadores se asocian con formas renacentistas y más aún del momento heleno donde se buscaba una reproducción fiel y perfecta de las cosas), en cambio los vanguardistas suelen generar obras bajo parámetros de creación kinestésicos, por ejemplo, algunas veces se puede estar haciendo una proyección visual mientras que los otros creen que se hace música, dado lo cual regularmente se tiene que conocer la justificación verbal de la obra (¿por qué el autor la hizo? ¿cuál fue su objetivo? ¿qué intenta mostrar?) para poder entenderla, dicho de otra forma: no es arte que tenga una interpretación literal (a manera de apunte, los artistas de noise suelen seguir ese mismo principio, de ahí que se hagan llamar vanguardistas. El noise interpretado de forma literal sería únicamente ruido). 

Otros ejemplos; los surrealistas fueron una de las escuelas más comercializadas de la vanguardia, ellos impulsaban una forma de arte irracional como forma de denuncia a los horrores de las guerras mundiales que habían sido hechas bajo parámetros de racionalidad política y económica, posteriormente se asociaron al psicoanálisis dando atención especial a las teorías del subconsciente y al papel de los sueños (el caso de Dalí da constancia de ello). A su vez, para los exponentes de lo abstracto éste tenía que obedecer al ensimismamiento para ser una abstracción del arte a sí mismo, “captar la cosa en sí” eliminando todos los caracteres accesorios y decorativos de una pintura o una escultura: representar sólo lo básico, el carácter que hace arte al arte. Los expresionistas jugaban con el color y la luminosidad, pues en ello ubicaban la fuente de la emoción, la manera de comunicarse con el espectador. Para la perfección en el trazo era elemento que carecía de importancia. 

Aunque no existe un modelador común a todos los vanguardistas (ni entre ellos mismos hubo un acuerdo conjunto en torno a los objetivos, a las formas, a las finalidades y a los mecanismos), sí se puede hablar de una línea matriz: la anarquía creativa y la deliberada exploración de territorios imaginativos que no habían sido tomados en cuenta antes. Uno de los terrenos más fértiles para los vanguardistas fue la Rusia en el periodo leninista, periodo en el cual se intentó hacer un cambio de dirección desde los cimientos, donde era necesario experimentar las implicaciones de nuevas formas artísticas, donde se prestó mucha atención al papel del arte como mecanismo pedagógico de masas y donde muchos artistas vanguardistas ocuparon importantes cargos en el sector de la cultura. Los artistas de vanguardia rusa se nutrieron del supremacismo y del ideario político socialista, fue -como antes se ha mencionado- el periodo leninista donde tuvo su tiempo de esplendor, los vanguardistas rusos fueron fuertemente criticados por los occidentales dado que los primeros sostenían que el arte no debía ensimismarse sino que debía de encontrarse ligado a la realidad social y debía cumplir fines utilitarios para esa misma sociedad creando productos que cumplieran fines de uso práctico a la vez que eran bellos; mientras que en occidente se defendía justamente lo contrario, para los occidentales el arte debería ser en su estado puro y no contagiarse de las necesidades políticas y sociales de una época determinada (claro está, existieron excepciones a cada una de estas opiniones, pero aquí trato de la línea rectora, de la tendencia que se dio en la discusión). Para los artistas rusos el arte por el arte era una justificación burguesa de lo artístico (pues cuando se hace así sólo es útil -desde su parecer- como producto decorativo), los soviéticos buscaban una justificación social, un tipo de arte que no fuera decorativo sino útil y accesible a todos, que sirviera a su sociedad. Incluso el diseño gráfico y la arquitectura moderna está fuertemente influida por esta visión práctica, el diseño gráfico moderno se originó en Rusia.     

La sinfonía urbana a gran escala de Arseni Avraámov se estrenó en 1919, requería contingentes repartidos por la ciudad para hacer sonar sirenas de fábrica y de barco, silbatos a vapor, artillería, una marcha fúnebre y La Internacional. Bandera roja en cada mano, el compositor dirigía desde lo alto de una torre diseñada para que todos pudieran verlo. La versión final de la obra fue presentada en Moscú en 1923, para celebrar el sexto aniversario de la Revolución. 

EXPENTANCY: Experimental, Ambient

   

El día de ayer intercambiaba mensajes con un colega que vive en España, tratábamos sobre el valor de “Control”, la película biográfica hecha a Ian Curtis. Estuvimos de acuerdo en que ésta se centraba de forma excesiva en el Ian emotivo, en el Ian romántico y atormentado emocional, que trataba el laberinto emotivo que era ese hombre pero que poco se hablaba del impacto que su ciudad, Manchester, tuvo sobre él, sobre el grupo y sobre la escena que se generó en ese lugar a finales de los setentas y se extendió hasta mediados de la siguiente década. Es decir, la película tenía un corte muy individualizado y poco sociológico. Así como el punk californiano tiene su toque particular que hace ser casi por inmediato ser identificado, la escena manchesteriana tuvo su propio espíritu. 

Entender de esa forma, individual, una actividad artística genera la idolatría del individuo lo cual es, a mi parecer, una cosa desagradable. Se tiene que hacer un esfuerzo por entender la ciudad y la época para entender el arte y, en general, las actividades humanas. 

Manchester era una ciudad futurista no en el sentido expuesto en las obras de los utópicos que suelen ver lo futurista como el progreso asociado al desarrollo de la felicidad, por el contrario, la evidencia empírica ha mostrado que el progreso se relaciona con la tristeza y la claustrofobia, el uso de drogas y el suicidio, el conflicto social, lo frío y  la enajenación, y también nos ha mostrado que es en las ciudades desarrolladas donde se da un tipo de arte asociado a lo marginal donde la emoción intenta emerger regularmente de una forma casi desesperada. Manchester fue la cuna de la Revolución Industrial británica y cuando llegaron los setentas la ciudad era una cárcel de concreto donde no había árboles o jardines, era un sitio con zonas habitacionales hechas bajo una lógica de arquitectura modernista que empuja a la vida de hacinamiento, era una ciudad que había sido exprimida por la pujante industria del XIX y que para el último tercio de los setentas presentaba una realidad densa y con tintes apocalípticos que podría hoy tener su reflejo en la ciudad de Detroit de los EU, la cual tiene múltiples construcciones en ruinas, construcciones que alguna vez ostentaron ser la cuna del progreso. 

Fábricas abandonas, problemas demográficos tanto por su crecimiento como por la edad promedio de sus habitantes, calles grises al ser muy definitorio de los centros industriales el poseer poco juego de color, carencia de empleo, etc. Resumiendo; Manchester era una especie de pueblo postindustrial británico, una zona que había sido arrinconada a la periferia de los beneficios de la modernidad después de que se le explotó en los tiempos de gloria de la industria pesada del Reino Unido, la industria del metal.

El sonido que emerge en Manchester durante el periodo Post Punk solía ser maquinado con letras explícitas trabajadas, lo lóbrego y lo traumante. Las causas para ello estaban tanto en las características de su ciudad como al tipo de acceso que se tenía en su cartera cultural; los Beat, especialmente Burroughs, los existencialistas y los poetas malditos franceses eran la literatura típica de los jóvenes que se encontraban inmersos en estos estilos de sonido, a su vez cuando Sex Pistols (un grupo ligado a la zona capital Inglaterra, la cual tenía más dinámica y más vida) se presentaron en Manchester generaron conmoción (me baso en las declaraciones que han sido públicas en diversos medios, incluyendo el documental del 2007 de Grant Gee respecto a la escena manchesteriana, específicamente Joy Division).  

Es algo casi indiscutible que Joy Division han sido la banda más famosa que nace en esa ciudad en el periodo afterpunk, sin embargo, existieron muchas otras, incluso algunas de mayor calidad pero que por circunstancias de manejo de imagen se mantuvieron más cercano al subsuelo del sonido. Joy Division fueron la banda insignia de Factory Records y posteriormente de la Warner, no fueron una banda traidora desde mi criterio, pero sí eran una banda digerible que hoy es casi un estandarte para algunos. Pero otros que tenemos un tipo distinto de gusto, quizás podría decirse que es un gusto más rasposo, nos inclinamos por propuestas más arriesgadas; Magazine es una de ellas.

Ellos también nacen en Manchester y también grabaron con Martin Hannett, famoso productor de la Factory que le regaló ese estilo tan peculiar a Joy Division (vale la pena conocer la manera en que grababa los sonidos del grupo, aspecto al que no entraré aquí pero que les recomiendo investiguen dado que era casi metafísico). En el caso Magazine la figura principal fue Howard Devoto, del cual antes he presentado material como solista (puedes acceder a él en el siguiente enlace), un estudiante universitario que estuvo dentro de la primera línea del punk y posteriormente de todo el afterpunk que se hizo en Inglaterra, un letrista de primera línea mucho más dinámico que Ian (el cual tampoco era malo, pero sí era más predecible que Howard), dispuesto a utilizar lenguaje vulgar en sus composiciones y con un registro vocal interesante, así como interesante ha sido toda su vida. La banda se crea con una intención de mezclar el punk con el progresivo lo cual dio resultados exquisitos, una música negra y viva, algunas veces muy violenta y casi suicida, un estilo muy razonado y vitalista.

Para este post dejo dos discos de su primer periodo (puedes descargar el material desde este enlace) el The Correct Use Of Soap que es un material brillante y ya próximo al New Wave, para quienes entiendan ingles apreciaran en las letras un trabajo magnífico, este disco es sarcástico desde su título y la fuente instrumental también es buena pero ya no es sombría como sí se apreció en el Real Life (su primer material) y más aún en el Secondhand Daylight que es un disco que no guste a muchos pero que a mí me parece de los mejores de su carrera. Este este segundo el otro que he integrado al post.

Ya recuperada la página, la cual sirve bastante para llegar a un medio más amplio, esta entrada está dirigida a entregar un peculiar grupo brasileño de los 80s, el cual hizo verdaderas joyas en la música obscura en ese país del sur del continente. Sus variantes se encontraron paralelas al rock gótico, al cold wave y al new wave, esto durante el periodo del Post Punk original. Llegué a ellos hace diez años por un disco compilado de bandas brasileñas de música obscura, posteriormente supe que sus publicaciones estaban hechas bajo ese rock de inspiración independiente que tanto se hace en Brasil, de ese tipo de rock que no persigue el lucro, incluso todos sus discos están disponibles para descarga libre en el bandcamp oficial del grupo.

Days are Nights se encuentran activos hasta nuestros días, continúan produciendo discos y aún realizan presentaciones en vivo. Su semejanza la encontraría con un aderezo de The Cure, una electrónica de la segunda época de Ultravox y unas bases de guitarra muy semejantes a Ocean Blue. Es un estilo que no fue valorado a la altura justa de su peculiar originalidad.

EXPENTANCY: Gothic Rock, Cold Wave

FELLOW: OMD, The Cure, Ultravox

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FANPAGE

BANDCAMP

A lo largo de la existencia de este sitio he sido censurado en mínimo 30 ocasiones, y todas ellas han sido en Facebook; desde la eliminación de post, vídeos, bloqueos para publicar contenidos y esta última la eliminación de la cuenta raíz desde la cual administraba la fanpage de esta página, así como la de Deicida 69. Así me uno a los miles de usuarios que Facebook ha censurado por subir a esa red social una imagen de arte que muestra pezones, acto que ha sido aplicado incluso a las madres que han osado subir fotos amamantando a sus hijos, porque hasta ello prohíbe el pequeño censor llamado Mark Suckenberg. 

Ahora, ya eliminado sin aviso previo el perfil raíz me es imposible seguir realizando entradas en la fanpage de Ergô Felix Culpa, y a menos de que pueda recuperarla, que tampoco es algo que me preocupe y por lo tanto no creo invertir más que un par de mensajes pidiendo la restitución de la cuenta, hoy queda formalmente cerrada en Facebook. 

Quizás en un futuro abra otra, pero por un tiempo me mantendré sólo con el blog pues la red social era, al fin de todo, sólo para difundir los post que aquí presento y descargar denuncias hacia los que considero farsantes. 

El material de rock que se hizo en Japón durante los ochentas es por sí mismo un material de culto para nosotros, occidentales. Anteriormente se ha presentado aquí material de ese país donde el experimental y el noise jugaron un relevante papel para el desarrollo del sonido oriental; se tiene a INU, un fugaz proyecto de Post Punk  experimentalista, a los míticos Gerogerigegege que fueron uno de los ejercicios más subversivos que se hicieron en los ochentas y noventas y que desaparecieron sin dejar un solo rastro, ni la gente especializada en el proyecto sabe qué ocurrió con ellos, se ha sostenido que su creador terminó en un manicomio después de la muerte de su hermano.  También se ha presentado a los ultra-underground +ALPHA, así como diversos compilados que nunca tocaron en físico este país y que hoy llegan a nosotros por medio del ejercicio conocido como Kill Your Tape, piratería para los que no lo entiendan. Se puede acceder a los lanzamientos desde esta liga donde he clasificado los post que vienen de Japón. 

En esta ocasión dejo a su mano uno de los discos más queridos de mi colección, un disco de los ácidos Daisuck & Prostitute, un material de 1981 que algunos ya conocerán pero que en su gran mayoría, principalmente en México, les es completamente anónimo incluso en el nombre. Daisuck & Prostitute fue uno de ese tipo de grupos que mezcló el rock experimental con la psicodelia y el punk durante los ochentas, dando como resultado un atípico estilo Post Punk, un sonido muy genuino, vanguardista, con tintes industriales. Un estilo que se encuentra por encima del Post Punk ortodoxo que se hizo en Manchester (Joy Division, New Order, etc.), se trata de música para minorías. 

EXPENTANCY: Post Punk, Dark Wave

FELLOW: Public Image Limited, Chrome, Theatre of Hate

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La historia de Sex Pistols es una de las historias más interesantes y apasionantes que existen en el rock hecho en los setentas. Incluso por ello es una historia donde abundan las críticas; pero no conozco un solo crítico que no los adore y que no les escuche aunque sea en privado, los ataques que han recibido (que ya los sortean como el mejor de los deportistas) regularmente se centran en un único factor que es la comercialización que se les dio, eso es casi lo único que se les achaca; es una crítica muy acotada de la cual se ha exagerado. Cabe decir que las fuentes directas han sostenido que la raíz de esas burlas está en lo que dijo un hocicón resentido cuando terminó su minita de oro, Malcolm McLaren. 

Con Sex Pistols no se puede decir que eran malos músicos de punk, ni que escribían sandeces para sus canciones, ni que se hubieran dedicado a fusilar (robar) canciones de otros, ni que no fueran innovadores o rebeldes. No conozco en la lengua británica un grupo que me sea tan fascinante como los Pistols; CRASS también fue grande pero su brillo fue distinto, y respecto a The Clash a mi parecer nunca alcanzaron esa genialidad que sí tenían los Pistols para hacer himnos con muy pocas cosas, con un rock tan básico y con tan pocas producciones. Cada vez que escucho el Never Mind the Bollocks me parece mucho mejor, la forma de cantar de Lydon, las bases instrumentales y los arreglos de Steve Jones, Matlock y Paul Cook, lo que decían sus letras, lo arriesgado que era hacer un disco así en esos años y también me gusta ese juego sedicioso y ambuguo que tuvieron las grandes casas discográficas y el grupo respecto al trabajo de cuatro tipos sin experiencia en la música y, en realidad, sin experiencia en nada, porque eran uno buenos para nada. Incluso ni como ladrones de instrumentos eran buenos (muchas veces los pillaron), no eran buenos en la escuela, no trabajaban, y ni ellos sabían lo que estaban a punto de crear cuando se decidieron por un amateur que cantó “I'm Eighteen” frente a una máquina para poner discos. Los Sex Pistols son para mí de ese tipo de historias de gente que tiene que encontrarse en la vida para crear un alto simbolismo y que una vez hecho, porque la vida es pinche, tienen que desaparecer. 

El material de este post lo proporciono en el siguiente enlace (acceder a él). Se trata de un disco con tres volúmenes, de ese tipo de discos que se publicaron de forma posterior a 1979, a la desaparición del grupo, y que contiene algunas ediciones y masterizaciones inéditas así como rarezas. No está a la altura del “We Have Cum For Your Children” que es una colección de tracks inéditos interesantes, pero vale la pena principalmente para que lo conozcan. Son 61 tracks donde incluso se integran dos montajes en vivo de Flowers Of Romance, un proyecto fugaz del cual se habló mucho dadas las personas que pertenecieron a él. 

EXPENTANCY: Punk Rock

FELLOW: The Clash, The Ramones, Iggy Pop

Como último post del mes en la website proporciono un compilado interesante hecho a principios de los 90s; Noise Forest. Se trata de una selección de proyectos veteranos de Noise, no poseo información en torno a algunos de ellos, pero sí tengo el dato de que es un disco lanzado en el país cuna del Noise, Japón. 

En muchos otros post he dado mi opinión respecto a estos estilos, casi todo el sitio se enfoca en las variantes del experimental, así que no veo necesario aturdir de nuevo con lo que ya he escrito, además de que no poseo mucho tiempo para el post.

Sin preámbulos, el disco y un vídeo exclusivo del sitio censurado en YouTube, un vídeo de un track que podrán encontrar en este compilado. 

EXPENTANCY: Experimental, Noise

Inicié mi adolescencia escuchando punk rock. Mi niñez se dio con cosas más clásicas, The Police, AC/DC, Black Sabbath, algo de folk de Dylan y también de folk latino; pero fue hasta los inicios de mi temprana adolescencia cuando empezaron a llegar los discos de punk -todos piratas-  a mis manos. Hablo de principios de los 90s y finales de los 80s. Sex Pistols primero y después la ola de España, que fue con la cual realmente le conocí. En esos entonces La Polla Records, RIP y Eskorbuto eran cosa de escuchar todos los días, incluso con ellos fue con los que comencé a pensar en política y, claro está, en las drogas tan comunes para el desarrollo juvenil de casi cualquier persona que anda metida en el rock.

Ahora recuerdo esos tiempos con el velo de la visión de un adulto y de un profesionista, recuerdo esos días con poca claridad pero en los destellos más lúcidos  de la memoria siempre hay música de por medio; la primera vez que compré un cassette de Eskorbuto en un puesto de música callejera debajo de un sucio puente, mis primeras escapadas al mal llamado “tianguis cultural” del Chopo para comprar vídeos con el poco dinero que tenía gracias a un trabajo como un niño vendedor ambulante, las veces en que los rotos (punk callejeros que me parece ya casi todos están muertos, muchos murieron de SIDA) me hacían de piltrafa, tiempos en los que ni imaginaba que quedaría preñado a esto, teniendo una relación profunda con el sonido. 

Entre las diversas bandas que corrieron por mis manos y que me impresionaron, hasta la fecha me siguen pareciendo grandiosos, está La Polla Records. Ellos hacían un punk rock muy elegante, un juego instrumental que pocas veces se ve en esa clase de estilos, y uno de los mejores letristas de rock en castellano.  Posteriormente se mezclaron con un sonido más hardcore que ya no me pareció tan original como lo que se presentó en sus primeras producciones; Salve, Revolución, No Somos Nada, etc. 

El disco que de ellos proporciono en este post fue una de sus últimas producciones, se publicó en 2001 cuando la fama del grupo ya era mundial. Hoy algunos de sus miembros han muerto y son una leyenda, la España de la narrativa oficialista no le ha reconocido casi nada a La Polla, a ese grupo que puso por alto el nombre de su país a su manera, que lo puso en la boca de los jóvenes de Latinoamérica y enseño a muchos a pensar el punk en castellano e incluso a superar en muchas vertientes a los denominados punx británicos y estadounidenses.  Y es que, guste o no a los promotores de la cultura oficialista, así, por mecanismos rupturistas y críticos, también se desarrolla la cultura de los países. Para el habla hispana el nombre de “La Polla Records” ya es un referente. 

EXPENTANCY: Punk Rock, Hardcore

FELLOW: Escorbuto Crónico, RIP

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Dead Can Dance fueron de las primeras agrupaciones que intervinieron sobre las corrientes de sonido obscuro con una intención de integrar aspectos de la música de cámara y lo barroco en el Dark Wave dentro de la familia del Post Punk en los ochentas; incluso ellos fueron los que siembran la semilla de Ethereal. Antes de ellos las agrupaciones de música obscura estaban fuertemente ligadas a estilos con génesis en el rock 'n' roll, especialmente el punk, pero Dead Can Dance hizo una apuesta diferente, una apuesta más cercana a lo étnico, al multiculturalismo y a lo ambiental, e incluso desde su primer disco se nota ya el grado de erudición en su música; letras muy bien hechas, composiciones instrumentales severas y formas de canto que son propias de personas que conocen bien su voz porque la han estudiado y entrenado. Dead Can Dance es un grupo de música obscura de corte académico.   

En Dead Can Dance no hay odio, no hay vulgaridad, no hay esos arrebatos de los que tanto disfrutamos en nuestros momentos de pesimismo y sensación de fortaleza. Su música es de corte ritual y en cada una de sus dos figuras principales hay genialidad; Lisa Gerrard, australiana, y Brendan Perry, británico, son instrumentalistas múltiples; sus herramientas van desde el triada común de cualquier banda de rock (bajo, batería, guitarra) hasta otras poco usadas por las agrupaciones ortodoxas, como el acordeón, la zanfona, el yangqin, el bajo sexto, los sintetizadores, pero lo más impresionante es lo que logran hacer con sus respectivas voces; baste escuchar la delirante voz de Lisa en la canción titulada Ocean (quinto track de su disco homónimo) para darse cuenta de su profesionalidad, también la dulce voz de Perry en canciones como Fortune y Anywhere Out. A su vez, ambas figuras cuentan con un trabajo solista magnífico. 

Para este grupo el título de artistas les viene bien, incluso cumplen con uno de los parámetros que muchos consideramos importantes para definir el arte; Dead Can Dance se mantuvo para un escucha específico y publico sus discos en sellos pequeños, en ellos no entró ese enloquecido deseo de fama y masas a pesar de que tenían el potencial para convertirse en música masiva dada la belleza de sus temas. Es grupo que hace composiciones pensando en un público culto, educado, Dead Can Dance tiene un estilo aristocrático, entendiendo por aristocrático el sentido que Dalí, y otros, daban al término, un sentido que nada tiene que ver con la realeza o la casta. Una aristocracia intelectual, personas de pensamiento pulido y gustos exquisitos y exigentes.  

Para este post dejo en este enlace (accede a él desde aquí) los primeros tres discos que lanzaron para 4AD. El homónimo, Dead Can Dance (1984); Spleen and Ideal (1986) y Within the Realm of a Dying Sun (1987). 

EXPERIMENTAL: Dark Wave, Post Punk, Ethereal 

FELLOW: Human Drama, Lycia, Stoa

Una proporción grande de lo que se difunde como sonido underground realmente no lo es. Ese título es hoy causa de honor y por ello se le usa tanto; sin embargo, se requiere de un temperamento muy particular para identificarle, así como entender sus causas y sus métodos, sus objetivos y sus razones. Por ejemplo, Bauhaus no es underground, Joy Division tampoco, tampoco lo es The Clash o The Cure, ni Sisters Of Mercy, y la lista podría extenderla pero  los entendidos no necesitan más. Ellos saben a qué refiero.

Cuando escuché a Mean Flow me sorprendió por razones que resumo principalmente en dos causas; primera, el disco no parecía haber sido hecho en 2015, no tiene un sonido contemporáneo sino un sonido de la vieja escuela característico de las grabaciones de los 60s y 70s, parecía pertenecer a los tiempos de John Baker y Roger Limb, es decir, a los inicios de la música electrónica, muy propio del Musique Concrète, y eso es complicado de encontrar hoy en un artista, es difícil encontrar en los lanzamientos actuales música de un minimalismo futurista. La segunda razón está en la forma en que produce este proyecto y otros alternos del mismo autor, el cual es un griego llamado Theofilos Tsiolakakis que viene publicando desde mediados de los años ochenta. Todas las producciones se han lanzado en compilados autogestionados, discos en formato digital disponibles sin costo alguno, participaciones en Split con otros proyectos, presencia en sellos independientes con sede en diversas partes del mundo, producciones que están en la dimensión del subterráneo y, cosa muy común en los artistas del underground, una forma de manejarse como si se fuera una persona común pero con doble vida, una ponzoñosa desplegando una creatividad muy original y otra vida haciendo lo ineludible para sobrevivir. Y ocurre que esto es necesario dado que del underground no se vive de las ganancias, cuando éstas llegan a tenerse (que casi es nunca) pasan a segundo término, son aspectos irrelevantes para el proceso creativo, son aspectos secundarios y por ello hay una actitud deliberada por renunciar a éstos. 

Beauty Underground es disco que Mean Flow publicó en este 2015, es un material adecuado para conocer el underground contemporáneo, un disco con toques negros y rugosos, sedicioso, místico, en ocasiones delirante; un disco brillante con múltiples destellos de belleza. De ese tipo de materiales que se encuentran en el espectro de la música para una minoría de gusto exquisito.   

EXPENTANCY: Minimal, Dark Wave, Musique Concrète

FELLOW: MCH Band, La T, Haare

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